CINEMA: SWEENEY TODD

"SWEENEY TODD":

CARTAZES À ALTURA DO FILME

CARNAVAIS

O Carnaval já não é o que era? Pois não!
Mas se quiserem saber como eram outrora os Carnavais
dêem um salto ao Detesto Sopa.
Só para aguçar o apetite aqui fica um exemplar
raro de um tempo que não volta mais
(ai não volta , não!, mas lá que nos divertimos, divertimo-nos!)

CINEMA: O COMBOIO DAS 3 E 10

Revisão critica do western

O Bom (que não é "bom")...

O Mau (que não é "mau")...

e o Vilão (que é gay).

O COMBOIO DAS 3 E 10

Por que será que, sempre que aparece uma nova revoada de westerns, há umas quantas almas penadas que resolvem dizer que o western está morto e enterrado, mas… este estertor, etc e tal. Nada de mais errado. O western não morre, porque o western é grande parte da história dos EUA. Pode andar uns anos adormecido, pode emigrar para outras bandas (isto é, outros géneros. O que é grande parte do cinema de ficção-cientifica do que westerns nas galácticas?). De resto, nada morre, tudo se transforma. Um dos períodos de maior criatividade no western (os anos 50 e 60) já foi visto como agonia do género. Os mitos são eternos, renovam-se, adaptam-se aos novos tempos, são olhados por prismas diferentes, mas não desaparecem.
Depois de “Jesse James”, eis “O Comboio das 3 e 10”, um clássico de Delmer Daves, rodado em 1957, segundo um conto de Elmore Leonard, adaptado por Halsted Welles. 50 anos depois, o preto e branco deu lugar a uma cor macerada e dorida, por entre duros azuis e uma vasta paleta de ocres e castanhos; a limpidez das personagens de Glenn Ford e Van Heflin dão origem a conturbadas e complexas figuras vividas por Russell Crowe (Ben Wade) e Christian Bale (Dan Evans), e até o esquivo Charlie Prince (Richard Jaeckel) da década de 50 dá origem a um assumidíssimo gay (magnificamente interpretado por Ben Foster) nesta versão de James Mangold. Aliás, western sem gay, hoje em dia não é western. Digamos que a revisão crítica do western se está a processar nesse registo, ultrapassando mais um tabu que vigorou até há pouco.
A pequena história de Elmore Leonard conta-se rapidamente e não é na intriga que vai buscar a sua principal fonte de interesse. Dan Evans (Christian Bale) perdeu uma perna na Guerra da Secessão, e instalou-se num rancho no Arizona, onde vê a sua terra cobiçada por um latifundiário interessado na especulação que o caminho-de-ferro vai trazer. Por isso faz a vida negra a Dan, que tem mulher e dois filhos e não quer fazer má figura perante eles.
Para lá da ameaça das milícias civis do vizinho que lhes incendeiam o estábulo, Dan Evans tem ainda outras preocupações (menores, diga-se de passagem!): os índios que habitam por perto e o gang de Ben Wade (Russell Crowe), um fora da lei que gosta de assaltar diligências, bancos e demais símbolos do poder económico e político. Nesse aspecto, Wade é mais do que um fora-da-lei, é um provocador nato.
Dir-se-ia, no entanto, que Dan e Ben tinham mais razões para se associarem contra inimigos comuns do que para se oporem. Ambos, aliás, percebem isso, mas o destino leva-os por outros caminhos. Divergentes. Para ganhar 200 dólares Dan resolve oferecer-se para escoltar o bandido aprisionado até ao comboio das 3 e 10 que passa pela cidade de Contention, com destino à prisão de Yuma. E tudo se define nessa espera, no dilatar de um tempo que não tem fim, ou no aproximar galopante dos minutos que antecedem o apito do comboio a anunciar a chegada.
O filme vive da tensão que se cria entre estes dois homens, estas duas personalidades nada simples de analisar. Dois excelentes actores, um bom ritmo de narrativa, algumas proezas técnicas de registo (da fotografia à banda sonora, do guarda-roupa à direcção artística), uma realização que procura estar atenta sobretudo ao essencial (e o essencial é aqui a respiração descompassada desses dois homens, o que os move, o que os separa e o que os une, a descoberta de valores lá onde se julga que nada existe, a cumplicidade que no final se estabelece entre ambos, aparentemente contra natura, mas quem sabe?) fazem de “3: 10 to Yuma” um filme extremamente interessante e uma nova boa surpresa neste início de 2008 cheio de bons filmes nas salas de cinema (correspondendo a um óptimo final de 2007, nas correspondentes salas de cinema americanas!).
Os Oscars este ano vão ser um caso sério!

