Lauro António Apresenta...

CINEMA: O ARTISTA

2012-01-29T01:45:00.001Z

O ARTISTA

“O Artista” foi uma das grandes surpresas do ano passado e encontra-se agora a disputar todos os grandes prémios internacionais, dos Globos aos Oscars, depois de ter passado fulgurantemente pelo Festival de Cannes. Trata-se de uma produção franco-belga, em grande parte rodada nos EUA, que tem tudo para agradar ao público americano, desde uma sensibilidade à flor da pele, um bom gosto indesmentível, uma toada nostálgica sobre a década de 30 (curiosamente ou talvez não, a da grande crise do pós “Crash” de 1929, que tanto tem a ver com os nossos dias, e também aquela que, em termos cinematográficos, assistiu à passagem do “mudo” para o “sonoro”), um humor discreto mas saudável, um “happy end” meio amoroso, meio laboral, que mostra que quem não desiste arranja sempre uma forma de suplantar as dificuldades, e ainda muito bons aspectos técnicos, e um elenco de superior qualidade. Tudo resumido, resulta num excelente divertimento, um entretenimento que sabe bem saborear, mas muito pouco mais.

Comecemos pelas novidades. Nenhumas ou muito poucas. Em 1976, Mel Brooks já tinha realizado um filme “mudo”, precisamente “A Última Loucura” (Silent Movie), no qual um realizador norte-americano procurava dirigir uma longa-metragem “muda”, em época de “sonoro” avançado. Curiosamente, o único que dizia uma palavra durante toda a obra, era um mimo, Marcel Marceau, que nos seus espectáculos nunca falava. Ali invertiam-se os papéis. Muito divertido e engenhoso, com Mel Brooks, Marty Feldman e Dom DeLuise em grande forma.

Também a homenagem a grandes filmes da história do cinema tem sido pano para muitas mangas, e recordo uma bem interessante, a divertida comédia detectivesca de Carl Reiner, em 1982, “Cliente Morto Não Paga a Conta” (Dead Men Don't Wear Plaid), onde se procurava homenagear o policial e o “filme negro”, com a recuperação de muitos dos estereótipos e ícones do género. A ligação entre cenas dos próprios filmes citados e as recreadas era brilhante e Steve Martin deu um salto qualitativo na sua carreira com esta interpretação. “O Artista”, em muitos aspectos, fez-me recordar este filme.

“O Artista” tenta uma evocação dos tempos gloriosos do “mudo” e, simultaneamente, recordar as provações a que estiveram submetidas algumas das grandes vedetas do cinema silencioso, quando apareceu o som síncrono no ecrã. Já o víramos de forma absolutamente notável na obra-prima de Stanley Donen e Gene Kelly, “Serenata à Chuva” (Singing the Rain), de 1952. Nesse aspecto, “O Artista” é um quase “remake” desse musical admirável, como Gene Kelly, Debbie Reynold e Donald O´Connor. “The Artist” conta-nos a história de uma grande vedeta do cinema mudo, George Valentin (Jean Dujardin), que um dia ajuda a singrar no cinema uma jovem pretendente a actriz, que aparece como figurante em pequenas cenas de dança, Peppy Miller (Bérénice Bejo), precisamente nos anos charneira em que a industria vai abandonar o cinema mudo e lançar-se no cinema sonoro. A estreia oficial do filme que Valentin acaba de rodar, logo nas cenas iniciais, não pode ser mais idêntica à sequência final de “Singing the Rain”, com a actriz medíocre a ser subalternizada no palco pelo galã que dirige as operações. Valentin tem nome de Rudolfo, mas filmes de Douglas Fairbanks (aquelas cenas de aventura trepidante, onde só muda o cenário, “A Russian Affair” logo seguido por “A German Affair” são bem uma referência óbvia). Depois há um pouco de tudo como homenagem a grandes clássicos do mudo, mas também do sonoro. Logo a abrir, o grito durante a tortura, é uma evocação de “O Couraçado Potemkine”, mais adiante os eléctrodos lembram “Metropolis”, a luz vinda da janela durante as reuniões remetem para “O Mundo a seus Pés”, bem assim como a sucessão de planos de pequenos almoços que vão assinalando o esmorecer da relação do actor com a mulher, o bailado final recupera outros de Fred Astaire e Ginger Rogers, e por aí fora.
Michel Hazanavicius, o realizador de “O Artista”, é um cinéfilo, um apaixonado pelo cinema e conhece bem os clássicos. Anteriormente, tinha rodado duas paródias aos filmes de espionagem que são muito divertidas e que já utilizavam o mesmo princípio de evocação-homenagem: “Agente 117” (2006) e “OSS 117: Rio ne Répond Plus” (2009), curiosamente com o mesmo protagonista, Jean Dujardin.

Ora bem, onde é que esta obra de Hazanavicius me parece mais interessante, ganhando algum relevo? Precisamente na forma como se relaciona com o “mudo”. George Valentin é um actor mudo, o próprio nome diz-nos que deve ser de origem francesa, logo não fala muito bem o inglês (um óbice fatal, quando se passa para o sonoro), mas durante todo o filme ele (ou as suas personagens) recusa falar. Logo no início, o herói por si vivido no ecrã é torturado para falar e “não fala”, depois a mulher (na vida real) deixa-lhe um recado, “Precisamos falar. Por que não falas?”, and so on, and so on.

George Valentin não é homem de palavras, não quer falar, e vai manter-se irredutível. Quando o produtor Al Zimmer (excelente John Goodman), dos Kiograph Studios, lhe diz que o cinema a partir daquela altura tinha som, ele responde, “Fique com os seus filmes sonoros, eu fico com as minhas obras-primas” e, qual Griffith ou Chaplin, roda um novo “mudo”, “Tears of Love”, que irá arruiná-lo por completo. Ele é o “Lonely Star” que vemos anunciado num cinema ao longe, mas irá ter o seu “Guardian Angel”, outro título visível numa sala quando sabemos que Peppy Miller corre em seu auxílio.
Valentin sente os ruídos à sua volta, os copos a tilintar, uma pena a esvoaçar que cai no chão com o barulho de um trovão, e esse som incomoda-o visivelmente. Atormenta-o. Marca a sua queda. A ruína. O incêndio, onde o vemos, qual Citizen Kane, em cima das bobines dos seus velhos filmes que ele destrói, aparentemente dominando a situação, mas na realidade sendo consumido pela decadência inexorável, é igualmente retrato de uma solidão suicida que só não vai avante pelos esforços combinados do seu fiel cão, Uggie, do seu não menos devotado mordomo e motorista, Clifton (magnífico James Cromwell), e da sua apaixonada Peppy Miller.
A única vez que George Valentin fala é no final, para agradecer um cumprimento do produtor, e percebe-se por que foi afastado no “sonoro”: nem a voz é agradável, nem o sotaque é possível. Ele, como muitos outros, será uma vítima das conquistas da tecnologia. O seu tempo de grande vedeta pertence ao passado, a menos que o seu sapateado mereça ser colocado ao lado do de Fred Astaire. Mas este também cantava. O futuro não deixa grande margem para optimismo, apesar do aparente “happy end”.
Grande filme? Não tanto. Mas uma obra que se vê com agrado, num magnífico preto e branco, com uma reconstituição de época notável, e um elenco que merece todos os encómios, onde se destacam o francês Jean Dujardin e a argentina Bérénice Bejo, um belíssimo par romântico, com um ironia fina que se auto parodia com inteligência. Hazanavicius já era um realizador a seguir com atenção. Agora redobradamente.

O ARTISTA
Título original: The Artist
Realização: Michel Hazanavicius (França, Bélgica, 2011); Argumento: Michel Hazanavicius; Produção: Jeremy Burdek, Antoine de Cazotte, Daniel Delume, Nadia Khamlichi, Thomas Langmann, Richard Middleton, Emmanuel Montamat, Adrian Politowski, Gilles Waterkeyn; Música: Ludovic Bource; Fotografia (p/b): Guillaume Schiffman; Montagem: Anne-Sophie Bion, Michel Hazanavicius; Casting: Heidi Levitt; Design de produção: Laurence Bennett; Direcção artística: Gregory S. Hooper; Decoração: Austin Buchinsky, Robert Gould; Guarda-roupa: Mark Bridges; Maquilhagem: Cydney Cornell, Julie Hewett; Direcção de Produção: Antoine de Cazotte, Segolene Fleury-Slimane, Varujan Gumusel, Frank Mettre, Christina Lee Storm; Assistentes de realização: James Canal, David Allen Cluck, David Paige, Lou Salomé Piron; Departamento de arte: Martin Charles, Carol Kiefer, Adam Mull; Som: Valeria Ghiran, Nadine Muse; Efeitos especiais: David Waine; Efeitos visuais: Seif Boutella, Amandine Moulinet, Romain Moussel ; Companhias de produção: La Petite Reine, La Classe Américaine, JD Prod, France 3 Cinéma, Jouror Productions, uFilm, Canal+, CinéCinéma, France Télévision, Le Tax Shelter du Gouvernement Fédéral de Belgique; Intérpretes: Jean Dujardin (George Valentin), Bérénice Bejo (Peppy Miller), John Goodman (Al Zimmer), James Cromwell (Clifton), Penelope Ann Miller (Doris), Missi Pyle (Constance), Malcolm McDowell, Beth Grant, Ed Lauter, Joel Murray, Bitsie Tulloch, Ken Davitian, Basil Hoffman, Bill Fagerbakke, Nina Siemaszko, Stephen Mendillo, Dash Pomerantz, Beau Nelson, Alex Holliday, Wiley M. Pickett, Ben Kurland, Katie Nisa, Katie Wallack, Hal Landon Jr., Cleto Augusto, etc. Duração: 100 minutos; Distribuição em Portugal: PepperView Entertainment; Classificação etária: M/ 12 anos; Estreia em Portugal: 2 de Fevereiro de 2012.

TEATRO: JUDY GARLAND - O FIM DO ARCO-ÍRIS

2012-01-28T22:29:00.001Z

JUDY GARLAND - O FIM DO ARCO-ÍRIS

Depois de ter tratado sempre com grande amor e entusiasmo os casos de divas como Amália, Maria Callas ou Edith Piaf, Filipe La Féria lança-se na evocação de Judy Garland, através da encenação do musical “Judy Garland - O fim do arco-íris”, um original de Peter Quilter, que tem sido bem recebido nos palcos de todo o mundo e agora sobe à cena no Teatro Politeama de Lisboa.
Inglês de nascimento (Colchester), Peter Quilter estudou na Universidade de Leeds, emigrando depois para as Ilhas Canárias, onde reside. Iniciou a carreira como apresentador de televisão, na BBC, e estreou-se como dramaturgo com uma comédia, “Respecting Your Piers”, mais tarde rebaptizada como "Curtain Up", a que se seguiram uma adaptação de Oscar Wilde, “The Canterville Ghost”, o musical, e uma nova comédia, “BoyBand”. O seu primeiro grande sucesso internacional seria, todavia, em 2005, “End of the Rainbow”, que se estreou na Sydney Opera House, na Austrália. Em Inglaterra, surgiu no Royal Theatre de Northampton, com encenação de Terry Johnson, e interpretação de Tracie Bennett. Chegou ao West End londrino, para se instalar no Trafalgar Studios, tendo recebido quatro nomeações para os “Laurence Olivier Awards”, melhor nova peça, melhor actriz, melhor actriz num papel secundário, melhor som. A sua carreira prosseguiu em Madrid, Hamburgo, Rio de Janeiro, e vai estrear nos EUA, a caminho da Broadway, onde conta chegar a 19 de Março deste ano.
Outro musical de grande sucesso do mesmo autor é “Glorious!”, contando-se ainda no seu reportório obras como “Celebrity”, “Just the Ticket”, “Curtain Up!”, “The Nightingales” ou “The Morning After”.
“Judy Garland - O fim do arco-íris” é, como se calcula, uma homenagem à lendária actriz e cantora que nos legou, entre outros, filmes como “O Feiticeiro de Oz” ou “Não Há Como a Nossa Casa”, “O Pirata dos Meus Sonhos” ou “Assim Nasce Uma Estrela”, para só citar alguns.

Judy Garland nasceu com o nome de Frances Ethel Gumm, a 10 de Junho de 1922, em Grand Rapids, Minnesota, nos EUA, e viria a falecer muito jovem ainda, aos 47 anos, em Londres, a 22 de Junho de 1969. Desde muito nova que se entregou ao espectáculo, os pais eram artistas de variedades e cantores, Francis Avent "Frank" Gumm (1886-1935) e Ethel Marion Milne (1893-1953), e formou com duas outras irmãs mais velhas, Mary Jane "Suzy" Gumm (1915-64) e Dorothy Virgínia "Jimmie" Gumm (1917-77), um trio a que deram o nome “The Sisters Gumm”, que, depois de muitos espectáculos de teatro de “vaudeville”, se estreou no cinema, em 1929, em “Revue Big”. A última aparição de “The Sisters Gumm” no ecrã surgiu em 1935, em “La Fiesta de Santa Barbara”, uma curta-metragem musical. Passaram então a chamar-se “The Garland Sisters”, dado que Gummo não era nome que soasse bem. Mas o trio não durou muito. Suzanne Garland casou, abandonou a carreira, e também Frances Ethel Gumm foi substituída por Judy Garland. "Judy", como homenagem a uma popular canção de Hoagy Carmichael, e Garland, aí as explicações fiam mais fino e há várias, para todos os gostos, desde uma influência da personagem de Carole Lombard (Lily Garland), até um elogio recebido por telegrama da actriz Judith Anderson, onde se referia a palavra "Garland" (grinalda). É já como Judy Garland que assina o seu primeiro contrato a solo com a MGM. Estávamos em 1935, ela tinha treze, catorze anos 1, 64 m de altura, , o pai morrera pouco antes, vítima de meningite, e a “,Babe”, como era chamada pelos familiares e amigos, logo passou a “filha da MGM”, onde dominava Louis Mayer, que tinha por hábito alimentar-se sexualmente de todas as suas actrizes.
A seu lado, tinha as “vedetas” da casa, entre as quais Ava Gardner, Lana Turner ou Elizabeth Taylor, e Garland não era o que se pode chamar o “glamour” em pessoa, a uma primeira vista. Na sua idade, não era nem carne nem peixe, e Louis B. Mayer, uma vez recusados os avanços, ao que consta, referia-se a ela como a "pequena corcunda". Mas a popularidade da jovem actriz era muita, sobretudo desde que cantara “You Made Me Love You”, no aniversário de Clark Gable, e posteriormente no “All-Star Extravaganza Broadway Melody” de 1938, desta feita perante a fotografia do actor. A MGM inventou então a parelha Judy Garland - Mickey Rooney, que apareceu numa série de musicais para adolescentes. O primeiro data de 1940, “Thoroughbreds B Don't Cry”, a que se seguiram mais oito. Mas foi “O Feiticeiro de Oz”, de 1939, que marcaria para sempre a sua carreira e a tornaria imortal, sobretudo através do êxito sem precedentes que foi a sua interpretação do clássico tema “Over the Rainbow”.

Rapidamente Judy Garland se torna dependente de medicamentos e drogas, de álcool e tabaco. Afirma-se que Louis Mayer, “para melhor rentabilizar os serviços da jovem” lhe administrava anfetaminas para a estimular e, depois, barbitúricos para que dormisse quando já não era necessária”.
A sua vida torna-se um carrossel com altos e baixos cíclicos. Profissionalmente é uma das mais celebradas vedetas dessas décadas de ouro do musical, aparecendo nalguns dos grandes filmes que assinalaram o género. Mas, em simultâneo, a dependência torna-se uma constante, as crises multiplicavam-se, com tentativas de suicídio regulares, e os seus efeitos sobre o trabalho também, com atrasos e ausências a filmagens. Começou várias obras que não terminou, sendo despedida e substituída por outra actriz. Particularmente, a sua vida sentimental era instável. Casou com David Rose (1941-1944), com o cineasta Vincente Minnelli, de cuja ligação nasceu Liza Minnelli, (1945-1951), Sidney Luft (1952-1965), Mark Herron (1965-1967), e Mickey Deans (1969), que a encontrou morta na banheira do seu apartamento, num hotel da capital inglesa.
Em 1999, o “American Film Institute”, numa sondagem entre os seus membros, colocou-a em oitavo lugar, entre as dez maiores estrelas femininas da história do cinema americano. Desde a sua morte, cujo enterro foi acompanhado por mais de 22 mil pessoas, que é um ícone da história do cinema e do espectáculo.
Foi esta personagem singular, mas não tão singular assim, quando olhamos a história do espectáculo mundial, onde exemplos similares são frequentes, que serviu de base à peça de Peter Quilter, que se centra somente nas últimas semanas de vida da actriz, quando em Londres se encontra a actuar no “Talk of the Town”. A peça mostra o mau feitio da actriz, no seu relacionamento com o seu dedicado pianista, Anthony (Carlos Quintas), e com o seu quinto marido, Mickey Deand (Hugo Rendas), mas, de certa forma, tenta fazer compreender esse génio desesperado pelos amargos de boca por que a actriz passou ao longo de toda a vida. De qualquer forma, este tipo de trabalhos deixa sempre uma certa sensação de ligeira hipocrisia e de aproveitamento pós-mortem. É verdade que Judy Garland, como muitas outras e outros, tiveram vidas sacrificadas, mas também não o é menos que deveria ser muito traumatizante trabalhar com ela, sujeito a todos os seus estados de espírito. Mas a peça parece uma sincera homenagem, não muito brilhante enquanto escrita teatral, mas suficientemente interessante para se acompanhar com agrado.

Filipe La Féria, tal como o país, vive um período de vacas magras, e não se nota em “Judy Garland - O Fim do Arco-Íris” aquele arrojo espectacular que costuma ser seu timbre. A encenação oscila entre dois cenários, o quarto de hotel e o palco do “Talk of the Town”, sendo que é aqui que se passam os momentos mais exaltantes, com a interpretação de Vanessa Silva, como Judy Garland, uma bonita e poderosa voz e uma interpretação que, na noite da estreia, começou naturalmente nervosa e lentamente foi ganhando o palco e admiração dos espectadores. Carlos Quintas e Hugo Rendas cumprem com a habitual dedicação.

VAVADIANDO COM RITA RIBEIRO. DIA 4 DE FEVEREIIRO

2012-01-28T16:52:00.000Z

THEO ANGELOPOULOS, A MINHA HOMENAGEM

2012-01-26T03:56:00.002Z

A MINHA HOMENAGEM

Há uns meses, para um ciclo sobre cinema europeu,escrevi sobre Theo Angelopoulos e o seu filme "O Olhar de Ulisses": Aqui fica como homenagem a um dos mestres do cinema contemporâneo.

THEODOROS ANGELOPOULOS

Theodoros Angelopoulos (em grego: Θεόδωρος Αγγελόπουλος) nasceu a 27 de Abril de 1935, em Atenas, Grécia. Estudou direito na Universidade de Atenas. Após o serviço miliar viajou até Paris estudando na Sorbonne e matriculando-se depois no IDHEC (Instituto de Altos Estudos Cinematográficos), regressando depois a Atenas, onde iniciou uma carreira como jornalista e crítico de cinema.

Começou a sua obra cinematográfica na curta-metragem, em 1967, durante a Ditadura dos Coronéis. As suas primeiras longas-metragens ostentam um cunho profundamente político, analisando a Grécia moderna: Days of '36 (Meres Tou 36, 1972), The Travelling Players (O Thiassos, 1975) ou The Hunters (I Kynighoi, 1977). Estabelece uma equipa com quem colabora regularmente: o director de fotografia Giorgos Arvanitis, o argumentista Tonino Guerra ou o compositor Eleni Karaindrou. Uma narrativa ambígua, um tempo lento e saboreado da imagem, sequências longas em planos fixos coreografando diversas personagens, uma estrutura narrativa hábil e rigorosa, intelectualizada e filosófica na sua riqueza fazem de Angelopoulos um dos mais importantes realizadores vivos. Em 1978, foi membro do Júri do 28º Festival de Cinema de Berlim. Os seus filmes foram presença regular nos primeiros anos do extinto Festival de Cinema da Figueira da Foz.