O COMBOIO DAS 3 E 10
Titulo original: 3:10 to Yuma
Realização: James Mangold (EUA, 2007); Argumento: Halsted Welles, Michael Brandt, Derek Haas, segundo conto de Elmore Leonard; Música: Marco Beltrami; Fotografia (cor): Phedon Papamichael; Montagem: Michael McCusker; Casting: Lisa Beach, Sarah Katzman; Design de produção: Andrew Menzies; Direcção artística: Greg Berry; Decoração: Jay Hart; Guarda-roupa: Arianne Phillips; Maquilhagem: John Caglione Jr., Jane Galli, Kathrine Gordon, Lisa Taylor Roberts, Betty Lou Skinner, Linda Vallejo, Corey Welk; Direcção de produção: Stuart M. Besser, Aaron Downing; Assistentes de realização: Todd Amateau, Kate Marie Boyle, Maria Mantia, Nicholas Mastandrea, Trish 'The Dish' Stanard; Departamento de arte: John Coven, Mick Cummings, Roger Lundeen, Rich Romig; Som: Donald Sylvester; Efeitos especiais: Ron Bolanowski; Efeitos visuais: Mark Dornfeld, Christina Graff, Paul Graff, Robert Stromberg; Produção: Stuart M. Besser, Dixie J. Capp, Aaron Downing, Ryan Kavanaugh, Cathy Konrad, Lynwood Spinks; Companhias de produção: Relativity Media, Tree Line Films;
Intérpretes: Russell Crowe (Ben Wade), Christian Bale (Dan Evans), Logan Lerman (William Evans), Dallas Roberts (Grayson Butterfield), Ben Foster (Charlie Prince), Peter Fonda (Byron McElroy), Vinessa Shaw (Emmy Nelson), Alan Tudyk (Doc Potter), Luce Rains (Marshal Weathers), Gretchen Mol (Alice Evans), Lennie Loftin (Glen Hollander), Rio Alexander (Campos), Johnny Whitworth, Shawn Howell, Pat Ricotti, Ramon Frank, Deryle J. Lujan, James 'Scotty' Augare, Brian Duffy, Jason Rodriguez, Kevin Durand, Chris Browning, Chad Brummett, Forrest Fyre, Luke Wilson, Benjamin Petry, Arron Shiver, Sean Hennigan, Girard Swan, Christopher Berry, David Oliver, Jason Henning, Darren Gibson, Billy Lockwood, etc.
Duração: 122 minutos; Classificação etária: M/ 12 anos; Distribuição em Portugal: LNK; Locais de filmagem: Bonanza Creek Ranch - 15 Bonanza Creek Lane, Santa Fe, New Mexico, EUA.

O COMBOIO DAS 3 E 10
Titulo original: 3:10 to Yuma
Realização: Delmer Daves (EUA, 1957); Argumento: Halsted Welles, segundo conto de Elmore Leonard; Música: George Duning; Fotografia (cor): Charles Lawton Jr.; Montagem: Al Clark; Direcção artística: Frank Hotaling; Decoração: William Kiernan, Robert Priestley; Guarda-roupa: Jean Louis; Maquilhagem: Clay Campbell, Helen Hunt, Robert J. Schiffer; Assistentes de realização: Sam Nelson; Som: John P. Livadary, J.S. Westmoreland; Produção: David Heilweil; Companhias de produção: Columbia Pictures Corporation.
Intérpretes: Glenn Ford (Ben Wade), Van Heflin (Dan Evans), Felicia Farr (Emmy), Leora Dana (Mrs. Alice Evans), Henry Jones (Alex Potter), Richard Jaeckel (Charlie Prince), Robert Emhardt (Mr. Butterfield), Sheridan Comerate (Bob Moons), George Mitchell, Robert Ellenstein, Ford Rainey, Dorothy Adams, Danny Borzage, John L. Cason, Woody Chambliss, Barry Curtis, Richard Devon, William Dyer Jr., Frank Hagney, Bill Hale, Jerry Hartleben, Joe Haworth, Robert 'Buzz' Henry, Tex Holden, Fred Marlow, Tony Mayo, Erwin Neal, Jerry Oddo, William Rhinehart, Boyd Stockman, Guy Teague, Guy Wilkerson, etc.
Duração: 92 minutos; Classificação etária: M/ 12 anos; Distribuição em Portugal: ; Locais de filmagem: Amerind Foundation, Texas Canyon, Arizona, EUA; Data de estreia: 7 de Augusto de 1957 (EUA);

SERVIÇO NACIONAL DE SAÚDE

Ricardo Araujo Pereira ao seu melhor.