Filmografia

Como realizador:

1958: E EKPOMBEI (The Broadcast) (curta-metragem)

1970: ANAPARASTASI (Reconstrução)

1972: MERES TOU '36 (Dias de ‘36)

1975: O THIASSOS (A Viagem dos Artistas)

1977: E KENEGE (Os Caçadores)

1980: O MEGALEXANDROS (Alexandre, o Grande)

1981: CHORIO ENA, KATEKOS ENAS… (One Village, One Villager) (TV)

1983: ATHINA, EPISTROFI STIN AKROPOLI (Atenas) (TV)

1984: TAXIDI STIN KYTHIRA (Viagem a Citara)

1986: O MELISSOKOMOS (The Beekeeper)

1983: TOPO STIN OMICHLI (Paisagem no Nevoeiro)

1991: TO METEORO VIMA TOU PELARGOU (O Passo Suspenso da Cegonha)

1995: TO VLEMMA TOU ODYSSEA (O Olhar de Ulisses)

1995: LUMIERE ET COMPAGNIE (um episódio)

1998: MIA EONIOTITA KE MIA MERA (A Eternidade e Um Dia)

2007: CHACUN SON CINÉMA (A Cada um o seu Cinema) (um episódio)

2004: TRILOGIA I: TO LIVADI POU DAKRYZEI (The Weeping Meadow)

2009: I SKONI TOU CHRONOU (A Poeira do Tempo)

O OLHAR DE ULISSES

“Também a alma, se quer reconhecer-se, deve olhar para a outra alma.” Platão.

Com esta citação abre o brilhante trabalho de Theo Angelopoulos a que deu o nome “O Olhar de Ulisses” e com o qual procura uma inteligente e invulgar actualização da viagem de Ulisses, retratada na “Odisseia”, de Homero.

Estamos em 1994-95 (o filme estreou em 95). Um realizador grego, exilado nos EUA (Harvey Keitel), regressa à sua aldeia natal para apresentar uma polémica obra sua, que cria alguns atritos aquando da sua exibição. A sala de cinema sofre pressões e recusa a sua passagem, e o cine clube local resolve projectá-lo numa praça da cidade, à chuva, gerando confrontos entre facções contra e a favor. O cineasta não parece muito preocuapado com o facto, e percebe-se rapidamente de que este regresso à Grécia é apenas um pretexto para uma outra aventura. Ele anda a investigar o que aconteceu a três bobines de um filme rodado nos primórdios do cinema (terá sido mesmo o primeiro filme rodado na Grécia e nos Balcãs) pelos irmãos Manakis, e que foram dadas como desaparecidas. Julga-se mesmo que nunca terão sido reveladas e não se sabe do seu paradeiro. Será que existem? Serão apenas um mito bem propagado?

O cineasta despede-se da Grécia e parte para a sua viagem pessoal, um périplo pelos países balcânicos. Toma um táxi e viaja até à Albânia. Na data em que decorre o filme, estes países acabam de sair da época de influência soviética e experimentam um caminho novo, com liberdade, mas ameaças latentes, um pouco a cada esquina. O motorista também tem o seu lado filosófico: “A Grécia morreu. Vivemos três mil anos entre estátuas.” O realizador começa a perceber igualmente que a realidade que vai conhecer (ou reconhecer, pois alguma já a viveu quarenta anos antes) está muito mudada: “A realidade dos Balcãs é muito mais difícil do que a da América.”

A viagem inicia-se pela fronteira com a Albânia, mas continuará a ser intercalada com imagens de um filme mudo, de 1909, onde se vêem fiandeiras. Irão funcionar como um refrão ao longo da obra, um reavivar de um olhar perdido no tempo. Afinal este é um filme sobre o olhar, o olhar de Ulisses em busca de um outro olhar, de um outro cineasta, olhar perdido no tempo e preservado em três caixas metálicas que nunca chegaram a conhecer a luz do dia, ou a luz do projector que lhes restituiria a vida. Ele sabe que os irmãos Manakis não se interessavam particularmente por política ou questões rácicas. Eles fotografavam pessoas. Registavam tudo. Todas as transformações, todos os contrastes. É esse olhar que o cineasta procura. O primeiro olhar. A inocência perdida.

A viagem continua. Skopie. Sofia. Bucareste. Encontra uma mulher, a mulher (Maia Morgenstern), Penélope que irá deixando em cada cidade. Ele conta do seu impasse. Ele fotografa mas era como se já não tivesse olhar. Os negativos revelados saíam negros.

Segue-se uma das cenas mais impressionantes do filme e bem reveladoras do estilo de Theo Angelopoulos: em plano único, numa sala de um palacete, apenas com a deslocação das personagens, numa encenação brilhante e com marcações de um virtuosismo notável, assiste-se à passagem do ano de1945, com o regresso do pai de um campo de concentração, passando depois a uma nova passagem de ano, 1948, em que o pai é preso pelas novas autoridades comunistas, saltando-se depois para o ano de 1950, com a requisição da casa pelas mesmas autoridades, até se chegar à fotografia de família, onde se integra o cineasta quando jovem.

Corte e vemos o cineasta acordar num quarto de hotel, dando ligação a uma nova sequência absolutamente genial: um guindaste com uma majestosa cabeça de Lenine coloca-a numa barcaça onde já se encontram os restos da mesma estátua, que irá subir o Danúbio rumo à Alemanha e à colecção privada de um coleccionador. A enorme estátua, vestígio de outros tempos, caídos em desgraça, sobe o rio deitada na barcaça. É uma imagem de derrota, de despojo, recordação que vai repousar adormecida num museu particular de um milionário alemão. Ironia do destino.

A viagem é escoltada por milhares de olhos que a acompanham nas margens do rio. Curiosidade mórbida? Homenagem? Adeus? Certeza de uma partida sem retorno?

O cineasta recorda de novo os irmãos Manakis e o seu entusiasmo pelo cinema. Em 1905, em Bucareste, disseram-lhes que vendiam máquinas de filmar em Londres. Foi aí que compraram a máquina que rodou os três rolos míticos que se tornaram um enigma.

Em Belgrado, procura na Cinemateca. “Deus criou o mundo, a viagem, a nostalgia”, pensa. Mas daí enviam-no para Sarajevo sitiada, em plena guerra da Bósnia. Um nova cinemateca onde Ivo Levi, o velho director (o bergmaniano Erland Josephson) vai guardando momentos belos da história do mundo, da civilização, da cultura. Ali se encontram, escondidos das balas e das explosões, tesouros, uma memória que urge preservar: Murnau, Dreyer, Orson Welles, Bergman, Eisenstein… O pesadelo abateu-se sobre o mundo. “Adormecemos num mundo e acordámos estremunhados noutro.”

A entrada na cinemateca meia esventrada é um ritual sagrado. Uma máquina de projectar envolta e plástico branco, assemelha-se a uma imagem num altar. Numa cidade de sombras, de pessoas que correm pelas ruas como animais foragidos, que aproveitam o nevoeiro para viverem normalmente, mas onde a música invade as ruas estilhaçadas e os prédios bombardeados, onde a mulher reaparece mostrando que o amor é possível, mas onde a crueldade do homem tudo parece derrotar, alguém luta por fazer sair da obscuridade um olhar. Ivo Levi explica-se: “Sou um coleccionador de olhares desaparecidos”. Que por fim ganham corpo, e luz.

Uma citação de Homero encerra este “Olhar”: “Quando regressar, virei com outro nome e com um outro fato. Voltarei. Esta é história da humanidade. Uma história que não termina”.

“O Olhar de Ulisses”: uma obra-prima do cinema. Um olhar grandioso sobre a viagem do homem sobre a terra. A inteligência, a sensibilidade, a beleza em cada fotograma, em cada cena, em cada olhar.

O OLHAR DE ULISSES

Título original: To Vlemma tou Odyssea ou Ulysses' Gaze (versão inglesa)

Realização: Theodoros Angelopoulos (Grécia, França, Itália, Alemanha, Inglaterra, República Federal da Jugoslávia, Bósnia e Herzegovina, Albânia, Roménia, 1995); Argumento: Theodoros Angelopoulos, Tonino Guerra, Petros Markaris, Giorgio Silvagni, segundo poema de Homero; Produção: Theodoros Angelopoulos, Phoebe Economopoulos, Eric Heumann, Dragan Ivanovic, Herbert G. Kloiber, Saimir Kumbaro, Piro Milkani, Ivan Milovanovic, Amedeo Pagani, Lucian Pricop, Giorgio Silvagni; Música: Eleni Karaindrou; Fotografia (cor): Giorgos Arvanitis, Andreas Sinanos; Montagem: Takis Koumoundouros, Yannis Tsitsopoulos; Casting: Alexandros Labridis, Margarita Manda, Dinko Tucakovic; Design de produção: Dinos Katsouridis; Decoração: Miodrag Nikolic, Giorgos Patsas; Guarda-roupa: Giorgos Ziakas; Maquilhagem: Fani Alexaki, Filippas Kapsalis, Katerina Moletti, Athina Tseregof; Direcção de Produção: Kostas Lambropoulos, Slobodan Pavicevic; Assistentes de realização: Pere Alberto, Lakis Antonakos, Angelos Frantzis, Takis Katselis, Alexandros Labridis, Panayiotis Portokalakis, Sasa Radojevic, Stratis Vouyoukas, Nenad Dizdarevic; Departamento de arte: Hristos Goutis, Thodoros Mourtas; Som: Thanassis Arvanitis, Yannis Haralambidis, Marton Jankov-Tomica; Efeitos especiais: Pino Carozza, Srba Kabadajic, Nenad Pukmajster, Olivier Zenenski, Dusan Zivkovic; Companhias de produção: Paradis Films, Basic Cinematografica, Istituto Luce, Th. Angelopoulos Productions, Tele München Fernseh Produktionsgesellschaft (TMG), Channel 4, Concorde Film, La Générale d'Images, La Sept-Arte, Radiotelevisione Italiana (RAI), Mega Channel, Canal+, Greek Film Center, Centre National de la Cinématographie (CNC), Euroimages Fund of the Council of Europe; Intérpretes: Harvey Keitel (A), Erland Josephson (S., Director da Cinemateca), Maia Morgenstern(a mulher de 'Ulysses'), Thanasis Vengos (taxista), Giorgos Mihalakopoulos (amigo e jornalista), Costas Santas, Dora Volanaki (velha senhora), Mania Papadimitriou, Giorgos Konstas, Thanos Grammenos, Alekos Oudinotis, Angel Ivanof, Ljuba Tadic, Vaggelis Liodakis, Gert Llanaj, Agni Vlahou, Giannis Zavradinos, Vangelis Kazan, Mirka Kalatzopoulou, Dimitris Kaberidis, Eva Kotamanidou, Miranda Kounelaki, Natalia Mihailidou, Nikos Kouros, Nadia Mourouzi, Vasilis Bouyiouklakis, Christoforos Nezer, Tania Palaiologou, Stratos Pahis, Jenny Roussea, Stratos Tzortzoglou, Giannis Fyrios, Dora Hrisikou, etc. Duração: 176 minutos; Distribuição em Portugal: Atalanta Filmes; Classificação etária: M/ 12 anos; Estreia em Portugal: 25 de Abril de 1996.

MORRE THEO ANGELOPOULOS, AOS 76 ANOS

2012-01-26T03:46:00.001Z

Notícia recebida:

Realizador de 76 anos
não resistiu aos ferimentos do atropelamento

O cineasta grego Theo Angelopoulos, vencedor em 1998 da Palma de Ouro no Festival de Cinema de Cannes e do Leão de Ouro, em Vezena (1980), morreu na noite desta terça-feira, na sequência dos ferimentos que sofreu num atropelamento, horas antes, perto de Atenas.
Angelopoulos foi atropelado por uma moto ao final da tarde de terça-feira, em Pireu, junto à capital grega. O realizador, de 76 anos, foi hospitalizado com ferimentos considerados graves, acabando por morrer quatro horas depois devido a uma hemorragia interna, noticia nesta quarta-feira a agência de notícias AFP, citando fonte do hospital.
Com uma carreira de mais de 40 anos, Theo Angelopoulos foi o realizador que conseguiu que a cinematografia grega atingisse audiências internacionais, destacando-se geralmente nos festivais europeus.
Em 1995, venceu o Grande Prémio do Júri do Festival de Cannes, com o filme “O Olhar de Ulisses”, protagonizado pelo actor norte-americano Harvey Keitel, e três anos depois, em 1998, conseguiu o prémio principal do festival, a Palma de Ouro, com “A Eternidade e um Dia Antes”, sobre um escritor que tem o seu último dia de liberdade antes de ser internado no hospital. Antes, em 1980, recebera o Leão de Ouro com “Alexandre, o Grande”.
Nascido a 27 de Abril de 1935 em Atenas, Angelopoulos viveu na Grécia durante os seus períodos mais conturbados. Enfrentou a ocupação nazi durante a Segunda Guerra Mundial e passou depois pela Guerra Civil Grega, entre 1946 e 1949, acontecimentos que acabaram por marcar a sua cinematografia, que abordava geralmente temas políticos. A imigração e o exílio também foram temas recorrentes nos filmes do realizador.
Nascido a 27 de Abril de 1935 em Atenas, Theo Angelopoulos não descobriu logo a sua paixão pelo cinema, mas apenas no final dos anos 1960. Licenciado em direito, foi depois de se mudar para Paris, onde estudou no Instituto de Estudos Cinematográficos de Paris, que percebeu que a advocacia não era carreira para si. Já com novo curso, decide então voltar a Atenas e envereda pelo jornalismo, dedicando-se à crítica de cinema. Estava assim descoberta a sua grande vocação, o cinema.
A Paris voltou depois muitas vezes, deixando a sua marca no cinema francês. Representante da “nova vaga” do cinema grego dos anos 1970 e 1980, os críticos consideram que influenciou consideravelmente o cinema que se fazia em França naquela época.
Os seus filmes ficaram caracterizados pelas paisagens sombrias, o ritmo lento e os longos períodos sem qualquer fala, características que nem sempre conseguiram agradar ao público e à crítica. “Sou um homem pessimista”, dizia muitas vezes o realizador.
Por terminar ficou a sua trilogia sobre a Grécia e o século XX. O primeiro filme, “The Weeping Meadow”, saiu em 2004, e remontava a 1919, com a chegada à Grécia dos refugiados de Odessa, terminando em 1949, no rescaldo da II Guerra Mundial.
O segundo filme, “The Third Wing” (2008), começa no dia da morte de Estaline, em 1953, e termina em 1974. Ficou a faltar “Return”, que começaria nos finais século XX e terminava nos nossos dias.
O Huffington Post lembra ainda uma entrevista televisiva recente do realizador, no ano passado, na qual Angelopoulos revelou alguns dos seus planos para um próximo filme, explicando que seria sobre a actual grande crise financeira que a Grécia enfrenta.
Actualmente estava a trabalhar o seu próximo filme, que deveria chegar aos cinemas este ano, “The Other Sea”.

CINEMA: A TOUPEIRA

2012-01-26T03:32:00.002Z

A TOUPEIRA

É sabido que os admiráveis romances de espionagem de John le Carré são não só extremamente bem escritos e sufocantes de intensidade, como muito complexos e intrincados na forma como são construídos. “A Toupeira” (Tinker Tailor Soldier Spy), escrito em 1974, é o primeiro tomo de uma trilogia dedicada a Smiley, concluída com “The Honourable Schoolboy”, 1977, e “A vingança de Smiley” (Smiley's People, 1979). Segundo o próprio escritor, a ideia inicial desta série dedicada a Smiley era uma obra de dez ou quinze romances, uma espécie de “Comédie Humaine” da Guerra Fria, contada em termos de espionagem mútua”. Mas o evoluir dos tempos e da própria personagem ditaram o cancelamento do projecto.

Em 1982, o próprio John le Carré, conjuntamente com John Hopkins, escreveram uma adaptação para televisão, numa mini série inglesa, em seis episódios, dirigida por Simon Langton, a que deram o título de "Smiley's People". Alec Guinness compunha um extraordinário George Smiley, num elenco de que faziam parte Eileen Atkins, Bill Paterson, Vladek Sheybal, Andy Bradford, Bernard Hepton, Michael Byrne, Anthony Bate, Tusse Silberg e Germaine Delbat, entre outros. John Le Carré confessa que Alec Guiness era tão bom na interpretação que a partir daí ele passou a ser George Smiley. Certamente uma dor de cabeça para qualquer actor que voltasse a cair na tentação de encarnar a personagem. Aconteceu a Gary Oldman, que se sai do empreendimento de forma brilhante. Com comparação ou sem ela.

De resto, esta nova adaptação de “Tinker Tailor Soldier Spy” deve ter tido todo o apoio do escritor, apesar da adaptação não lhe ter passado pelas mãos, e ser da responsabilidade de Bridget O'Connor e Peter Straughan. Mas Le Carré é um dos produtores desta co-produção europeia que reúne França, Inglaterra e Alemanha, e foi rodada não só na Grã-Bretanha, como ainda na Hungria e na Turquia, sendo que as filmagens em Budapeste levaram a alguma alteração do argumento (no romance essas cenas passavam-se na Checoslováquia). Mais, numa das cenas, que recupera uma festa de Natal, John Le Carré surge como figurante, o que é outro sinal da sua aprovação plena.

O realizador é o sueco Tomas Alfredson que nos deslumbrara em 2008 com o seu magnífico “Deixa-me Entrar”. Aqui volta a causar boa impressão na forma como encena esta intrigante história de espionagem múltipla, este jogo de espelhos entre a URSS e a Inglaterra e a América, pelo controle da informação criptada, com agentes duplos pelo meio e a criação de um ambiente de soturna solidão e desconfiança permanente, com a violência física e psicológica e a morte sempre à espreita. Os cenários são de uma infinita tristeza e hostilidade, as cores são mortiças, os sons abafados, as palavras ciciadas, a melancolia é plangente, a ausência de emoções gera uma frieza de trato, só aqui e ali quebrada por uma discreta confissão de amor, logo desmentida por um acto de violência sem igual. O todo é opressivo e derrotante. John le Carré sabe do que fala pois integrou, durante alguns anos, o MI6, um dos departamentos dos serviços secretos ingleses, tarefa de que se afastou quando Kim Philby, o agente duplo britânico, denunciou a identidade de dezenas de espiões ocidentais ao KGB.

Se o romance se alicerça numa estrutura complexa, o filme não lhe fica atrás. Principia em Budapeste, quando o agente Jim Prideaux (Mark Strong) persegue preciosas informações de um agente e é assassinado em plena rua, à luz do dia. Jim Prideaux cumpria ordens do chefe do MI6, Control (John Hurt), e o falhanço da missão leva ao afastamento de Control e também de George Smiley (Gary Oldman), seu braço direito. A direcção do MI6 passa a ser dominada por Percy Alleline (Toby Jones), Bill Haydon (Colin Firth), Roy Bland (Ciarán Hinds) e Toby Esterhase (David Dencik). Mas, pouco depois, Smiley é convidado a regressar ao MI6 para investigar a existência de um traidor. Ou para confirmarem ser ele próprio esse agente duplo?

A realização é talvez demasiado cerrada, exigindo uma atenção absoluta, mas o tom que impõe é notável, com uma direcção artística notável de coerência e rigor, uma belíssima fotografia e um desempenho invulgar na contenção e severidade. Gary Oldman é brilhante e a nomeação para o Oscar justíssima. Sério concorrente para George Clooney.

A TOUPEIRA

Título original: Tinker Tailor Soldier Spy

Realização: Tomas Alfredson (França, Inglaterra, Alemanha, 2011); Argumento: Bridget O'Connor, Peter Straughan, segundo romance de John le Carré; Produção: Tim Bevan, Liza Chasin, Eric Fellner, Alexandra Ferguson, Ron Halpern, Debra Hayward, John le Carré, Peter Morgan, Artist W. Robinson, Robyn Slovo, Alex Sutherland, Douglas Urbanski; Música: Alberto Iglesias; Fotografia (cor): Hoyte Van Hoytema; Montagem: Dino Jonsäter; Casting: Jina Jay; Design de produção: Maria Djurkovic; Direcção artística: Tom Brown, Zsuzsa Kismarty-Lechner; Guarda-roupa: Jacqueline Durran; Maquilhagem: Felicity Bowring; Direcção de Produção: Tania Blunden, Deborah Harding, Zeynep Santiroglu, György Sánta, Tim Wellspring; Assistentes de realização: Yagiz Alp Akaydin, Zoltán Bonta, Mark Hopkins, Robert Karn, Zoe Liang, Mikael Marcimain, Alex Oakley; Departamento de arte: Deniz Göktürk, Felicity Hickson, Julianna Kasza, Zsuzsa Mihalek; Som: Andy Botham, Stephen Griffiths, Andy Shelley; Efeitos especiais: Dean Ford, Mark Holt, Gabor Kiszelly; Efeitos visuais: Nick King, Oskar Larsson, Olle Petersson; Companhias de produção: Studio Canal, Karla Films, Paradis Films, Kinowelt Filmproduktion, Working Title Films, Canal+, CinéCinéma; Intérpretes: Gary Oldman (George Smiley), Colin Firth (Bill Haydon), John Hurt (Control), Benedict Cumberbatch (Peter Guillam), Stephen Graham (Jerry Westerby), Mark Strong (Jim Prideaux), David Dencik (Toby Esterhase), Ciarán Hinds (Roy Bland), Tom Hardy (Ricki Tarr), Zoltán Mucsi, Péter Kálloy Molnár, Ilona Kassai, Imre Csuja, Kathy Burke, Arthur Nightingale, Simon McBurney, Amanda Fairbank-Hynes, Peter O'Connor, Roger Lloyd-Pack, Toby Jones, Matyelok Gibbs, Phillip Hill-Pearson, Jamie Thomas King, Stuart Graham, Konstantin Khabenskiy, Sarah Jane Wright, Katrina Vasilieva, Linda Marlowe, William Haddock, Erksine Wylie, Philip Martin Brown, Tomasz Kowalski, Svetlana Khodchenkova, Denis Khoroshko, Oleg Dzhabrailov, Nick Hopper, Laura Carmichael, Rupert Procter, John le Carré (convidado na festa de Natal), Michael Sarne, Christian McKay, Tom Stuart, etc. Duração: 127 minutos; Distribuição em Portugal: Zon Lusomundo Audiovisuais; Classificação etária: M/ 12 anos; Estreia em Portugal: 22 de Dezembro de 2011.

OSCARS 2012: AS NOMEAÇÕES

2012-01-24T18:18:00.000Z

AS NOMEAÇÕES PARA OS OSCARS DE 2012

Anunciadas as nomeações para os Oscars de 2012, relativos ao ano de 2011, aqui ficam proclamados os felizes contemplados. Nada de muito surpreendente, nem sequer a ausência de Clint Eastwood em todas as categorias (para que é que se foi meter com a suspeita figura de Hoover e o FBI?).
Ainda não vi todos os (principais) nomeados, por isso me abstenho desde já de previsões. Mas haverá como sempre duas listas: a dos que eu gostava que ganhassem e aquela dos que julgo que vão ganhar. La mais para diante. No dia 26 de Fevereiro, Eddie Murphy será o mestre de cerimónia. Ao lado dos Muppets. Até lá…

Melhor filme
    The Artist / Thomas Langmann
    The Descendants /Jim Burke, Alexander Payne e Jim Taylor
    Extremely Loud & Incredibly Close / Scott Rudin
    The Help / Brunson Green, Chris Columbus e Michael Barnathan
    Hugo / Graham King e Martin Scorsese
    Midnight in Paris / Letty Aronson e Stephen Tenenbaum
    Moneyball / Michael De Luca, Rachael Horovitz e Brad Pitt
    The Tree of Life / produtor a determinar
    War Horse / Steven Spielberg e Kathleen Kennedy

Melhor realização
    The Artist / Michel Hazanavicius
    The Descendants / Alexander Payne
    Hugo / Martin Scorsese
    Midnight in Paris / Woody Allen
    The Tree of Life / Terrence Malick

Melhor argumento adaptado
        The Descendants / Alexander Payne e Nat Faxon & Jim Rash
        Hugo / John Logan
        The Ides of March / George Clooney & Grant Heslov e Beau Willimon
        Moneyball / Steven Zaillian eAaron Sorkin. História de Stan Chervin
        Tinker Tailor Soldier Spy / Bridget O'Connor & Peter Straughan

Melhor argumento original
        The Artist / Michel Hazanavicius
        Bridesmaids / Annie Mumolo e Kristen Wiig
        Margin Call / J.C. Chandor
        Midnight in Paris / Woody Allen
        A Separation / Asghar Farhadi

Melhor actor
    Demián Bichir / A Better Life
    George Clooney / The Descendants
    Jean Dujardin / The Artist
    Gary Oldman / Tinker Tailor Soldier Spy
    Brad Pitt / Moneyball

Melhor actriz
    Glenn Close / Albert Nobbs
    Viola Davis / The Help
    Rooney Mara / The Girl with the Dragon Tattoo
    Meryl Streep / The Iron Lady
    Michelle Williams / My Week With Marilyn

Melhor actor num papel secundário
    Kenneth Branagh / My Week With Marilyn
    Jonah Hill / Moneyball
    Nick Nolte / Warrior
    Christopher Plummer / Beginners
    Max von Sydow / Extremely Loud & Incredibly Close

Melhor actriz num papel secundário
    Bérénice Bejo / The Artist
    Jessica Chastain / The Help
    Melissa McCarthy / Bridesmaids
    Janet McTeer / Albert Nobbs
    Octavia Spencer / The Help

Melhor filme em língua não inglesa
    Bélgica, "Bullhead" / Michael R. Roskam
    Canadá, "Monsieur Lazhar" / Philippe Falardeau
    Irão, "A Separation" / Asghar Farhadi
    Israel, "Footnote" / Joseph Cedar
    Polónia, "In Darkness" / Agnieszka Holland

Melhor filme de animação
    A Cat in Paris / Alain Gagnol e Jean-Loup Felicioli
    Chico & Rita / Fernando Trueba e Javier Mariscal
    Kung Fu Panda 2 / Jennifer Yuh Nelson
    Puss in Boots / Chris Miller
    Rango / Gore Verbinski

Melhor fotografia
    The Artist / Guillaume Schiffman
    The Girl With The Dragon Tattoo / Jeff Cronenweth
    Hugo / Robert Richardson
    The Tree of Life / Emmanuel Lubezki
    War Horse / Janusz Kaminski

Melhor montagem
    The Artist / Anne-Sophie Bion e Michel Hazanavicius
    The Descendants / Kevin Tent
    The Girl with the Dragon Tattoo / Kirk Baxter e Angus Wall
    Hugo / Thelma Schoonmaker
    Moneyball / Christopher Tellefsen

Melhor direcção artística
    The Artist /Laurence Bennett (Design de produção); Robert Gould (Decoração)
    Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2 / Stuart Craig (Design de produção); Stephenie McMillan (Decoração)
    Hugo / Dante Ferretti (Design de produção); Francesca Lo Schiavo (Decoração)
    Midnight in Paris / Anne Seibel (Design de produção); Hélène Dubreuil (Decoração)
    War Horse /Rick Carter (Design de produção); Lee Sandales (Decoração)

Melhor guarda-roupa
    Anonymous / Lisy Christl
    The Artist / Mark Bridges
    Hugo / Sandy Powell
    Jane Eyre / Michael O'Connor
    W.E. / Arianne Phillips

Melhor música original
    The Adventures of Tintin / John Williams
    The Artist / Ludovic Bource
    Hugo / Howard Shore
    Tinker Tailor Soldier Spy / Alberto Iglesias
    War Horse / John Williams

Melhor canção original
    "Man or Muppet", de “The Muppets” / Música e poema de Bret McKenzie
    “Real in Rio”, de “Rio” / Música de Sergio Mendes e Carlinhos Brown; poema de Siedah Garrett

Melhor som
    Drive / Lon Bender e Victor Ray Ennis
    The Girl with the Dragon Tattoo / Ren Klyce
    Hugo / Philip Stockton e Eugene Gearty
    Transformers: Dark of the Moon / Ethan Van der Ryn e Erik Aadahl
    War Horse / Richard Hymns e Gary Rydstrom

Melhor sonoplastia
    The Girl with the Dragon Tattoo / David Parker, Michael Semanick, Ren Klyce e Bo Persson
    Hugo / Tom Fleischman e John Midgley
    Moneyball / Deb Adair, Ron Bochar, Dave Giammarco e Ed Novick
    Transformers: Dark of the Moon / Greg P. Russell, Gary Summers, Jeffrey J. Haboush e Peter J. Devlin
    War Horse / Gary Rydstrom, Andy Nelson, Tom Johnson e Stuart Wilson

Melhor maquilhagem
    Albert Nobbs / Martial Corneville, Lynn Johnston and Matthew W. Mungle
    Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2 / Nick Dudman, Amanda Knight and Lisa Tomblin
    The Iron Lady / Mark Coulier and J. Roy Helland

Melhores efeitos visuais
    Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2 / Tim Burke, David Vickery, Greg Butler e John Richardson
    Hugo / Rob Legato, Joss Williams, Ben Grossman e Alex Henning
    Real Steel / Erik Nash, John Rosengrant, Dan Taylor e Swen Gillberg
    Rise of the Planet of the Apes / Joe Letteri, Dan Lemmon, R. Christopher White e Daniel Barrett
    Transformers: Dark of the Moon / Dan Glass, Brad Friedman, Douglas Trumbull e Michael Fink

Melhor longa-metragem documental
    Hell and Back Again / Danfung Dennis e Mike Lerner
    If a Tree Falls: A Story of the Earth Liberation Front / Marshall Curry e Sam Cullman
    Paradise Lost 3: Purgatory / Joe Berlinger e Bruce Sinofsky
    Pina / Wim Wenders e Gian-Piero Ringel
    Undefeated / TJ Martin, Dan Lindsay e Richard Middlemas

Melhor curta-metragem documental
    The Barber of Birmingham: Foot Soldier of the Civil Rights Movement / Robin Fryday e Gail Dolgin
    God is the Bigger Elvis / Rebecca Cammisa e Julie Anderson
    Incident in New Baghdad / James Spione
    Saving Face / Daniel Junge e Sharmeen Obaid-Chinoy
    The Tsunami and the Cherry Blossom / Lucy Walker e Kira Carstensen

Melhor curta-metragem de animação
    Dimanche/Sunday / Patrick Doyon
    The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore / William Joyce e Brandon Oldenburg
    La Luna / Enrico Casarosa
    A Morning Stroll / Grant Orchard e Sue Goffe
    Wild Life / Amanda Forbis e Wendy Tilby

Melhor curta-metragem de ficção
    Pentecost / Peter McDonald e Eimear O'Kane
    Raju / Max Zähle e Stefan Gieren
    The Shore / Terry George e Oorlagh George
    Time Freak / Andrew Bowler e Gigi Causey
    Tuba Atlantic / Hallvar Witzø

CINEMA: OS DESCENDENTES

2012-01-24T03:13:00.003Z

OS DESCENDENTES

Alexander Payne é realmente um cineasta invulgar. Pelos temas escolhidos, mas sobretudo pelo tom em que os consegue manter.

Nascido em 10 de Fevereiro de 1961, em Omaha, no Nebraska, de uma família de origem grega, Alexander Constantine Papadopoulos, depois Payne por opção, estudou na Universidade de Stanford, mais tarde formou-se em “Theater Arts”, pela “UCLA Filmschool” (1990), tendo, entretanto, andado pela Europa, onde estudou em Salamanca, Espanha.

Começou a sua carreira cinematográfica com uma curta, “Cármen”, 1985, alguns vídeos, “Inside Out”, com o episódio "My Secret Moments", 1991, e “Inside Out III”, 1992, e passou à realização de longas-metragens, com “The Passion of Martin”, 1991, “Citizen Ruth”, 1996, “Eleição” (Election, 1999), revelando-se completamente a partir de “As Confissões de Schmidt” (2002), e, sobretudo, “Sideways” (2004). Antes de “Os Descendentes”, participou ainda num episódio de “Paris, je t'Aime” ("14e Arrondissement", 2006) e no episódio piloto da série “Hung” (2009). Não muita obra, mas a suficiente para se perceber estarmos perante um verdadeiro autor, com uma voz própria e uma temática e um estilo muito originais. Inconfundíveis, até. “As Confissões de Schmidt”, “Sideways” e agora este “Os Descendentes” criam uma mesma atmosfera envolvente, um clima de intimidade invulgar, um certo tom de viagem ao sabor do tempo, descontraída, plausível, autêntica, sem efeitos nem rebuscamentos. As paisagens são as de uma cuidada viagem em “home vídeo”, os actores actuam como se estivessem ainda nos ensaios e não já a representar, o guarda-roupa é o de todos os dias, os cenários sentem-se vividos como poucos, não há poses estudadas, nem artifícios estéticos para causar bom efeitos. O bom efeito, todavia, está lá, nessa apetência de autenticidade. Cada filme seu é um convite para entrar na privacidade de uns quantos seres com os seus problemas, alguns graves, outros risíveis, mas confraternizamos com eles sem confrangimentos, como velhos amigos que conhecemos há muito. E com quem não se faz cerimónia. Em “Os Descendestes”, há uma cena em que Clooney entra pela casa dentro de um casal amigo, sem se fazer anunciar, a não ser quando já está bem dentro da sala. Entramos nos filmes de Alexander Payne da mesma forma, sem aviso prévio, somos familiares ou amigos convidados a partilhar pedaços de algumas existências.

Em “The Descendants”, o protagonista é Matt King (George Clooney), um advogado que mora no Havai, cuja mulher se encontra em coma no hospital local, depois de um acidente com um barco, enquanto fazia sky aquático. Tem duas filhas, um impressionante número de familiares, negócios a tratar, um belíssimo terreno herdado, pronto para ser vendido a um grande empreendimento turístico, e a mulher a morrer, sem esperança de salvação. É um daqueles momentos em que cai tudo sobre a cabeça de um homem, sobretudo porque as filhas, uma de 10 e outra de 17, se mostram rebeldes, e ainda por cima a mais velha resolve trazer a reboque um emplastro meio aparvalhado. Depois, Matt King faz uma descoberta desconcertante: a sua apaixonada esposa era-lhe infiel e preparava-se para pedir o divórcio, antes de sofrer o acidente que a atirou para a cama do hospital, em estado vegetativo.

Matt King está nos antípodas do que costumam ser os personagens interpretados por Clooney. Ele é um ser desamparado, aparentemente desorientado, vestido com umas camisas havaianas não muito recomendáveis, desajeitado a correr, sem saber muito bem para que lado se voltar. A vida tem destas ocasiões, e há que enfrentar as crises. Matt King oscila entre o torpor e a explosão de violência benigna, até encontrar o seu rumo e consigo levar a família, afinal todos envolvidos no mesmo drama ou, se preferirem, no mesmo cobertor.

Muito interessante é a forma anti-turística como nos é apresentado o Havai, uma zona que nos é quase sempre servida através dos mais estafados clichés e que o cineasta afasta para nos mostrar o país profundo, não a zona turística da beira-mar, mas o interior ou as praias isoladas, as casas dos autóctones e o dia a dia despojado, sem o charme dos grandes hotéis de luxo, mas com o secreto encanto e a dolorosa presença dos pequenos e grandes dramas e alegrias do comum dos mortais.

Lídimo representando do cinema “independente” norte-americano, mesmo quando já enquadrado na grande indústria, Alexander Payne deixa-se levar numa tocante melopeia que roça o melodrama e a comédia, abordando de uma maneira discreta, subtil e comovente alguns dos grandes problemas da vida, do amor à morte, do ciúme à compreensão, da educação à ecologia.

Ou me engano muito ou, mesmo havendo outros fortes candidatos ao Oscar de melhor filme do ano, este o vai recolher sem grande margem para conflitualidade. É o típico filme para o Oscar. Também George Cloooney me parece bem orientado para receber o almejado Oscar de melhor actor. E Shailene Woodley pode ser uma surpresa entre as secundárias. Interessante referir que Kaui Hart Hemmings, a autora havaiana do celebrado romance – primeira obra – donde parte o filme, se encontra entre os actores, num pequeno papel a contracenar com Clooney.

OS DESCENDENTES

Título original: The Descendants

Realização: Alexander Payne (EUA, 2011); Argumento: Alexander Payne, Nat Faxon, Jim Rash, segundo romance de Kaui Hart Hemmings; Produção: Tracy Boyd, Jim Burke, George Parra, Alexander Payne, Jim Taylor; Fotografia (cor): Phedon Papamichael; Montagem: Kevin Tent; Casting: John Jackson; Design de produção: Jane Ann Stewart; Direcção artística: T.K. Kirkpatrick; Decoração: Matt Callahan; Guarda-roupa: Wendy Chuck; Direcção de produção: Renee Confair, George Parra; Assistentes de realização: Scott August, Tracy Boyd, Richard L. Fox; Departamento de arte: Serena Rios Flores; Som: Frank Gaeta; Efeitos visuais: Mark Dornfeld, Michele Ferrone, Paulina Kuszta; Companhias de produção: Ad Hominem Enterprises; Intérpretes: George Clooney (Matt King), Shailene Woodley (Alexandra King), Amara Miller (Scottie King), Nick Krause (Sid), Patricia Hastie (Elizabeth King), Grace A. Cruz (Professora de Scottie), Kim Gennaula, Karen Kuioka Hironaga, Carmen Kaichi, Kaui Hart Hemmings, Beau Bridges, Matt Corboy, Matt Esecson, Michael Ontkean, Stanton Johnston, Jon McManus, Hugh Foster, Tiare R. Finney, Tom McTigue, Milt Kogan, Mary Birdsong, Rob Huebel, Laird John Hamilton, Aileen 'Boo' Arnold, etc. Duração: 115 minutos; Distribuição em Portugal: Big Picture 2 Films; Classificação etária: M/ 12 anos; Estreia em Portugal: 19 de Janeiro de 2012.

TEATRO: BACANTES, NO S. LUIZ

2012-01-23T02:39:00.000Z

BACANTES

“Bacantes”, tragicomediorgya, da responsabilidade de Zé Celso Correa, principal responsável pelo “Teat®o Oficina”, da Uzyna Uzona, de São Paulo, aterrou no S. Luiz durante três dias, vinda de Liége, Bélgica (onde encerrou a Europália). Foram três sessões de cinco/seis horas cada, esgotantes para a vasta companhia, com mais de 55 elementos, entre intérpretes, músicos e técnicos, e que deixaram em delírio as salas esgotadas da casa da Rua António Maria Cardoso.
Atrevo-me a dizer que o grande acontecimento teatral de 2012 em Portugal já aconteceu, logo no mês de Janeiro. Não que o espectáculo seja perfeito (uma das suas virtudes será possivelmente essa imperfeição, o lado inacabado, ou “em progresso”), mas é seguramente o mais (ou um dos mais, dê-se o benefício da dúvida) sugestivo, exaltante e estimulante espectáculo que poderemos ver em Portugal.
“As Bacantes” é uma peça de Eurípedes, um dramaturgo da Grécia clássica, cuja trama foi adaptada à actualidade e fundamentalmente ao Brasil. A peça estreou em 1995 e tem continuado a carreira de forma espaçada, quer no interior do seu país, quer no estrangeiro. Pode dizer-se, sem exagero, que mais de noventa por cento das cinco horas em cena são passados com o elenco nu, invocando os deuses Dionísios, Baco e afins, numa exaltação do vinho, do prazer, do amor, e da foda, assim mesmo invocada, sem subterfúgios (o palco é inclusive classificado de fododromo). Claro que estas premissas nos levam até ao Living Theatre, do célebre Julian Beck, dos anos 60, mas é um Living completamente submergido pelo samba e, sobretudo, pelas teorias do tropicalismo e da antropofagia, que nasceram com o modernismo literário e musical de Oswald de Andrade ou Villa Lobos, continuado e aprofundado pelo cinema de Glauber Rocha e companheiros do cinema novo. Algo de profundamente visceral, que transforma o palco (que aliás não existe) num espaço de profunda interacção com a plateia, levando actores e espectadores a colaborarem na mesma celebração da vida, da morte e da ressurreição. Não a usual ressurreição católica, mas a pagã dionísiaca, que se afirma inesgotável e cada vez mais actual, sobretudo para contrair momentos de crise e proclamações da troika. A companhia explica que é “para festejar a ideia de que paga caro quem acaba com a festa e se dá bem quem inventa um jeito novo de ser feliz”. Ou num português mais daqui, “tristezas não pagam dividas”.
É a própria companhia que assim enuncia a génese do espectáculo: “Bacantes” é uma das mais conhecidas obras do “Teat®o Oficina”. Ela reconstitui o ritual da origem do Teatro em 25 cantos e cinco episódios. Com música composta por Zé Celso (que também assina a autoria e encenação) e direcção musical de Marcelo Pellegrini, a última tragédia grega conhecida – “Bakxai”, de Eurípides – é encenada como uma ópera de Carnaval para cantar o nascimento, morte e renascimento de Dionísios, Deus do Teatro, do vinho e do carnaval. O ritual vive a chegada de Dionísios (Marcelo Drummond), filho de Zeus (Hector Othon) e da mortal Semelle (Anna Guilhermina), à sua cidade natal, TebaSP, que não o reconhece como Deus. Trava-se o confronto entre o prefeito de Tebas, Penteu (Fred Steffen), filho de Agave (Sylvia Prado), que tenta proibir a realização do Teatro dos Ritos Báquicos oficiados por Dionísios e o Coro de Satyros e Bacantes nos morros da capital, governada por Kadmos Fidel Castro (Hector Othon) – mudando para sempre a história daquela cidade”.
Como se vê Tebas passa a TebasSP, um abrasileirar da Grécia, passando a cidade para SP, São Paulo, com as necessárias actualizações. Mas como o projecto está em contínuo progresso, no S. Luiz muito se adaptou aos tempos portugueses e europeus, sendo que assim o espectáculo se assumiu como exorcismo e catarse das calamidades que pairam no horizonte. Veneração “do amor mortal, do imortal, mas também do brutal”, antes da mulher morder a maçã, não isento de muito humor (“o amor é cego, então o negócio é apalpar”) e crítica social e política (dos políticos europeus à Dilma brasileira, passando pela proposta do derrube do capitalismo e por instauração de democracias em Cuba e na Coreia do Norte), “Bacantes” abre e a experiência única inicia-se de forma inebriante, entontecedora, orgíaca, levados por uma turba de movimentos e sons, de música e frenético samba (onde aparece, como não podia deixar de ser a “nossa” Carmen Miranda, como ícone inesquecível), de cores garridas e em ecrãs múltiplos, onde se reproduzem as acções do próprio espectáculo. É difícil de acompanhar, mas irresistível para participar.
Este não é teatro para ver somente, mas uma experiência para se viver. Enfim, um acontecimento inesquecível. Uma encenação original e criativa, um elenco transbordante de ritmo e vivacidade, a cimentar bem lá no fundo a vontade de morder a maçã da vida.

TEATRO: DIAS DE VINHO E ROSAS

2012-01-21T21:44:00.000Z

DIAS DE VINHO E ROSAS

They are not long, the days of wine and roses:

Out of a misty dream

Our path emerges for a while, then closes

Within a dream.

Ernest Dowson (1867-1900)

Principiemos pelo que ainda aqui não foi dito. Os Artistas Unidos, que durante alguns anos andaram com a casa às costas, têm agora um belo espaço, o Teatro da Politécnica, obviamente situado na Rua da Escola Politécnica, em Lisboa, um edifício recuperado para o efeito, à entrada de uma das alamedas que dá acesso ao Jardim Botânico. O sistemático trabalho de Jorge da Silva Melo e da sua equipa bem merecereu este reconhecimento.

Agora estrearam “Dias de Vinho e Rosas” (Days of Wine and Roses), um texto originalmente escrito para televisão pelo norte-americano J.P. Miller, que depois conheceu uma versão teatral do irlandês Owen McCafferty, e apresentado no palco do Teatro da Politécnica numa tradução de Joana Frazão.

JP Miller

James Pinckney Miller (1919-2001), que começou a escrever e publicar aos 17 anos contos do “wild west”, foi boxeur profissional, usando o nome de “Tex Frontier”, jornalista no “Houston Post”, estudante de escultura na “La Escuela de Artes Plásticas”, na cidade do México, marinheiro no Sul do Pacífico, durante a II Guerra Mundial, onde assumiu o seu nome de combate literário, JP Miller. Estudou escrita e teatro na Yale Drama School, mudou-se para Nova Iorque, onde vendeu ar condicionado para viver e passava o resto do tempo e as noites nos teatros, nos estúdios de televisão e em aulas no American Theater Wing

O primeiro telefilme que escreveu foi “The Polecat Shakedown”, 30 minutos de chantagem num restaurante que haveria de passar no programa “Man Against Crime”. Abandonou tudo o mais e dedicou-se à escrita para televisão. Em 1954 já tinha cinco trabalhos produzidos para TV, tornando-se num dos mais prestigiados autores de telefilmes da “Idade de Ouro da Televisão”. Em 1955, triunfaria com “The Rabbit Trap”, apresentado na “Goodyear Television Playhouse”. Mas o seu grande sucesso seria “Days of Wine and Roses”, realizado em televisão pelo então jovem prometedor John Frankenheimer, para “Playhouse 90” e emitido a 2 de Outubro de 1958. Recebeu três nomeações para os Emmys do ano.

A direcção era brilhante, no dizer da crítica da época, e o elenco notável, Cliff Robertson (Joe Clay), Piper Laurie (Kirsten Arnesen Clay), Charles Bickford (Ellis Arnesen), Marc Lawrence (Scarface), entre outros. Quatro anos depois, passaria a cinema pela mão de Blake Edwards, num filme memorável, que o “The New York Times” coloca na lista dos 1000 melhores filmes de sempre. Jack Lemmon, Lee Remick, Charles Bickford e Jack Klugman foram os protagonistas mas as críticas da época, apesar de reconhecerem os méritos ao filme, faziam sobressair as virtudes do telefilme, que o próprio escritor preferia: “a versão televisiva estava mais perto do meu coração, porque estava mais perto da minha imagem original”.

No filme, Joe Clay (Jack Lemmon) é um relações-públicas, jovem, que se apaixona por Kirsten (Lee Remick), uma colega de trabalho, com quem casa. Mas a pressão profissional empurra-os para momentos de rápida euforia provada pelo álcool, e daí ao descalabro das suas vidas é um passo que percorrem dramaticamente. Sem retorno, apesar das tentativas em contrário. As actuações de Jack Lemmon e Lee Remick são brilhantes e o filme teve algumas dificuldades para manter o tom desesperado com que acaba. Blake Edwards resistiu até ao fim, contra a tentativa de tornar mais macio o final e Jack Lemmon precipitou a sua viagem para a rodagem de um outro filme, a fim de não tornar possíveis as filmagens de novos planos para uma remontagem.

Em 2002, Owen McCafferty, dramaturgo irlandês, adapta a teatro o telefilme de JP Miller, aproveitando somente o esqueleto da obra e alterando-a profundamente. A América passa para a Belfast (Irlanda) e Londres (Inglaterra), mantendo apenas como protagonistas o casal Donal e Dona.

Nascido em Belfast, em 1961, Owen McCafferty é considerado actualmente um dos grandes dramaturgos e encenadores daquele país, tendo conseguido criar a reputação de um escritor capaz de desenvolver uma linguagem teatral tipicamente irlandesa, através dos seus diálogos fortes, curtos e incisivos, bem enraizados na realidade do seu país. Escreveu várias peças, entre as quais “Cenas da Grande Panorâmica” (Scenes from the Big Picture), 2003 (agora editada conjuntamente com “Dias de Vinho e Rosas”, na colecção “Livrinhos de Teatro”, uma publicação conjunta “Artistas Unidos-Livros Cotovia”), “The Waiting List”, 1994, “Freefalling”, 1996, “Shoot the Crow”, 1997, “Closing Time”, 2002, ou “Mojo Mickybo”, uma das suas obras de maior sucesso.

A estreia da versão de Owen McCafferty acontece-se em Londres, em 2002, no Donmar Warehouse, numa produção de Sam Mendes, com encenação de Peter Gill, com interpretação de Anne-Marie Duff e Peter McDonald. No ano seguinte, Rachel Wood dirige uma versão off-Broadway de “Days of Wine and Roses”, com a Boomerang Theatre Company. É esta versão que surge agora no palco dos Artistas Unidos, numa encenação de Jorge Silva Melo, com cenário e figurinos de Rita Lopes Alves. Excelente texto, excelente espectáculo, com magníficas interpretações de Maria João Falcão e Rúben Gomes.

Donal e Dona conhecem-se no aeroporto de Belfast. Ambos são jovens e partem para Londres, um em busca de um emprego prometido nas empresas de apostas de cavalos, ela à procura da novidade das luzes da grande cidade. Começam a trocar palavras e acabam trocando uma bebida. Dona nunca bebera, mas aceita um drink. Já em Londres, bebem socialmente e lentamente resvalam para o alcoolismo, a degradação pessoal. Casados e pais de um filho, procuram recuperar, mas afundam-se a cada nova tentativa. Ele frequenta os “Alcoólicos Anónimos”, ela anda de bar em bar e cai na prostituição. O facto da peça se concentrar nas duas personagens, acaba por intimizar o conflito, torná-lo menos uma consequência social e mais uma irreversibilidade pessoal. Ambos caminham para o abismo porque mais um copo ajuda-os a enfrentar a solidão, o desconforto, as asperezas da vida. Depois de um dia de trabalho, o casal troca brindes até adormecerem caídos no chão ou enrolados num sofá.

Maria João Falcão e Rúben Gomes iniciam o diálogo em Belfast, ainda a medo, mas vão ganhando fôlego à medida que a peça se desenvolve, gozando com pequenos aspectos da encenação, revertendo-os a favor das personagens, utilizando com argúcia os adereços, e os gestos mais anódinos (ela coloca um pé descalço sobre o pé descalço dele, por exemplo, numa carícia secreta que resulta magnificamente).

A encenação é quase imperceptível, o que neste caso é uma virtude, serve o texto e as situações, ergue figuras que permanecem para lá das duas horas do espectáculo. Com pequenos apontamentos que ajudam a criar o ambiente e a impor o desespero – uma porta que se abre sobre um quarto, de que se vislumbra apenas uma parte de uma cama com Dona deitada. O cenário é eficaz e sóbrio, bem servido por luz e som.

Dias de Vinho e Rosas (Days of Wine and Roses). Texto de Owen McCafferty. Tradução de Joana Frazão; Encenação: Jorge Silva Melo; Cenário e figurinos: Rita Lopes Alves; Luz: Pedro Domingos; Músico: Paulo Curado; Sonoplastia; Rui Rebelo; Imagens: Bartolomeu Cid dos Santos; Assistência: Vânia Rodrigues. No Teatro da Politécnica de 18 de Janeiro a 25 de Fevereiro de 2012.

CASA ARRUMADA

2012-01-18T00:57:00.000Z

Um amigo português que vive em valência enviou-me um poema. Recordado certamente a minha casa, onde muitas vezes vem, e poucas encontra lugar para se arrumar comodamente. O que sempre se arranja por entre livros e jornais. Gosto do poeta. Gostei do poema. Obrigado Zé.

Casa arrumada

Um lugar organizado, limpo, com espaço livre pra circulação e uma boa
entrada de luz.
Mas casa, pra mim, tem que ser casa e não um centro cirúrgico, um
cenário de novela.
Tem gente que gasta muito tempo limpando, esterilizando, ajeitando os
móveis, afofando as almofadas...
Não, eu prefiro viver numa casa onde eu bato o olho e percebo logo:
Aqui tem vida...
Casa com vida, pra mim, é aquela em que os livros saem das prateleiras
e os enfeites brincam de trocar de lugar.
Casa com vida tem fogão gasto pelo uso, pelo abuso das refeições
fartas, que chamam todo mundo pra mesa da cozinha.
Sofá sem mancha?
Tapete sem fio puxado?
Mesa sem marca de copo?
Tá na cara que é casa sem festa.
E se o piso não tem arranhão, é porque ali ninguém dança.
Casa com vida, pra mim, tem banheiro com vapor perfumado no meio da tarde.
Tem gaveta de entulho, daquelas que a gente guarda barbante,
passaporte e vela de aniversário, tudo junto...
Casa com vida é aquela em que a gente entra e se sente bem-vinda.
A que está sempre pronta pros amigos, filhos...
Netos, pros vizinhos...
E nos quartos, se possível, tem lençóis revirados por gente que brinca
ou namora a qualquer hora do dia.
Casa com vida é aquela que a gente arruma pra ficar com a cara da gente.

Carlos Drummond de Andrade (1902-1987)

GLOBOS DE OURO, 2012

2012-01-16T04:23:00.000Z

GLOBOS DE OURO 2012
Terminou mais uma cerimónia da atribuição dos Globos de Ouro. Promovidos pela Associação da Imprensa Estrangeira de Hollywood, foram entregues 25 estatuetas relativas aos melhores do cinema e da televisão, e efectuada uma justa homenagem ao magnífico actor Morgan Freeman. Os apresentadores foram Ricky Gervais e um copo de cerveja. Na assistência uma miríade de lendas e mitos da mais recente história do cinema e da televisão. E os prémios foram assim distribuídos (identificados pelo asterisco e a cor, de entre os nomeados):

CINEMA

MELHOR FILME (DRAMA)
* Os Descendentes
As Serviçais
A Invenção de Hugo
Nos Idos de Março
Moneyball – Jogada de Risco
Cavalo de Guerra

MELHOR FILME (MUSICAL OU COMÉDIA)
* 50/50
O Artista
A Melhor Despedida de Solteira
Meia-Noite em Paris
A Minha Semana com Marilyn

MELHOR REALIZADOR
Woody Allen por Meia-Noite em Paris
George Clooney por Nos Idos de Março
Michel Hazanavicius por O Artista
Alex Payne por Os Descendentes
* Martin Scorsese por A Invenção de Hugo

MELHOR ACTRIZ (MUSICAL OU COMÉDIA)
Jodie Foster em O Deus da Carnificina
Charlize Theron em Jovem Adulta
Kristen Wiig em A Melhor Despedida de Solteira
* Michelle Williams em A Minha Semana com Marilyn
Kate Winslet em O Deus da Carnificina

MELHOR ACTOR (MUSICAL OU COMÉDIA)
* Jean DuJardin em O Artista
Brendan Gleeson em The Guard
Joseph Jordon-Levitt em 50/50
Ryan Gosling em Amor, Estúpido e Louco
Owen Wilson em Meia-Noite em Paris

MELHOR ACTRIZ (DRAMA)
Glenn Close em Albert Nobbs
Viola Davis em As Serviçais
Rooney Mara em Millennium 1 – Os Homens Que Odeiam as Mulheres
* Meryl Streep em The Iron Lady
Tilda Swinton em Temos de Falar Sobre o Kevin

MELHOR ACTOR (DRAMA)
* George Clooney em Os Descendentes
Leonardo DiCaprio em J. Edgar
Michael Fassbender em Shame
Ryan Gosling em Nos Idos de Março
Brad Pitt em Moneyball – Jogada de Risco

MELHOR ACTRIZ SECUNDÁRIA
Bérénice Bejo em O Artista
Jessica Chastain em As Serviçais
Janet McTeer em Albert Nobbs
* Octavia Spencer em As Serviçais
Shailene Woodley em Os Descendentes

MELHOR ACTOR SECUNDÁRIO
Kenneth Branagh em A Minha Semana com Marilyn
Albert Brooks em Drive – Duplo Risco
Jonah Hill em Moneyball – Jogada de Risco
Viggo Mortensen em Um Método Perigoso
* Christopher Plummer em Assim é o Amor

MELHOR ARGUMENTO
* Woody Allen por Meia-Noite em Paris
George Clooney, Grant Heslov e Beau Willimon por Nos Idos de Março
Michel Hazanavicius por O Artista
Alexander Payne, Nat Faxon e Jim Rash por Os Descendentes
Aaron Sorkin, Steven Zaillian e Stan Chervin por Moneyball – Jogada de Risco

MELHOR FILME ESTRANGEIRO
The Flowers of War – China
In the Land of Blood and Honey – EUA
O Miúdo da Bicicleta – Bélgica
* Uma Separação – Irão
A Pele Onde Eu Vivo – Espanha

MELHOR FILME DE ANIMAÇÃO
* As Aventuras de Tintin – O Segredo do Licorne
Arthur Christmas
Carros 2
O Gato das Botas
Rango

MELHOR BANDA SONORA ORIGINAL
* Ludovic Bource por O Artista
Abel Korzeniowski por W.E.
Trent Reznor e Atticus Ross por Millennium 1 – Os Homens Que Odeiam as Mulheres
Howard Shore por A Invenção de Hugo
John Williams por Cavalo de Guerra

MELHOR CANÇÃO ORIGINAL
Lay Your Head Down, Albert Nobbs
Hello Hello, Gnomeu e Julieta
The Living Proof, As Serviçais
The Keeper, Machine Gun Preacher
* Masterpiece, W.E.

TELEVISÃO

MELHOR SÉRIE (DRAMA)
American Horror Story
Boardwalk Empire
Boss
Game of Thrones
* Homeland

MELHOR ACTOR (DRAMA)
Steve Buscemi, Boardwalk Empire
Bryan Cranston, Breaking Bad
* Kelsey Grammer, Boss
Jeremy Irons, The Borgias
Damian Lewis, Homeland

MELHOR ACTRIZ (DRAMA)
* Claire Danes, Homeland
Mireille Enos, The Killing
Julianna Margulies, The Good Wife
Madeline Stowe, Revenge
Callie Thorne, Necessary Roughness

MELHOR SÉRIE (MUSICAL OU COMÉDIA)
Enlightened
Episodes
Glee
* Modern Family
New Girl

MELHOR ACTOR (MUSICAL OU COMÉDIA)
Alec Baldwin, 30 Rock
David Duchovny, Californication
Johnny Galecki, The Big Bang Theory
Thomas Jane, Hung
* Matt LeBlanc, Episodes

MELHOR ACTRIZ (MUSICAL OU COMÉDIA)
* Laura Dern, Enlightened
Zooey Deschanel, New Girl
Tina Fey, 30 Rock
Laura Linney, The Big C
Amy Poehler, Parks and Recreation

MELHOR TELEFILME OU MINI-SÉRIE
Cinema Verite
* Downton Abbey
The Hour
Mildred Pierce
Too Big to Fail

MELHOR ACTOR EM TELEFILME OU MINI-SÉRIE
Hugh Bonnevile, Downton Abbey
* Idris Elba, Luther
William Hurt, Too Big to Fail
Bill Nighy, Page Eight
Dominic West, The Hour

MELHOR ACTRIZ EM TELEFILME OU MINI-SÉRIE
Romola Garai, The Hour
Diane Lane, Cinema Verite
Elizabeth McGovern, Downtown Abbey
Emily Watson, Appropriate Adult
* Kate Winslet, Mildred Pierce

MELHOR ACTOR SECUNDÁRIO EM SÉRIE, MINI-SÉRIE OU TELEFILME
* Peter Dinklage, Game of Thrones
Paul Giamatti, Too Big to Fail
Guy Pearce, Mildred Pierce
Tim Robbins, Cinema Verite
Eric Stonestreet, Modern Family

MELHOR ACTRIZ SECUNDÁRIA EM SÉRIE, MINI-SÉRIE OU TELEFILME
* Jessica Lange, American Horror Story
Kelly MacDonald, Boardwalk Empire
Maggie Smith, Downton Abbey
Sofia Vergara, Modern Family
Evan Rachel Wood, Mildred Pierce

CINEMA: MONEYBALL - JOGADA DE RISCO

2012-01-15T01:35:00.001Z

MONEYBALL - JOGADA DE RISCO

“Moneyball – Jogada de Risco” é um filme muito interessante sob diversos pontos de vista. Enquanto o estava a ver lembrei-me várias vezes de dois filmes recentes, “A Rede Social” e “Drive”, ainda que por razões diferentes. Consultando depois a ficha técnica percebi que a aproximação com “A Rede Social” não era fortuita. Existe um mesmo argumentista (Aaron Sorkin), e um mesmo produtor (Michael De Luca). Depois, há um conjunto de coincidências que resultam obviamente dessa proximidade: ambos os títulos abordam casos de sucesso, protagonizados por jovens que se dedicam às novas tecnologias, informática sobretudo, e que triunfam na base de sucesso a todo o preço, sem olharem a quaisquer problemas de ordem afectiva ou social. As emoções guardam-nas, quando têm tempo para isso, para a família, neste caso a filha, e pouco mais. Ambos os filmes são muito equívocos quanto a intenções. Será que fazem o elogio dos seus protagonistas? Sim e não. Certamente que, num caso como noutro, o jovem em questão (ou os dois jovens em questão, um mais apagado por força da presença obsessiva do outro) tem capacidades que merecem ser sublinhadas, mas em ambos os exemplos há muito de, pelo menos, discutível na sua conduta.
Quanto a “Drive”, as semelhanças são diversas: ambos os filmes parecem ter sido rodados em “pianinho”, quase ao ralenti, com uma ou outra explosão, tanto ao nível da acção como da banda sonora.
Este novo filme sobre esse desporto americano tão apreciado nos US e que nós, europeus, não sabemos como se joga, é baseado no livro “Moneyball: The Art of Winning an Unfair Game”, de Michael Lewis, que conta a história verídica de Billy Beane (Brad Pitt), que foi director desportivo da equipa de basebol do Oakland Athletics. Billy Beane fora antigo jogador prestigiado, e agarrou na equipa num período terrível, quando três dos ídolos da temporada anterior se tinham mudado, deixando o clube pendurado e sem dinheiro para grandes compras. Beane quer formar uma equipa competitiva, mas está longe de poder entrar em aventuras e adquirir os jogadores top que se encontram no mercado. Cruza-se um dia com Peter Brand (Jonah Hill), um coca-bichinhos dos computadores e da análise estatística de jogos e jogadores, e pensa que pode trocar os sábios conselhos de velhos olheiros e treinadores por um conjunto de operações matemáticas. A coisa começa por dar para o torto, com mais de uma dezena de derrotas consecutivas, mas depois de algumas afinações e de um puxão de orelhas no balneário, tudo se modifica e a equipa de imprestáveis arrebata o record de vitórias sucessivas, vinte de uma assentada, vindo a morrer na praia, no derradeiro jogo para o campeonato, ganho pelos de New York.

Portanto, Billy Beane tinha razão, mas não tanta que lhe permitisse chegar ao título. Fica a proeza e a persistência numa ideia, mas fica igualmente o sabor amargo de não ter conseguido ficar com o ceptro na mão. Digamos que é o sonho americano, mas de alguma forma nuanceado.
Não deixa de dar que pensar, tanto mais que o filme é muito bem conduzido por Bennett Miller (que já se tinha feito notar com “Capote”), mantém um estilo sóbrio que se afasta por completo dos exaltantes filmes sobre desporto a que estamos todos habituados (uma equipa de velhas glórias que acaba por ganhar tudo, fruto de muita vontade e coragem, com aleluias no final), criando um ambiente por vezes de cortar à faca, sem recurso a efeitos de qualquer espécie (veja-se como o silêncio e a ausência de fundo musical pode funcionar as mil maravilhas), jogando quase tudo na interiorização e no extraordinário trabalho dos intérpretes.
O retrato de Billy Beane que Brad Pitt nos oferece é excepcional, intenso, rigoroso, interiorizado, mas de uma simplicidade de processos notável, no que é magnificamente acompanhado por Jonah Hill. Nada nos surpreende se ambos aparecerem nomeados para os Oscars. Se o não forem, será de enorme injustiça. Philip Seymour Hoffman, num pequeno papel, é igualmente muito bom (como sempre, aliás).
Eis, portanto, um filme que não nos oferece uma conclusão óbvia, mas que nos faz pensar sobre os dados que apresenta. Quase me arriscava a dizer que este é mais um filme sobre o mundo dos negócios e como ele se vai transformando, do que um filme sobre desporto. Nele o cerebral impera sobre o emocional. Sem nos dizer que os velhos dinossauros estão certos, nem que os jovens recém chegados trazem a verdade no bolso (ou no pc). Mas que nos mostra, sem sombras de dúvidas, que os tempos estão a mudar, e que a vida, nestas condições, vai ser cada vez mais difícil, numa altura em que o que conta fundamentalmente são os números e o que eles representam como empate de capital e lucro à vista. Pode não ser a mensagem do filme, mas lá que esta subjacente, está.
Curiosidades suplementares: quando o livro de Michael Lewis foi comprado pela Columbia Pictures, a sua adaptação foi entregue a Stan Chervin, mas após a chegada de Brad Pitt ao projecto (actor e produtor), Chervin foi substituído por Steven Zaillian, tendo sido a realização entregue a David Frankel. Posteriormente, parece que Steven Soderbergh substituiu Frankel mas, poucos dias antes do início da rodagem, a Columbia dispensou Soderbergh porque na concepção dos responsáveis da produtora o argumento comportava “elementos considerados não tradicionais para um filme de desporto, como entrevistas com jogadores autênticos. Soderbergh saiu e entrou Bennett Miller, e o argumentista Aaron Sorkin, que escreveu uma terceira versão do argumento. A que agora vimos.

MONEYBALL - JOGADA DE RISCO
Título original: Moneyball
Realização: Bennett Miller (EUA, 2011); Argumento: Steven Zaillian, Aaron Sorkin, Stan Chervin, segundo obra de Michael Lewis ("Moneyball: The Art of Winning an Unfair Game"); Produção: Michael De Luca, Rachael Horovitz, Alissa Phillips, Brad Pitt, Scott Andrew Robertson, Scott Rudin, Mark Bakshi, Andrew S. Karsch; Música: Mychael Danna; Fotografia (cor): Wally Pfister; Montagem: Christopher Tellefsen; Casting: Francine Maisler; Design de produção: Jess Gonchor; Direcção artística: Brad Ricker, David Scott; Maquilhagem: Kathrine Gordon, Francisco X. Pérez; Direcção de produção: Heidi Erl, Jason Tamez, David Witz; Assistentes de realização: Courtenay Miles, Scott Andrew Robertson, Jonas Spaccarotelli, Brian Taylor; Departamento de arte: Gary Deaton, Lisa Fiorito, Amanda Hunter, Megan Romero, Jon Stein, Cheree Welsh, Ben Wolcott; Som: Ron Bochar; Efeitos especiais: Robert Cole; Efeitos visuais: Steve Carter, Gloria Cohen, Edwin Rivera, Meg Tyra; Companhias de produção: Columbia Pictures, Scott Rudin Productions, Michael De Luca Productions, Film Rites, Specialty Films; Intérpretes: Brad Pitt (Billy Beane), Jonah Hill (Peter Brand), Philip Seymour Hoffman (Art Howe), Robin Wright (Sharon), Chris Pratt (Scott Hatteberg), Stephen Bishop (David Justice), Brent Jennings (Ron Washington), Ken Medlock (Grady Fuson), Tammy Blanchard (Elizabeth Hatteberg), Jack McGee, Vyto Ruginis, Nick Searcy, Glenn Morshower, Casey Bond, Nick Porrazzo, Kerris Dorsey, Spike Jonze, Arliss Howard, Reed Thompson, James Shanklin, Diane Behrens, Takayo Fischer, Derrin Ebert, Miguel Mendoza, Adrian Bellani, Tom Gamboa, Barry Moss, Artie Harris, Bob Bishop, George Vranau, Phil Pote, Art Ortiz, Royce Clayton, Marvin Horn, Brent Dohling, Ken Rudulph, Lisa Guerrero, Christopher Dehau Lee, Joe Satriani, etc. Duração: 133 minutos; Distribuição em Portugal: Columbia TriStar Warner Filmes de Portugal; Classificação etária: M/ 12 anos; Estreia em Portugal: 12 de Janeiro de 2012.

CINEMA: SHERLOCK HOLMES: JOGO DE SOMBRAS

2012-01-13T02:35:00.000Z

SHERLOCK HOLMES: JOGO DE SOMBRAS

Devo dizer que o anterior Sherlock Holmes, já com a assinatura de Guy Ritchie me tinha divertido. Sou um admirador incondicional de Arthur Conan Doyle, sobretudo dessa fascinante criação que é Sherlock Holmes, mas não me repugnou a sua “actualização” de personagens e situações. Não sei obviamente o que diria Arthur Conan Doyle se tivesse visto as muitas adaptações que o seu genial detective já justificou ao longo dos tempos, não sei quantas voltas já deu, ou daria, na tumba, se fosse um actual espectador de cinema, mas também gostaria muito de saber como seria o seu Sherlock Holmes, escrito hoje. Nada disso saberei, porque há mistérios insondáveis, mas sei de certeza que não gostei quase nada deste “Sherlock Holmes: Jogo de Sombras” que, à força de ser tão agitado, tão explosivo, tão turbulento, me aborreceu de morte. Na primeira hora já não sabia onde por as pernas, o corpo doía-me na cadeira (que é o pior que pode acontecer quando se vai assistir a um espectáculo), e já me parecia mais interessante olhar para o tecto do que para o ecrã, o que numa sala de cinema é sempre sintomático.
Na verdade até simpatizo com Guy Ritchie e com alguns filmes seus anteriores. Mas esta ânsia de criar uma aventura truculenta, onde tudo mexe até á exaustão, e o diálogo é quase incompreensível, tal o tratamento que lhe é dado, onde a história avança aos repelões, onde a pirotecnia desafia qualquer lógica de narrativa, enfim, custa muito a suportar este tormento. Um filme em que a montagem é de tal forma movimentada que nem se consegue analisar o trabalho dos actores, pois não há tempo para olhar o que quer que seja que não esteja a explodir, a correr, mesmo de burro, a disparar, a cair, enfim.
Diga-se porque me parece de justiça, que a segunda parte é melhor que a primeira, que vi com algum agrado uma sequência altamente explosiva durante uma fuga numa floresta, com alguns efeitos realmente interessantes, e que o confronto final entre Sherlock Holmes e Moriarte tem alguma graça com o seu tabuleiro de xadrez de permeio. Mas é muito pouco para tanto escarcéu inútil, e, mais do que isso, contraproducente.

SHERLOCK HOLMES: JOGO DE SOMBRAS
Título original: Sherlock Holmes: A Game of Shadows Realização: Guy Ritchie (EUA, 2011); Argumento: Michele Mulroney, Kieran Mulroney, segundo personagens criadas por Arthur Conan Doyle; Produção: Steve Clark-Hall, Susan Downey, Peter Eskelsen, Dan Lin, Joel Silver, Lionel Wigram, Bruce Berman; Música: Hans Zimmer; Fotografia (cor): Philippe Rousselot; Montagem: James Herbert; Casting: Reg Poerscout-Edgerton; Design de produção: Sarah Greenwood; Direcção artística: Netty Chapman, James Foster, Nick Gottschalk, Matthew Gray, Niall Moroney; Decoração: Alison Harvey, Katie Spencer; Guarda-roupa: Jenny Beavan; Maquilhagem: Christine Blundell; Direcção de Produção: Mark Mostyn; Assistentes de realização: Sarah Brand, Nicole Chapman, Barney Hughes, Paul Jennings, Max Keene, Paviel Raymont, Chad Stahelski; Departamento de arte: Shurouq Algusane, Netty Chapman; Som: James Harrison, Oliver Tarney, Mark Taylor; Efeitos especiais: Mark Holt; Efeitos visuais: Charlotte Adams, Laya Armian, Chas Jarrett, Natalie Lovatt, Sirio Quintavalle; Companhias de produção: Warner Bros. Pictures, Village Roadshow Pictures, Silver Pictures, Wigram Productions, Lin Pictures; Intérpretes: Robert Downey Jr. (Sherlock Holmes), Jude Law (Dr. John Watson), Noomi Rapace (Madam Simza Heron), Rachel McAdams (Irene Adler), Jared Harris (Professor James Moriarty), Stephen Fry (Mycroft Holmes), Paul Anderson (Coronel Sebastian Moran), Kelly Reilly (Mary Watson), Geraldine James (Mrs. Hudson), Eddie Marsan (Inspector Lestrade), William Houston (Constable Clark), Wolf Kahler (Doutor Hoffmanstahl), Iain Mitchell, Jack Laskey, Patricia Slater, Karima Adebibe, Richard Cunningham, Marcus Shakesheff, Mark Sheals, George Taylor, Michael Webber, Mike Grady, Alexandre Carril, Victor Carril, Thorston Manderlay, Affif Ben Badra, Daniel Naprous, Lancelot Weaver, Vladimir 'Furdo' Furdik, Thierry Neuvic, Martin Nelson, Mark Llewelyn-Evans, etc. Duração: 129 minutos; Distribuição em Portugal: Columbia TriStar Warner Filmes de Portugal; Classificação etária: M/ 12 anos; Estreia em Portugal: 5 de Janeiro de 2012.

CINEMA: MELANCOLIA

2012-01-12T04:54:00.002Z

MELANCOLIA

“Melancolia”, de Lars von Trier, despertou os mais desencontrados comentários, aquando da sua estreia no Festival de Cannes, onde uma mais do que infeliz intervenção do realizador, confessando-se admirador de Hitler, iria desencadear uma justificada tempestade. Lars von Trier é useiro e vezeiro em declarações bombásticas, e esta, se foi ou não “autêntica”, excedeu todas as legitimidades. O filme acabou por ganhar apenas o prémio para Kirsten Dunst, como melhor actriz do festival, mas iria sofrer, um pouco por todo o lado, com a pesada herança dessa infeliz conferência de imprensa.

Ideologicamente, Lars von Trier nunca me pareceu um indivíduo de grande confiança. Acho os seus filmes quase sempre soberbos de um ponto de vista plástico, mas fiquei de pé atrás em relação a alguns, nomeadamente “Europa”.

Falemos então de “Melancolia” que, para já, a crítica norte-americana considerou “o melhor filme estreado em 2011”. Veremos o que vai acontecer aquando da atribuição dos Oscars.

Melancolia é um estado de espírito, a que alguns chamam doença, qualquer coisa como depressão, que os românticos enfatizaram nas suas criações literárias e artísticas, e a que Lars von Trier associa o nome de um planeta que se aproxima perigosamente da Terra.

É curioso saber-se que os gregos é que criaram a palavra e esta reúne “mélas”, que quer dizer "negro", e “cholé”, que significa "bílis", resultando algo como “bílis negra”. Foi Hipócrates, no século V a.C., quem classificou melancolia como doença, ao criar a teoria dos “quatro humores corporais”, que eram sangue, fleuma, bílis amarela e bílis negra. O equilíbrio ou desequilíbrio entre as partes era responsável pela saúde ou pela doença. Julgava-se que a influência de Saturno levava o baço a segregar mais bílis negra, alterando o humor do indivíduo, levando-o ao estado de melancolia, em que a pessoa acometida pelo mal perdia o entusiasmo e se mostrava incapaz de qualquer actividade. Os Românticos recuperam o conceito, introduzindo-lhe gradações diversas: a melancolia seria doença, mas poderia ser enriquecedora para o espírito e a alma. Freud também não foi indiferente a esta melancolia (que os poetas medievais chamavam “merencoria”, veja-se D. Duarte). Segundo Sigmund Freud, a melancolia assemelhava-se ao processo do luto, sem que houvesse necessariamente uma perda. Pessoas com sintomas de melancolia falam de si próprias como "inúteis", "incapazes de amar e de sentirem prazer", "incapazes de fazer algo bem, ou de bom para os outros", "irritantes", etc.

Passemos ao filme que o próprio Lars von Trier considerou um “filme catástrofe”, que na verdade não deixa de ser. Não tanto uma obra sobre “o fim do mundo” provocado pelo aparecimento do planeta Melancolia que se aproxima a passos largos da Terra e ameaça explodir no embate, mas sobretudo um fim do mundo provocado por uma outra melancolia, essa interior, que o realizador documenta em dois episódios distintos e um prólogo que sintetiza, sem palavras e ao ralenti enquanto se ouve Wagner como banda sonora, tudo quanto se irá passar posteriormente. Aí se perceberá que os seres humanos se encontram indissociavelmente ligados à Terra (Justine arrasta raízes atrás de si) e ao espaço, ao universo circundante (a mesma Justine irradia raios dos seus dedos que interagem com o infinito).

Tudo se passa em dois dias, cada um deles dedicado a uma irmã, primeiro Justine, depois Claire. A primeira, publicitária, casa nesse dia e dirige-se com o noivo para um palacete isolado no campo, onde o cunhado e a irmã lhe organizaram uma boda de arromba. Tudo parece correr pelo melhor, Justine (Kirsten Dunst) e Michael (Alexander Skarsgård) parecem felizes quando a limusina os conduz para o destino sonhado como cenário para ideal para assinalar o início da sua vida a dois. Mas a limusina é demasiado grande para as veredas por onde o carro tem de passar e essa desproporção irá marcar o aparecimento de um mal-estar que depois se irá intensificar ao longo do jantar. Justine encontra o pai (John Hurt) e a mãe (Charlotte Rampling), que estão divorciados e, cada um pelo seu lado, de formas diversas, abrem fendas na aparente harmonia reinante. O patrão de Justine, dono da agência onde esta trabalha, anda atrás de um slogan e não larga a nova directora criativa enquanto esta não assegurar o trabalho. Justine retira-se, afasta-se dos convivas, olha para o marido de uma forma diversa, vê-se que está não só descontrolada, mas profundamente perturbada pelo caminho que a sua vida toma. O jantar é filmado de câmara à mão, captando uma instabilidade crescente, descobre-se não só o já aludido mal-estar individual e colectivo, como a hipocrisia, os jogos de interesses, a importância dos negócio e do dinheiro. Claire (Charlotte Gainsbourg) não hesita em confessar à irmã que às vezes a odeia, enquanto John (Kiefer Sutherland), o seu marido, lhe atira a cara quão caro foi o casamento para redundar no fiasco que se vê.

O casamento termina de forma abrupta e esta primeira parte de “Melancolia” segue de perto as pisadas de um outro filme dinamarquês, “A Festa”, de outro cineasta do “Dogma 95”, Thomas Vinterberg. “Melancolia” nada tem a ver com os preceitos desse “dogma”, optando deliberadamente por um tipo de super-produção, com um elenco de super-vedetas (que, diga-se de passagem, vão super-bem) e valores de produção muito acima da média, inclusive ao nível dos efeitos especiais, que não têm nada de “explosivos”, mas interiorizam sabiamente o clima, entre o quotidiano e o fantástico. Sobretudo nesta primeira parte, onde ambientes, guarda-roupa, fotografia são excelentes e permitem imagens de um deslumbramento plástico que, sendo timbre de Lars von Trier, aqui adquirem invulgar requinte. Os exteriores são fascinantes, muito sofisticados, o que já se anunciava desde o inquietante prólogo.

Na segunda parte, tudo se modifica, desapareceram os convidados, ficam cinco personagens, e um planeta ameaçador no horizonte. Desenvolve-se o confronto entre Justine, inquieta e sôfrega, e Claire, calma e organizada. Mas a proximidade da catástrofe baralha os dados, metaforicamente a “melancolia” tudo invade e o Apocalipse é certo.

O visionário Lars von Trier nada mais descobre no futuro da Humanidade do que a sua extinção, com um olhar pessimista e derrotista. Muito inquietante também, tal o clima de opressão que imprime à obra. Angustiante e sufocante. O espectador é confrontado com o ar irrespirável, por obra e graça do talento do cineasta para compor imagens e as manipular, mas igualmente dos seus intérpretes.

Se Lars von Trier estivesse calado e realizasse apenas filmes, ganharia mais, mesmo que estes estejam impregnados desse derrotismo épico que terá levado Wagner a ser adoptado por Hitler. Mas não deixa de ser curioso que, neste ano passado, vários cineastas, na esteira de “2001”, de Kubrick, se tenham virado para o espaço para esconjurar ameaças latentes. Este sintoma de um mal-estar generalizado não é um bom presságio. Ainda que o cinema tenha ganho algumas obras excepcionais.

MELANCOLIA

Título original: Melancholia

Realização: Lars von Trier (Dinamarca, Suécia, França, Alemanha, 2011); Argumento: Lars von Trier; Produção: Bettina Brokemper, Rémi Burah, Madeleine Ekman, Tomas Eskilsson, Meta Louise Foldager, Peter Garde, Peter Aalbæk Jensen, Lars Jönsson, Marianne Slot, Louise Vesth; Fotografia (cor): Manuel Alberto Claro; Montagem: Morten Direcção artística: Simone Grau; Decoração: Louise Drake; Guarda-roupa: Manon Rasmussen; Maquilhagem: Linda Boije af Gennäs, Camilla Eriksson, Dennis Knudsen; Direcção de Produção: Jessica Balac, Mouns Overgaard, Maj-Britt Paulmann; Assistentes de realização: Jonas Eskilsson, Peter Hjorth, Pontus Klänge, Anders Refn, James Velasquez; Departamento de arte: Klas Jansson; Som: Kristian Eidnes Andersen; Efeitos especiais: Hummer Høimark; Efeitos visuais: Peter Hjorth, Michael Holm, Andreas Hylander, Elin Lindahl, Martin Madsen, Daniel Nielsen, Malin Persson; Companhias de produção: Zentropa Entertainments, Memfis Film, Zentropa International Sweden, Slot Machine, Liberator Productions, Zentropa International Köln, Film i Väst, Danmarks Radio (DR), arte France Cinéma, Sveriges Television (SVT), Canal+, Centre National du Cinéma et de L'image Animée (CNC), CinéCinéma, Edition Video, Nordisk Film Distribution, Danish Filminstitute, Eurimages, Nordisk Film- & TV-Fond, Swedish Film Institute, Filmstiftung Nordrhein-Westfalen; Intérpretes: Kirsten Dunst (Justine), Charlotte Gainsbourg (Claire), Alexander Skarsgård (Michael), Brady Corbet (Tim), Cameron Spurr (Leo), Charlotte Rampling (Gaby), John Hurt (Dexter), Stellan Skarsgård (Jack), Kiefer Sutherland (John), Udo Kier, Jesper Christensen, James Cagnard, Deborah Fronko, Charlotta Miller, Claire Miller, Gary Whitaker, Katrine Sahlstrøm, Christian Geisnæ, etc. Duração: 136 minutos; Distribuição em Portugal: Atalanta Filmes; Classificação etária: M/ 12 anos; Estreia em Portugal: 1 de Dezembro de 2011.

TEATRO: DUAS PEÇAS NA "BARRACA"

2012-01-07T02:56:00.000Z

TEATRO “A BARRACA”

“D. MARIA, A LOUCA”

No Teatro “A Barraca” duas peças em cena com motivos mais do que suficientes para despertarem o interesse dos espectadores. Por razões diferentes, é certo.

Estreada em Junho, para uma curtíssima série de espectáculos, mas reposta em Novembro para a sua carreira regular, “D. Maria, A Louca”, um original do brasileiro António Cunha, fala da rainha portuguesa D. Maria I, a primeira mulher a reinar de facto no trono de Portugal, e que teve, desde sempre, uma valoração muito diversa e contraditória até em relação aos seus reais atributos. Por um lado, há que lhe dar o crédito de uma série de iniciativas altamente meritórias, como a criação da Casa Pia, da Academia das Ciências, da Fábrica das Sedas, da valorização do ensino feminino, impondo-se por um humanismo não muito vulgar na época. Por outro lado, esta filha de D. José I, herdeira de um dos mais invulgares legados da nossa História, assinado em larga medida pelo Marquês de Pombal, que vai dos Távoras ao Terramoto de 1755, passando pela epidemia de varíola que dizimou a população de Portugal e a sua própria família, pelos conflitos com a aristocracia e a igreja, pelos ventos da mudança que advinham da França revolucionária, acabaria louca, refugiada no Brasil, após o exílio da família real portuguesa, que ali procurou refúgio, perante a ameaça das invasões francesas.

D. Maria Francisca Isabel Josefa Antónia Gertrudes Rita Joana de Bragança, que nascera em Lisboa, a 17 de Dezembro de 1734, viria a falecer a 20 de Março de 1816, suicidando-se, atirando-se ao mar no cais da Praça XV, na cidade do Rio de Janeiro. Oscilando entre”A Piedosa” e “A Louca”, D. Maria I é uma personagem certamente fascinante para historiadores, romancistas, dramaturgos ou mesmo cinéfilos. Joaquim Benite já havia encenado uma ópera sobre a mesma figura, no Festival de Almada de 2011.

É no barco que a conduziu a Terras de Vera Cruz que o autor a coloca, por entre momentos de loucura e lucidez, percorrendo mentalmente parte da sua vida e das suas resoluções, habitada por fantasmas e atormentada pelo fervor religioso. A peça não convence muito, é demasiado “poética” e algo arrevesada na sua linguagem, mas permite a Maria do Céu Guerra uma excelente interpretação trágica, mas com os seus laicos de trágica-cómica, sempre comedida e sensível. A encenação da mesma Maria do Céu Guerra é igualmente bastante interessante, económica num cenário bem imaginado por José Costa Reis. Se a peça não me convence muito, tudo o resto é merecedor da melhor atenção.

“D. Maria, a Louca”

Intérpretes: Maria do Céu Guerra, Adérito Lopes; Texto: António Cunha; Encenação: Maria do Céu Guerra; Direcção Plástica, Cenografia e Figurinos: José Costa Reis; Assistência de encenação: Marta Soares; Adereços: Nuno Elias; Desenho de Luz: Luís Viegas; Operação de Luz: Fernando Belo; Sonoplastia e operação: Ricardo Santos; Montagem: Mário Dias; Estreia a 20 de Julho, Teatro Cinearte; De Quinta-feira a Sábado às 21h30; Domingo às 16h30; Na Sala 1 do Teatro Cinearte; M/12.

“RUMOR”

“Rumor”, de Mário de Carvalho, começa por ser um excelente texto, muito bem escrito, com uma muito boa utilização da palavra como elemento plástico e cénico, o que não é vulgar em textos portugueses. Posso mesmo dizer que “Rumor” é, para mim, um dos melhores textos dramáticos nacionais dos últimos anos.

A forma como Mário de Carvalho aborda o tema é de uma ironia fina que permite ao elenco um trabalho saboroso e divertido, o que beneficia todo o espectáculo. Estamos num terraço de uma cidade abstracta, certamente durante o Império Romano. Várias personagens, bem instaladas na vida, o que ficam a dever ao governador da cidade que os favorece em troca da sua lealdade e de algumas outras cortesias que se preferem não nomear (como as visitas da bela mulher de um comerciante que regularmente passa a noite nos aposentos daquele que não se sabe se está ou não acima ou abaixo dos deuses!), conversam. Descontraidamente, bebem vinho, não tão bom como o que se bebe no palácio, cuja luz irradia pela cidade, e orienta os barcos no mar, mas ainda assim muito bom, muito melhor que a zurrapa que se bebe nas tabernas do povinho, e elogiam a grandeza do governador, homem de muitas virtudes e de uma largueza de vistas excepcionais. Apenas uma nota dissonante: um jovem, cujo pai, prestigiado general, havia sido assassinado às ordens desse mesmo governador.

Mas a harmonia parece grande entre os convivas, até que a luz do palácio esmorece e de todo se apaga. Corre o rumor que o governador morreu. Como? Quem será o sucessor? Alguém amigo do velho general assassinado? Então será melhor dosear as palavras, refrear os elogios, virar o tom da conversa, enfim o governador sempre tinha os seus aspectos menos virtuosos e quem sabe se quem virá aí não será muito melhor. Pode até ser alguém da confiança do filho do general que afinal passa a ser uma personagem muito querida, “vai minha filha, e abraça-o”.

Peça deliciosamente cínica sobre os vira casacas e aqueles que se alapam ao poder para dele retirar dividendos, “Rumor” é um exercício de teatro inteligente, divertido, e contundente. A encenação de Maria do Céu Guerra é muito boa, discreta, subtil, servindo muito bem o texto, o que todo o elenco acompanha com galhardia. Sente-se que os actores, João D’Ávila, Jorge Gomes Ribeiro, Paula Guedes, Rita Fernandes, Ruben Garcia, Sérgio Moras e Vânia Naia, se divertem neste jogo de tapa / destapa e isso acaba por beneficiar o espectáculo.

Vão à “Barraca” ver teatro. O talento e a persistência da Céu Guerra, bem acompanhada pelos cúmplices de aventura, merece-o.

RUMOR

Texto: Mário de Carvalho; Encenação: Maria do Céu Guerra; Direcção Plástica: José Costa Reis; Intérpretes: João D’Ávila, Jorge Gomes Ribeiro, Paula Guedes, Rita Fernandes, Ruben Garcia, Sérgio Moras, Vânia Naia; Assistência de Encenação: Sérgio Moras; Apoio de movimento: Catarina Santana; Apoio musical: Ana Isabel Dias; Aderecista e assistente de cenografia e figurinos: Marta Fernandes da Silva; Desenho de luz: Maria do Céu Guerra / Fernando Belo; Operação de luz e som: Paulo Vargues; Montagem e Carpintaria: Mário Dias: De 5ª a Sábado às 21h30; Domingo às 16h00; Na Sala 2 do Teatro Cinearte; M/12.

CINEMA: A PELE ONDE EU VIVO

2012-01-06T02:22:00.001Z

A PELE ONDE EU VIVO

Para muita gente, crítico ou não, o último filme de Pedro Almodôvar, “La Piel que Habito”, é uma quase traição ao seu anterior percurso cinematográfico. Que é muito pouco almodovariano, muito frio, muito distanciado do que habitualmente faz, e etc. Na verdade, para ser franco, há alguns dispositivos novos nesta obra, mas não vejo por que razão essa novidade implica com a coerência de Almodôvar, muito pelo contrário. Julgo “A Pele em que Vivo” um dos filmes mais almodovariano dos últimos tempos, aceitando que o cineasta vai amadurecendo nalguns aspectos, criando novas tensões, desenvolvendo no entanto sempre as mesmas obsessões e fantasmas, os seus temas eternos e depurando estilo e narrativa.

O “thriller” não é novidade em Almodôvar. Já o havia tratado abertamente em “Em Carne Viva”, adaptação de um romance de Ruth Rendel, e já o havia abordado por diversas vezes em sequências de muitas outras obras suas, onde o tom de “film noir” está presente. É obvio que Almodôvar é um entusiasta do “policial”, quando este lhe permite analisar o lado mais obscuro da condição humana.

Curiosamente, “La Piel que Habito” parte de um romance de Thierry Jonquet, escritor francês de policiais, muito elogiado em França, pouco conhecido em Portugal, oriundo de uma família de comunistas, filho de um mecânico parisiense, que se tornou membro da “Troskyite Lutte Ouvrière”. Morreu cedo (1954–2009), mas deixou vasta obra de que “Tarantula”, em francês, ou “Mygale” ou “Serpent's Tail”, nas suas versões inglesas, datado de 1995, parece ser a sua obra de maior destaque. Foi ela que serviu de base a esta adaptação de Pedro Almodôvar (com a colaboração do seu irmão Agustín Almodôvar).

Mas se o gosto de Almodôvar pelo policial é conhecido, a sua predilecção por melodramas de faca e alguidar é manifesta, desde a sua mais tenra idade de cineasta. Ele não abdica de uma boa intriga, com famílias disfuncionais, múltiplas peripécias onde paixões funestas e amores à desfilada se entrecruzam em situações limite, bem à maneira do romance de cordel popular. Esta sua nova obra parece atingir um clímax nesse aspecto.

Depois, há o desejo (a sua produtora chama-se mesmo “El Deseo”), o sexo, o proibido, o tabu, a provocação, tudo rodando à volta do corpo e de um aspecto muito preciso da transformação do corpo (travestis e transformistas são habituais frequentadores da sua filmografia). A base sobre que assenta “A Pele em que Vivo” é precisamente o corpo e a sua transformação.
O protagonista desta história, o médico cirurgião Robert Ledgard (um Antonio Banderas comedido e rigoroso, como há muito se não via), assemelhando-se em muito a um Frankenstein dos tempos modernos, procura “criar a mulher” (já Terence Fisher o tentara numa obra notável, mas recriando a situação com o tradicional Dr. Frankenstein). Mas a obsessão de Robert Ledgard não é pegar em diferentes partes de vários corpos e criar o modelo de mulher ideal. É agarrar num homem e transformá-lo em mulher, através de uma operação ginecológica, mas sobretudo, porque essa é a área das suas pesquisas, através de um nova pele, resistente à dor, ao calor, às picadas, às ameaças do exterior.

O que está na base desta obsessão? Gal, a mulher teve um acidente de carro e ficou carbonizada, ele tentou salvá-la por todos os meios ao seu alcance, mas acabaria por falhar, pois um dia a mulher olha-se ao espelho e suicida-se, atirando-se de uma janela abaixo. Fica a dor da perca e o remorso do falhanço. E fica a filha Norma (um referência operática, mais ou menos óbvia) que um dia é violada e fica para sempre traumatizada, acabando por seguir o caminho da mãe. Robert Ledgard sabe quem foi o violador, persegue-o, encurrala-o numa cave e exerce sobre este prisioneiro pessoal todas as experiências possíveis, até ele adquirir os contornos de Vera (a belíssima e talentosa Elena Anaya), que mais tarde se chamará a si própria Vera Cruz. Ela será Vera (de verdadeira) para Ledgard, e Cruz (de calvário) para Vicente (Jan Cornet).

Há uma outra história paralela a esta, que com ela se cruza por diversos meios. A governanta, Marília (Marisa Paredes, como sempre magnífica), e principal cúmplice de Ledgard, é o resguardo seguro do seu palacete e a guardiã das suas experiências, que acompanha através de um ecrã ligado à bela masmorra onde Vera se vai transformando. Mas Marília tem um filho, Zeca (uma personagem de carnaval brasileiro, interpretada por Roberto Álamo), que um dia se esconde sob as saias da mãe, que viola Vera e que Ledgard descobre. O que Ledgard nunca descobrirá é que Zeca é seu irmão, e Marília sua mãe.

Não interessa aprofundar mais a história rocambolesca, e pícara em muitos aspectos. Este enunciado dá bem a medida das obsessões de Almodôvar e da forma como as aborda neste filme. O corpo que se transforma, os sexos que se diluem um no outro, a violência exercida sobre a pele como elemento erótico por excelência e, mais do que isso, a transformação imposta e a culpa que nasce deste acto. E a revolta. Nada de mais almodovariano se poderia encontrar.

Que Pedro Almodôvar é menos barroco do que habitualmente na construção dos cenários e da narrativa, é certo, ainda que a personagem de Zeca e a “boutique” da mãe de Vicente escapem para o ambiente dos seus primeiros filmes. Mas esta deslizagem de Almodôvar para um cinema mais clássico era já notória nos últimos títulos da sua filmografia. A mestria da sua arte continua, porém, inatacável, a direcção de actores é primorosa, e o resultado final é uma obra inquietante, belíssima na sua estética depurada, onde o corpo da mulher (da mulher viva, mas também da mulher “representada” em várias obras de arte que se dispersam pelas paredes da casa de Robert Ledgard) adquire um posição de eixo central que irá comandar toda a respiração deste filme profundamente perturbador.

A PELE ONDE EU VIVO

Título original: La Piel que Habito

Realização: Pedro Almodôvar (Espanha, 2011); Argumento: Pedro Almodóvar, Agustín Almodôvar, segundo romance de Thierry Jonquet ("Tarantula"); Produção: Agustín Almodóvar, Bárbara Peiró Aso, Esther García; Música: Alberto Iglesias; Fotografia (cor): José Luis Alcaine; Montagem: José Salcedo; Casting: Luis San Narciso; Design de produção: Antxón Gómez; Direcção artística: Carlos Bodelón; Guarda-roupa: Paco Delgado; Maquilhagem: Tamar Aviv, Manolo Carretero, David Martí, Montse Ribé; Direcção de Produção: Sergio Díaz, Toni Novella; Assistentes de realização: Manuel Calvo, Juan Carlevaris, David Esquivel, Eva Sánchez; Departamento de arte: Pablo Buratti, Vicent Díaz, Alejandra Loiseau; Som: Iván Marín; Efeitos especiais: Reyes Abades, Daniel Reboul, Joaquín Vergara; Efeitos visuais: Helen Marti Donoghue; Companhias de produção: Canal+ España, El Deseo S.A., Instituto de Crédito Oficial (ICO), Televisión Española (TVE); Intérpretes: Antonio Banderas (Robert Ledgard), Elena Anaya (Vera Cruz), Marisa Paredes (Marília), Jan Cornet (Vicente), Roberto Álamo (Zeca), Eduard Fernández (Fulgencio), José Luis Gómez (Presidente do Instituto de Biotecnologia), Blanca Suárez (Norma Ledgard), Susi Sánchez (mãe de Vicente), Bárbara Lennie (Cristina), Fernando Cayo (Médico), Buika (Cantora), Guillermo Carbajo, Agustín Almodôvar, Violaine Estérez, Sheyla Fariña, Esther Garcia, Teresa Manresa, Ana Mena, Chema Ruiz, David Vila, Jordi Vilalta, etc. Duração: 117 minutos; Distribuição em Portugal: Pris Audiovisuais; Classificação etária: M/ 12 anos; Estreia em Portugal: 17 de Novembro de 2011.

CINEMA: O DEUS DA CARNIFICINA

2012-01-04T02:57:00.001Z

O DEUS DA CARNIFICINA

"Le Dieu du Carnage” é uma perca de teatro da autoria de Yasmina Reza, francesa, a mesma que nos dera anteriormente um grande sucesso, “Art”, que esteve em cena nos palcos de todo o mundo, incluindo Portugal. "Le Dieu du Carnage” estreou igualmente no palco do “Teatro Aberto”, com boas referências.

A peça foi lançada em Paris, em 2008, com Isabelle Huppert e Eric Elmosnino no elenco, passando depois rapidamente aos palcos ingleses e americanos. Na Broadway, surgiu no ano seguinte, com um elenco de peso, James Gandolfini, Marcia Gay Harden, Hope Davis, e esta é uma das razões do sucesso da obra: actores magníficos a darem densidade e a criar tensão numa intriga que parte de um “fait divers” para desencadear uma situação de invulgar crispação.

Há muito nesta obra de Yasmina Reza que nos faz lembrar “Quem Tem Medo de Virgínia Woolf?”: um cenário único, uma sala de estar, dois casais, um jogo de massacre entre as quatro personagens. Mas a obra de Albee tem uma outra profundidade.

Roman Polanski e Yasmina Reza adaptaram ao cinema a obra e ela aí está com todos os atributos da obra teatral e o saber do cineasta para dirigir actores e a perversidade sóbria para encenar situações limite.

Aqui o acontecimento de partida é uma luta entre miúdos num jardim. O genérico do filme de Polanski mostra-nos esse jardim em plano de conjunto, um grupo de miúdos que discute, um deles que se afasta um pouco, regressa furioso, munido de um varapau e desfere uma tacada no rosto de um outro. Sabe-se depois que partiu dentes, deslocou o maxilar, inchou a cara, e colocou em recuperação a vítima durante uns dias. Nada de muito excepcional, agora chamam-lhe “bullying”, antigamente era “andar à porrada”.

Os pais dos dois jovens encontram-se para discutir o assunto. Em casa da vítima. São casais da média burguesia, comerciantes, advogados, “gente de bem”, “civilizada”, que procura resolver o caso de forma amigável. Encontram-se, tomam uma bebida, discorrem sobre o tema que parece não os preocupar muito, tomam outra bebida, e acabam lentamente por deixar vir à tona de água a sua verdadeira personalidade e os traumas que a enformam. O que parecia largueza de vistas e propósitos generosos, acaba por se transformar numa querela infindável que coloca casal contra casal, mulheres contra homens, homem contra homem e mulher contra mulher, em sucessivas alianças que se fazem e desfazem, ao sabor dos interesses de momento.

Não me parece que a agressão seja tratada com um mínimo de ponderação. Afinal, um acto gratuito de violência juvenil deveria merecer maior atenção. Aqui serve apenas como pretexto para o desencadear das hostilidades entre os casais. Às tantas, já não se fala do assunto, que só é evocado para agravar a discussão. O que interessa já são os livros de arte vomitados, o marido que não larga o telemóvel, o antigo chefe de gang, o bolo que provoca indisposição ou o whisky que liberta as vozes. A metáfora mostra como a violência está latente e solta as amarras ao mais pequeno distúrbio, ou como a “civilização” e as “boas maneiras” são fachadas de polimento fino. Um exercício curioso, divertido, com algum humor negro à mistura e um profundo cinismo sobre a condição humana. Interessante, mas não mais do que isso.

O que sobressai, isso sim, é a qualidade da realização de Polanski, que numa sala e num corredor, com idas e vindas, ameaças de saídas e entradas, da cordialidade à exasperação, nos consegue envolver num clima de tensão que cada vez se adensa mais e, sobretudo, as extraordinárias interpretações dos quatro actores escolhidos: Jodie Foster e John C. Reilly, de um dos lados do ringue, Kate Winslet e Christoph Waltz, no outro canto. Não há vencedores na disputa, apenas vencidos, mas os intérpretes merecem todos nomeações.

Para que tudo pareça ainda mais anódino e inconsequente, no plano de conjunto final os miúdos voltam a encontrar-se no jardim e a confraternizarem como se nada tivesse acontecido. Branqueado o "bullying", fica a desavença.

Dá ideia que não faz mal que os miúdos continuem a esmurrar os queixos uns dos outros, desde que isso permita analisar o comportamento dos pais.

O DEUS DA CARNIFICINA

Título original: Carnage

Realização: Roman Polanski (França, Alemanha, Polónia, Espanha, 2011); Argumento: Yasmina Reza, Roman Polanski, segundo peça teatral de Yasmina Reza ("God of Carnage"); Produção: Saïd Ben Saïd, Oliver Berben, Martin Moszkowicz; Música: Alexandre Desplat; Fotografia (cor): Pawel Edelman; Montagem: Hervé de Luze; Casting: Fiona Weir; Design de produção: Dean Tavoularis; Decoração: Franckie Diago; Guarda-roupa: Milena Canonero; Maquilhagem: Laurent Bozzi, Alexis Kinebanyan; Direcção de Produção: Frédéric Blum, Abraham Goldblat, Varujan Gumusel, Vincent Lefeuvre; Assistentes de realização: Ralph Remstedt, Caroline Veyssière, Mareike Engelhardt, Sophie Le Guénédal; Departamento de arte: Laurent Fenestre, Yvan Hart, Delis Valerie ; Som: Thomas Desjonquères, Stephane Lioret; Efeitos visuais: Frederic Moreau, Mikael Tanguy; Companhias de produção: SBS Productions, Constantin Film Produktion, SPI Film Studio, Versátil Cinema, Zanagar Films, France 2 Cinéma, Canal+, CinéCinéma, France Télévisions, Polish Film Institute, Wild Bunch; Intérpretes: Jodie Foster (Penelope Longstreet), Kate Winslet (Nancy Cowan), Christoph Waltz (Alan Cowan), John C. Reilly (Michael Longstreet), Elvis Polanski (Zachary Cowan), Eliot Berger (Ethan Longstreet), Joseph Rezwin (voz de Walter), Nathan Rippy (voz de Dennis), Tanya Lopert (voz da mãe de Alan), Julie Adams (voz da secretária), etc. Duração: 79 minutos; Distribuição em Portugal: Zon Lusomundo Audiovisuais; Classificação etária: M/ 12 anos; Estreia em Portugal: 29 de Dezembro de 2011.

Cinema: A ÁRVORE DA VIDA

2011-12-30T02:24:00.000Z

A ÁRVORE DA VIDA

“The Tree of Life”, de Terrence Malick, é um acontecimento. Como o foram todos os seus (raros) filmes anteriores. Este é um daqueles autores que prepara minuciosamente cada nova obra, desde a sua estreia na longa-metragem, com o magnífico “Noivos Sangrentos” (1973), passando por “Dias do Paraíso” (1978), “A Barreira Invisível” (1998), ou “O Novo Mundo” (2005), até chegar a este estranho, fascinante e estimulante “A Árvore da Vida” (2011). Agora, como que a contrariar tudo o que se conhecia dele até aqui, anunciam-se quatro novos títulos para os próximos dois anos: “Voyage of Time”, “Lawless”, “Knight of Cups” e um projecto que se conhece apenas pela designação “Untitled Terrence Malick Project”.

O filme começa com uma citação do livro de Job: “Onde estavas quando lancei as fundações da Terra? Entre as aclamações das estrelas da manhã e o aplauso de todos os filhos de Deus?” Claro que este é um filme que invoca a presença (ou a ausência) de Deus, mas é mais uma obra de onde ressaltam as dúvidas e as incertezas, as reticências numa resposta única, do que uma afirmação indubitável de fé divina.

“A Árvore da Vida” pode ser aqui uma metáfora metafísica ou espiritual, uma resposta científica, ou simplesmente a árvore que se planta no quintal e que vai crescer acompanhando o crescimento dos filhos do casal O’Brien. “A Árvore da Vida” é o elogio da vida e da natureza, mas também do apogeu da Graça. Dizem-nos logo no início que umas freiras, algures, ensinaram que existiam dois caminhos, “o da Natureza e o da Graça”. Mais tarde, descreve-se o casal O’Brien como sendo o pai um símbolo da Natureza e a mãe, da Graça. Assistimos, entretanto, ao nascimento da Terra e acompanhamo-la do “Bing Bang” até à actualidade. Vemos a brutalidade do fogo e da lava em explosão, mas também a harmonia da paisagem, a beleza verde dos campos e das árvores, o amarelo dos girassóis, o azul da água, a aragem a percorrer as areias douradas dos desertos, lentamente vamos entrando nessa melopeia de imagens e sons, de movimentos de câmara e de ritmos musicais que nos restituem o mundo no seu esplendor. Percebe-se que a Graça e a Natureza coexistem, são um casal, e ambos querem o melhor para os seus filhos, ainda que por caminhos diversos, por vezes até antagónicos.

O pai (um magnífico Brad Pitt) é austero, rigoroso, por vezes violento na sua educação formal. Sabe-se que vem de uma existência traumatizante, está habituado ao “struggle for life”, que é a base da filosofia de vida dos americanos, há que ser forte para derrotar os adversários, há que olhá-los de frente, mostrar se possível fraqueza para depois aplicar o golpe definitivo. É isso que ensina aos filhos, muito embora gostasse de ter sido músico, possivelmente escrever e reescrever dezenas de vezes uma obra-prima e depois dizer “Podia estar melhor”. Mas os caminhos da sua árvore da vida foram outros e vê-se humilhado no final da carreira, despedido, obrigado a mudar de casa, depois de ter perdido um dos seus três filhos.

A mãe (essa portentosa Jessica Chastain) é a Graça, o espírito, as saias a que se agarram os filhos, o colo a que recolhem, o doce olhar que os ampara, o choro convulsivo quando lhe é transmitida a funesta notícia da morte do filho, o andar desamparado pelas ruas de Smithville (uma cidadezinha perto de Austen, no Texas, corria a década de 50 do século passado). Ela é aquela que para os olhos de um dos filhos não foi: “deixaste que ele (o pai) fizesse de ti o que ele quis. Eu não vou fazer nada do que disserem.” Mas a mulher é a Graça, a presença etérea do espírito materno, a mãe terra, a procriadora, aquela de cujo ventre sai o futuro. Um pezinho de bebé, acolhido entre as mãos dos que o amavam antes dele nascer, e o vão preparar para a vida, para o confronto com a Natureza e com a Graça, com o meio físico e a espiritualidade. Afinal, a dualidade que todos nós enfrentamos quando entramos neste planeta onde a beleza extravasa do exterior para o interior (quase todos os cenários são limitados por vidros, que trazem para o interior das casas a paisagem exterior, quer ela seja dos verdes e azuis da paisagem natural, quer a do aço, do vidro ou do cimento da paisagem urbana das grandes metrópoles).

Terrence Malick aposta numa religião, a do amor: “A única forma de ser feliz é amando. Se amares, a vida passa num segundo.” Mas nem tudo é simples e por vezes a paisagem é de rochas inóspitas que é preciso atravessar. “Vejam a Glória que nos rodeia”, mas logo acrescentam que, por vezes, se vive “na vergonha”. É Jack (Sean Penn), o irmão mais velho, que vive por entre arranha-céus e que grita contra “este mundo está entregue à bicharada, onde campeia a ganância”, que, no final, invoca o irmão perdido, pedindo-lhe: “Irmão, cuida de nós, Orienta-nos. Até ao fim dos tempos.”

Religião? Alguém tenta confortar os familiares, dizendo, após a morte do filho: “Ele está agora nas mãos de Deus!”, ao que lhe respondem com uma inquietante pergunta: “Não esteve ele sempre nas mãos de Deus?”.

“A Árvore da Vida” não é um simples filme. É uma experiência que se atravessa, se vive. Parece-me ter muito de autobiográfico, por muito pouco que se saiba de Terrence Malick, um autor que quase não fala de si, se recusa a dar entrevistas, vive recolhido, e de quem se conhece uma única fotografia. Há quem diga que nasceu em Ottawa, Illinois, outros afiançam que foi em Waco, Texas, filho de Emil Malick, um geólogo austero, proveniente de uma família imigrante, iraniana. A mãe foi Irene Malick, de quem guarda boas recordações. Toda a sua infância é passada em ambientes rurais. Teve dois irmãos mais jovens, um dos quais, Larry, estudou música (guitarra) em Segóvia, Espanha, e que se sabe que morreu jovem (talvez suicídio).

Terrence Malick estudou filosofia na Universidade de Harvard, especializando-se em Heidegger, sobre quem escreveu uma tese, “The Essence of Reasons”. Deu aulas de filosofia e de cinema, escreveu artigos para o “Newsweek”, “The New Yorker” e “Life”. Em todos os seus filmes a natureza ocupa um lugar preponderante. Creio que em todos os seus filmes podemos encontrar um pouco de si, da sua vida passada, do seu testemunho filosófico sobre o destino do homem. O que torna as suas obras completamente diferentes de todas as outras. Afinal, o que faz a diferença das obras de arte é o seu cunho pessoal. Se já tudo se disse e se contou, e se nada é novidade na “estória”, o que é único e transmuda as vozes é a sua sinceridade e a sua verdade.

Não há em “A Árvore da Vida” uma narrativa tradicional, cronológica, mas antes um evocar de olhares e palavras, de memórias e emoções, quase todas elas mantidas por Jack O’Brien, que recorda, de forma não linear, figuras, situações, sentimentos, locais, os anos 50, o Texas, a família, o pai e a mãe, os irmãos, as brincadeiras, a natureza, os rios e as árvores, e aquela árvore plantada no jardim… A iniciação.

Admiravelmente fotografado por Emmanuel Lubezki, com uma soberba montagem que demorou dois anos e ocupou o realizador e cinco montadores, “The Tree of Life” é indiscutivelmente um dos grandes filmes, senão o maior, de 2011. É impossível não estabelecer pontos de contacto, mais estilísticos do que temáticos, com “2001: Uma Odisseia no Espaço”, de Kubrick. Nas sequências da criação do mundo, na banda sonora, na utilização da música como suporte e contraponto das imagens. E pode, e deve, dizer-se a fechar (ou a abrir para novos considerandos que nunca se esgotarão nesta obra) que “A Árvore da Vida” é, sobretudo, uma celebração da vida e do amor, um poema, uma elegia, uma meditação, uma reflexão filosófica ou um simples olhar extasiado para a beleza que nos rodeia, e que nem sempre sabemos celebrar.

A ÁRVORE DA VIDA

Título original: The Tree of Life

Realização: Terrence Malick (EUA, 2011); Argumento: Terrence Malick; Produção: Nigel Ashcroft, Ivan Bess, Greg Eliason, Dede Gardner, Nicolas Gonda, Sarah Green, Grant Hill, Susan Kirr, Brad Pitt, Bill Pohlad, Donald Rosenfeld, Paula Mae Schwartz, Steve Schwartz, Sandhya Shardanand; Música: Alexandre Desplat; Fotografia (cor): Emmanuel Lubezki; Montagem: Hank Corwin, Jay Rabinowitz, Daniel Rezende, Billy Weber, Mark Yoshikawa; Casting: Vicky Boone, Francine Maisler; Design de produção: Jack Fisk; Direcção artística: David Crank; Decoração: Jeanette Scott; Guarda-roupa: Jacqueline West; Maquilhagem: Direcção de Produção: Scott E. Chester, Erica Frauman, Frank Hildebrand, Tim Assistentes de realização: Bobby Bastarache, Cleta Elaine Ellington, Scott R. Meyers, Katie Tull; Departamento de arte: Ruth De Jong, Robert K. Weinberger; Som: Erik Aadahl, Craig Berkey, Will Files; Efeitos especiais: Brian Cross, Ryan Roundy; Efeitos visuais: Erin Ferguson, Bradley Friedman, Dan Glass, Alexa Hale, Steve Jaworski, Stephen King, Key Hyung Lee, Eric D Legare, Ruheene Masand, Laurent-Paul Robert, Benson Shum; Animação: Mike Jahnke, Sheldon Kruger, Gary Mau; Companhias de produção: Brace Cove Productions, Cottonwood Pictures, Plan B Entertainment, River Road Entertainment; Intérpretes: Brad Pitt (Mr. O'Brien), Sean Penn (Jack), Jessica Chastain (Mrs. O'Brien), Hunter McCracken (Jack, em jovem), Laramie Eppler (R.L.), Tye Sheridan (Steve), Fiona Shaw (avó), Jessica Fuselier (Guide), Nicolas Gonda (Mr. Reynolds), Will Wallace (Arquitecto), Kelly Koonce (padre Haynes), Bryce Boudoin (Robert), Jimmy Donaldson (Jimmy), Kameron Vaughn (Cayler), Cole Cockburn (Harry Bates), Dustin Allen (George Walsh), Brayden Whisenhunt, Joanna Going, Irene Bedard, Finnegan Williams, Michael Koeth, John Howell, Samantha Martinez, Savannah Welch, Tamara Jolaine, Julia M. Smith, Anne Nabors, Christopher Ryan, Tyler Thomas, Michael Showers, Kimberly Whalen, Margaret Hoard, Wally Welch, Hudson Lee Long, Michael Dixon, William Hardy, Tommy Hollis, Cooper Franklin Sutherland, John Cyrier, Erma Lee Alexander, Nicholas Yedinak, Alex Draguicevich, Jackson Hurst, etc. Duração: 139 minutos; Distribuição em Portugal: Zon Lusomundo Audiovisuais; Classificação etária: M/ 12 anos; Estreia em Portugal: 26 de Maio de 2011.

Terrence Malick - a única fonografia conhecida do cineasta

2011 - O CINEMA PORTUGUÊS EM PORTUGAL, 2

2011-12-29T00:06:00.000Z

RANKING DOS FILMES PORTUGUESES MAIS VISTOS

(1-1-2011/21-12-2011)

Passemos agora ao quadro seguinte, mantendo a mesma fonte, ICA (http://www.ica-ip.pt/Admin/Files/Documents/contentdoc1956.pdf). Trata-se agora de filmes portugueses, estreados durante o mesmo lapso de tempo.

Nº	TÍTULO	TIPO	REALIZADOR	DISTRIBUIDOR	ESTREIA	ESPECT.	RECEITA BRUTA
1	SANGUE DO MEU SANGUE	FICÇÃO	JOÃO CANIJO	MIDAS FILMES	05-10-2011	20.262	€ 95.502,12
2	COMPLEXO UNIVERSO PARALELO	DOC.	MÁRIO PATROCÍNIO	VALENTIM DE CARVALHO	13-01-2011	17.102	€ 85.063,14
3	A CIDADE DOS MORTOS	DOC.	SÉRGIO TRÉFAUT	FAUX	14-04-2011	6.924	€ 32.610,71
4	48	DOC.	SUSANA SOUSA DIAS	ALAMBIQUE	21-04-2011	3.256	€ 15.539,69
5	O ESTRANHO CASO DE ANGÉLICA	FICÇÃO	MANOEL DE OLIVEIRA	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	28-04-2011	2.664	€ 11.677,48
6	A MORTE DE CARLOS GARDEL	FICÇÃO	SOLVEIG NORDLUND	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	22-09-2011	2.656	€ 11.563,13
7	BUDAPESTE	FICÇÃO	WALTER CARVALHO	CLMC - MULTIMÉDIA	17-02-2011	2.290	€ 10.386,40
8	CISNE	FICÇÃO	TERESA VILLAVERDE	ALCE FILMES	08-09-2011	2.220	€ 9.822,50
9	COM QUE VOZ	DOC.	NICHOLAS OULMAN	NLC - CINEMA CITY	27-01-2011	2.063	€ 10.243,49
10	VIAGEM A PORTUGAL	FICÇÃO	SÉRGIO TRÉFAUT	FAUX	16-06-2011	2.017	€ 8.892,40
11	AMÉRICA	FICÇÃO	JOÃO NUNO PINTO	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	26-05-2011	1.762	€ 7.295,16
12	QUINZE PONTOS NA ALMA	FICÇÃO	VICENTE ALVES DO Ó	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	07-04-2011	1.657	€ 4.496,06
13	O BARÃO	FICÇÃO	EDGAR PÊRA	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	20-10-2011	1.196	€ 5.844,90
14	A ESPADA E A ROSA	FICÇÃO	JOÃO NICOLAU	O SOM E A FÚRIA	07-04-2011	661	€ 2.442,64
15	E O TEMPO PASSA	FICÇÃO	ALBERTO SEIXAS SANTOS	TREVI FILMES, AUDIO, LDª	10-03-2011	566	€ 2.398,30
16	ÁGUAS MIL	FICÇÃO	IVO M. FERREIRA	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	12-05-2011	540	€ 2.149,02
17	QUEM VAI À GUERRA	DOC.	MARTA PESSOA	REAL FICÇÃO	16-06-2011	531	€ 2.566,13
18	ATÉ ONDE?	FICÇÃO	CARLOS MAGALHÃES DE BARROS	CARLOS MAGALHÃES DE BARROS	11-06-2011	426	€ 691,00
19	EFEITOS SECUNDÁRIOS	FICÇÃO	PAULO REBELO	C.R.I.M. PRODUÇÕES AUDIO.	14-12-2011	373	€ 566,00
20	THE NORTH CANYON	DOC.	GARRETT McNAMARA, P. CALDEIRA, P. CONCEPTS	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	21-10-2011	361	€ 1.585,00
21	DURANTE O FIM	DOC.	JOÃO TRABULO	PERIFERIA FILMES	23-06-2011	172	€ 520,70
22	PERDIDA MENTE	FICÇÃO	MARGARIDA GIL	AMBAR FILMES	01-11-2011	167	€ 376,00
23	NO MEU LUGAR	FICÇÃO	EDUARDO VALENTE	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	13-10-2011	62	€ 250,85

O melhor filme português, “Sangue do Meu Sangue”, de João Canijo, ficou-se pelos 20.262 espectadores, com uma receita bruta de 96.502,12 Euros. Elucidativo.

O filme de Manoel Oliveira, “O Estranho Caso de Angélica”, considerado pelos “Cahiers du Cinema”, como o segundo melhor filme visto em França durante o ano de 2011, teve 2.664 espectadores. “E o Tempo Passa”, de Alberto Seixas Santos, um nome seguro do nosso cinema, ficou-se pelos 566 espectadores. A última longa-metragem desta singular lista, teve 52 espectadores, e fez 250,85 euros de receita. Dá que pensar. Sobre os “Caminhos do Cinema Português”, obviamente, mas sobretudo sobre quem são os espectadores de cinema em Portugal, no ano de 2011.

2011 - O CINEMA EM PORTUGAL, 1

2011-12-29T00:01:00.000Z

RANKING DOS FILMES MAIS VISTOS

(1-1-2011/21-12-2011)

No site do Instituto do Cinema e do Audiovisual (http://www.ica-ip.pt/Admin/Files/Documents/contentdoc2187.pdf), podem ler-se as estatísticas referentes ao ano de 2011, no que ao cinema em Portugal diz respeito. O quadro dos 40 filmes que fizeram mais receita e tiveram mais espectadores durante o período que vai de 1 de Janeiro de 2011 a 12 de Dezembro de 10111 é o seguinte:

Nº	TÍTULO	REALIZADOR	DISTRIBUIDOR	REC.BRUTA	ESPECT.	SESSÕES
1	HARRY POTTER E OS TALISMÃS DA MORTE: PARTE 2	DAVID YATES	COLUMBIA TRISTAR WARNER	€ 2.937.937,05	493.700	12.420
2	OS SMURFS	RAJA GOSNELL	COLUMBIA TRISTAR WARNER	€ 2.792.468,88	478.221	11.995
3	PIRATAS DAS CARAÍBAS: POR ESTRANHAS MARÉS	ROB MARSHALL	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	€ 2.880.357,45	476.881	13.878
4	A SAGA TWILIGHT: AMANHECER PARTE I	BILL CONDON	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	€ 2.178.407,15	455.528	10.310
5	VELOCIDADE FURIOSA 5	JUSTIN LIN	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	€ 2.105.893,09	446.328	11.651
6	O TURISTA	FLORIAN V. DONNERSMARCK	COLUMBIA TRISTAR WARNER	€ 2.002.186,26	421.410	11.401
7	CARROS 2	JOHN LASSETER, B. LEWIS	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	€ 2.408.421,75	408.494	11.932
8	RIO	CARLOS SALDANHA	CLMC - MULTIMÉDIA	€ 2.534.365,39	406.626	11.694
9	A RESSACA PARTE II	TODD PHIILLIPS	COLUMBIA TRISTAR WARNER	€ 1.839.990,17	395.418	13.845
10	O REGRESSO DE JOHNNY ENGLISH	OLIVER PARKER	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	€ 1.700.125,43	359.121	12.306
11	AS AVENTURAS DE TINTIN: O SEGREDO DO LICORNE	STEVEN SPIELBERG	COLUMBIA TRISTAR WARNER	€ 1.963.577,13	331.072	11.383
12	O DISCURSO DO REI	TOM HOOPER	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	€ 1.566.728,55	327.427	9.696
13	O GATO DAS BOTAS	CHRIS MILLER	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	€ 1.885.848,29	317.899	6.920
14	O PANDA DO KUNG FU 2	JENNIFER YUH	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	€ 1.727.201,34	295.441	12.611
15	TRANSFORMERS 3	MICHAEL BAY	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	€ 1.460.196,90	248.427	9.092
16	CISNE NEGRO	DARREN ARONOFSKY	CLMC - MULTIMÉDIA	€ 1.138.288,11	240.076	8.456
17	MEIA-NOITE EM PARIS	WOODY ALLEN	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	€ 960.530,12	200.673	8.040
18	CAPITÃO AMÉRICA: O PRIMEIRO VINGADOR	JOE JOHNSTON	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	€ 1.095.779,70	188.843	7.936
19	AMIGOS COLORIDOS	WILL GLUCK	COLUMBIA TRISTAR WARNER	€ 864.611,12	185.943	7.142
20	RANGO	GORE VERBINSKI	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	€ 845.869,23	182.247	5.799
21	SEXO SEM COMPROMISSO	IVAN REITMAN	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	€ 841.285,93	182.072	6.765
22	ENGANA-ME QUE EU GOSTO	DENNIS DUGAN	COLUMBIA TRISTAR WARNER	€ 833.831,49	180.395	7.387
23	CHEFES INTRAGÁVEIS	SETH GORDON	COLUMBIA TRISTAR WARNER	€ 822.085,19	178.882	7.737
24	PROFESSORA BALDAS	JAKE KASDAN	COLUMBIA TRISTAR WARNER	€ 775.646,65	169.507	7.559
25	SUPER 8	J. J. ABRAMS	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	€ 733.219,23	159.009	7.050
26	HEREAFTER - OUTRA VIDA	CLINT EASTWOOD	COLUMBIA TRISTAR WARNER	€ 744.928,74	158.006	6.144
27	THOR	KENNETH BRANAGH	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	€ 950.603,03	154.647	6.698
28	O PLANETA DOS MACACOS: A ORIGEM	RUPERT WYATT	CLMC - MULTIMÉDIA	€ 715.615,21	153.616	7.063
29	ENTRELAÇADOS	BYRON HOWARD, N. GRENO	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	€ 896.400,54	145.133	5.271
30	ALTA GOLPADA	BRETT RATNER	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	€ 635.677,88	137.155	6.358
31	NÃO HÁ FAMÍLIA DO PIOR	PAUL WEITZ	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	€ 615.937,77	131.579	6.830
32	INDOMÁVEL	ETHAN COEN, JOEL COEN	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	€ 616.368,30	130.701	5.274
33	A ÁRVORE DA VIDA	TERRENCE MALICK	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	€ 602.671,70	128.077	5.894
34	AMOR, ESTÚPIDO E LOUCO	GLENN FICARRA, J. REQUA	COLUMBIA TRISTAR WARNER	€ 576.380,08	124.506	5.804
35	72 HORAS	PAUL HAGGIS	PRIS AUDIOVISUAIS	€ 571.592,35	123.797	4.838
36	GNOMEU & JULIETA	KELLY ASBURY	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	€ 716.891,50	121.310	5.962
37	CUIDADO COM O QUE DESEJAS	DAVID DOBKIN	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	€ 518.598,48	113.676	5.950
38	SEM TEMPO	ANDREW NICCOL	BIG PICTURE 2 FILMS	€ 517.532,41	111.611	5.428
39	OS AGENTES DO DESTINO	GEORGE NOLFI	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	€ 511.077,60	111.487	5.427
40	COWBOYS & ALIENS	JON FAVREAU	ZON LUSOMUNDO AUDIO.	€ 502.551,14	107.944	5.628

Este quadro é particularmente elucidativo sobre várias questões que é interessante sublinhar.

1. Entre os 40 filmes mais vistos (e mais rentáveis) em Portugal, em 2011, encontram-se 40 produções anglo-saxónicas, com alta predominância para as norte-americanas;

2. Entre esses 40 títulos, existem 9 longas-metragens de animação, 10 comédias (no mínimo), 14 filmes de acção e aventura, e 9 filmes que se podem considerar verdadeiramente de autor, todos norte-americanos (Steven Spielberg, Woody Allen, Darren Ardnofsky, J.J. Abrams, Clint Eastwood, Irmãos Coen, Terence Malick e Paul Haggis), com excepção de um inglês (Tom Hooper). Quase todos estes se podem considerar obras de autor, mas com um apelo comercial muito forte;

3. 24 filmes foram distribuídos pela Zon Lusomundo Audioviaul, 11 pela Columbia Tristar Warner, 3 pela CLMC, e 2 outros (Prisaudiovisuais e Big Pictures 2 Films);

4. Não aparece um filme europeu (fora do mercado anglófono), não aparece um filme da América Latina, de África ou da Ásia;

5. Obviamente não surge também uma única obra portuguesa.

A qualidade dos títulos acima referidos é muito diversa. Da obra-prima ao lixo há de tudo. Mas este prevalece em grande quantidade (estas são considerações pessoais, que valem o que valem), e é inegável uma conclusão: o espectador português prefere a diversão e o entretenimento, sem grande preocupação estética ou inquietação social, ideológica ou temática.

O “cinema-pipoca” impõe-se nas salas portuguesas. Devo dizer que não sou um purista anti-pipoca: há filmes que foram realizados para esse ambiente e alguns interessantes e divertidos, nada me custando a mim desfrutá-los com a aludida pipoca. Outros há, porém, que requerem silêncio e recolhimento intelectual. Haverá quanto muito meia dúzia nesta lista.

Observação final: em quadragésimo lugar encontra-se um filme que recolheu 502.551,14 euros, foi visto por 107.944 espectadores, em 5.628 sessões. Mantenham estes números como referência, quando passarem para o quadro seguinte.

CINEMA: NOS IDOS DE MARÇO

2011-12-26T01:33:00.000Z

NOS IDOS DE MARÇO

Há um aspecto curioso na crítica cinematográfica portuguesa que eu arrisco a chamar de mais “conservadora” e “direitista”, apesar de hoje em dia grande parte dela se poder integrar neste rótulo (ao contrário do que aconteceu nos tempos áureos da crítica, nos anos 50, 60 e 70, onde era maioritariamente “de esquerda” e dita “progressista”). Esse aspecto repete-se de filme para filme, quando estes tentam de alguma forma criticar, ou beliscar sequer, o sistema capitalista e as estruturas políticas norte-americanas ou de outros países de democracias ocidentais. Quando surge um filme destes, como o recente caso de “Nos Idos de Março”, a crítica mais insistente é que o título não traz nada de novo e se mostra uma repescagem do cinema “progressista” dos anos 70, de Sidney Lumet, de Martin Ritt, de Sidney Pollack ou Alan J. Pakula.

Curiosamente (e isto só é visível para quem já tenha uns anos destas lides e alguma memória, como é o meu caso), nos anos 70, não estes críticos, mas alguns outros idênticos a estes, diziam que os filmes de Sidney Lumet, de Martin Ritt, de Sidney Pollack ou Alan J. Pakula não traziam nada de novo e repescavam o cinema “progressista” dos anos 30 e 40, onde aí sim, havia John Ford, Frank Capra, William Wyller e quejandos. Ou seja, quando se problematizam questões sociais e poliíticas, o melhor é enxotar a obra e depreciá-la, sobretudo em função do passado, porque esse já parece não incomodar ninguém, encerrado em cinematecas para cinéfilos e curiosos, longe dos olhares do grande público.

Ora “Nos Idos de Março” não será uma obra-prima, mas é um grande filme. Um dos grandes filmes de 2011. George Clooney, depois do seu excelente “Good Night, and Good Luck” (2005) oferece-nos outra obra de profunda reflexão sobre o estado actual da actividade política nos EUA. Não, não é de maneira nenhuma uma “reprise” dos filmes de Sidney Lumet, de Martin Ritt, de Sidney Pollack ou Alan J. Pakula, agora empreendida por um aprendiz. É uma reflexão sobre a falta de integridade e de dignidade que campeia em todas as frentes, quer se trate de democratas ou republicanos, (quase) todos eles imbuídos de um mesmo fervor corruptor em defesas de causas que nada mais move do que o desejo de satisfazer clientelismos e interesses obscuros (ou não tanto obscuros, para quem tiver os olhos abertos).

A acção passa-se durante uma campanha eleitoral para as primárias dos democratas. Em Ohio. Claro que há filmes absolutamente irrecusáveis para comparar, a começar desde logo pela obra-prima de John Ford, “O Último Hurra” (1958), e continuando com “A Última Testemunha” (Paralax View, 1974), de Pakula, “O Candidato”, de Michael Ritchie (1972) ou “Bulworth - Candidato em Perigo” (1998), de Warren Beatty. Mas o filme de George Clooney vai noutra direcção, dispensando a acção exterior, os atentados e a violência física, para se centralizar na palavra e no silêncio, na conspiração e no segredo. Hoje as intrigas não culminam em cenas de tiros ou explosões, com a aniquilação física dos protagonistas. Entrou-se numa fase muito mais sofisticada, aproveitando os computadores e os telemóveis, as agências de “ratting” e os poderes invisíveis. Neste aspecto, relembra mais “O Mundo a Seus Pés” e a forma como se destrói um candidato na sombra dos bastidores. Mas em Orson Welles o candidato era destruído por um mau passo dado na penumbra da alcova de uma cantora de ópera sem talento. Aqui, o candidato salta a barreira de um caso amoroso mal resolvido, com aborto previsto e suicídio transformado em imprevidente acidente, e quem fica com o ónus do caso é um conselheiro, também ele não isento de culpas no cartório, pois neste caso não há anjos e demónios, apenas homens sem palavra nem dignidade.

Em “The Ides of March”, tal como em Shakespeare, o que impera é a traição: foi a 15 de Março do calendário romano que Júlio César foi apunhalado por Brutus. Traição que agora não se expressa por um apunhalamento sangrento, mas por algo mais subtil, possivelmente mais letal, e sem deixar marcas visíveis: a deslealdade, o volte face, o truque de baixa política que aniquila uma carreira. Resta saber quem é mais esperto e mais veloz no contra-ataque, quem possui as melhores armas e quem melhor as utiliza.

Em “Nos Idos de Março” há vítimas, mas estas são apenas os votantes que aclamam os seus ídolos sem se aperceberem dos seus pés de barro. Nesta campanha, como em qualquer outra rival, de democratas ou republicanos, o que vemos é ausência de valores. Ou como se diz, no final do filme, de integridade e de dignidade. Na verdade, olhando para qualquer lado para onde nos voltemos, a desilusão é mesma. Na América, na Europa, nos Árabes, unidos ou desunidos, na China ou na Coreia do Norte.

O filme tem um naipe de actores absolutamente notável, digno de um prémio de elenco global, onde sobressaem Ryan Gosling, George Clooney, Philip Seymour Hoffman, Paul Giamatti, Marisa Tomei, Jeffrey Wright, todos excelentes, e uma Evan Rachel Wood, já vista num recente Woody Allen, e que aqui explode definitivamente. Mas para lá da tão elogiada interpretação conjunta, há que sublinhar a cuidadosa realização de Clooney, segura, austera, criando um clima de intriga ciciada que marca todo o filme e lhe confere uma originalidade absoluta, no que é muito bem acompanhada pela banda sonora, a fotografia e todos os demais elementos técnicos ao serviço da narrativa. A câmara de Clooney tão depressa é intimista, num campo / contra campo serrado (as conversas admiráveis de Gosling e Rachel Wood, por exemplo), como isola uma personagem num vasto cenário (com a bandeira dos EUA por pano de fundo) ou um grupo de conspiradores num “décor” que os ultrapassa. Excelente, eficaz, e de uma completa economia de meios.

Creio que este é um dos grandes candidatos aos Oscars que se aproximam.

NOS IDOS DE MARÇO

Título original: The Ides of March

Realização: George Clooney (EUA, 2011); Argumento: George Clooney, Grant Heslov, Beau Willimon, segundo peça teatral deste último ("Farragut North"); Produção: George Clooney, Leonardo DiCaprio, Guy East, Barbara A. Hall, Grant Heslov, Jennifer Davisson Killoran, Randy Manis, Brian Oliver, Stephen Pevner, Ari Daniel Pinchot, Jonathan Rubenstein, Matthew Salloway, Nigel Sinclair, Todd Thompson, Tyler Thompson, Nina Wolarsky; Música: Alexandre Desplat; Fotografia (cor): Phedon Papamichael; Montagem: Stephen Mirrione; Casting: Ellen Chenoweth; Design de produção: Sharon Seymour; Direcção artística: Chris Cornwell; Decoração: Maggie Martin; Guarda-roupa: Louise Frogley; Maquilhagem: Kevin J Edwards, Julie Hewett; Direcção de Produção: Barbara A. Hall, Michelle Lankwarden, Michael Tinger; Assistentes de realização: Ian Calip, John R. Saunders, David J. Webb; Departamento de arte: Benjamin Dell, Jody Gaber, Justin Noble Lang, George Lee; Som: Edward Tise, Elmo Weber; Efeitos especiais: Russell Tyrrell; Efeitos visuais: Jay Shindell; Companhias de produção: Cross Creek Pictures, Exclusive Media Group, Smoke House, Crystal City Entertainment; Intérpretes: Ryan Gosling (Stephen Meyers), George Clooney (Governador Mike Morris), Philip Seymour Hoffman (Paul Zara), Paul Giamatti (Tom Duffy), Evan Rachel Wood (Molly Stearns), Marisa Tomei (Ida Horowicz), Jeffrey Wright (Senador Thompson), Max Minghella (Ben Harpen), Jennifer Ehle, Gregory Itzin, Michael Mantell, Yuriy Sardarov, Bella Ivory, Hayley Meyers, Maya Sayre, Danny Mooney, John Manfredi, Robert Mervak, Fabio Polanco, Frank Jones Jr., Peter Harpen, Rohn Thomas, David McConnell, etc. Duração: 101 minutos; Distribuição em Portugal: Zon Lusomundo Audiovisuais; Classificação etária: M/ 12 anos; Estreia em Portugal: 10 de Novembro de 2011.