Consegue ser quase tão "real" como uma conversa gravada

por um canal de TV de um telefonema do SNS,

no Portugal profundo. Veja o original.

Este não é para rir.

DIA 30: VAVADIANDO COM IRENE PIMENTEL

Para ler melhor, basta clicar na imagem.

Irene Flunser Pimentel tem 57 anos, licenciou-se em História pela Faculdade de Letras da Universidade Clássica de Lisboa, em 1984. Concluiu o mestrado em História Contemporânea (variante Século XX) pela Faculdade de Ciências Sociais e Humanas da Universidade Nova de Lisboa, com a tese Contributos para a História das Mulheres no Estado Novo. É investigadora na Faculdade de Ciências Sociais e Humanas da Universidade Nova de Lisboa. Foi-lhe atribuido, em 2007, o Prémio Pessoa. De acordo com o comunicado do júri, ela é "uma das figuras mais notáveis da actual historiografia portuguesa". Com recentes trabalhos publicados em 2007 sobre a história da PIDE, a Mocidade Portuguesa Feminina, os judeus em Portugal e a história das organizações femininas do Estado Novo, Irene Pimentel estuda "temas difíceis e polémicos".Os seus livros, afirma o júri, "nunca negam adesão à causa das liberdades e dos direitos humanos, num esforço de rigor intelectual e objectividade académica".

CINEMA: EXPIAÇÃO

EXPIAÇÃO

Muitas qualidades reunidas numa mesma obra fazem um grande filme? Nem sempre. Mas devo confessar também, e desde já, que gostei bastante de “Expiação” (Atonement), não tanto, porém, para o classificar como obra-prima, e para me derreter em elogios (derreto-me com a Keira e com a Vanessa, por motivos diversos, mas ambos igualmente justificados).
Depois de ter realizado, há dois anos atrás, um meritório “Orgulho e Preconceito”, segundo Jane Austen, Joe Wright regressa a um tema semelhante, por igual via, uma adaptação literária de um romance de envergadura. Agora em vez de Jane Austen, Ian McEwan, outro inglês que curiosamente abre esta sua obra com uma citação de Austen. Coerência, portanto, num autor.
Note-se: “autor”, não duvido. Há preocupações constantes que tendem à obsessão de fantasmas privados – mansões antigas exalando felicidade que encerram nos seus sótãos preconceitos, personagens leves como a aragem que as percorre que se precipitam em vendavais de paixões que as conduzem à tragédia; segredos que se expiam e atormentam vidas com memórias dolorosas, mulheres delicadas que sofrem perante a discreta ferocidade de uma sociedade que o homem controla e domina, do alto da sua superioridade senhorial e machista… Depois há uma equipa que funciona coesa (actores e técnicos que passam de filme para filme). Temos portanto o produto típico de um autor absorvido pela fina análise de figuras e situações emblemáticas de uma sociedade circunspectamente conservadora, que irradia uma falsa imagem de harmonia e felicidade, quando no seu seio germina uma violência tensa e um dormente cansaço, o que provoca o plausível aborrecimento dos gémeos que fogem da pasmaceira, o que leva Briony Tallis (Saoirse Ronan), uma miúda de treze anos, a “inventar” peças de teatro que tenta encenar para agitar o marasmo, o que conduz à perversão do que se vê e à invenção de situações “explosivas”, o que precipita esperados acontecimentos dramáticos que depois se calam para não ofuscarem a rigidez moral do ambiente. Com uma única excepção: o filho do empregado da casa, que se prepara para estudar medicina, protegido pelos patrões, mas que apesar de tudo nunca inspira a confiança suficiente para não ser logo acusado e mandado para a prisão na primeira crise que atravessa ocasionalmente.

Briony Tallis, de imaginação florescente, vê através de uma janela da mansão, a irmã mais velha, Cecília (Keira Knightley), despir-se e mergulhar nas águas de um lago, perante o olhar obviamente aturdido e fascinado de Robbie Turner (James McAvoy), que mais tarde não resiste e lhe envia uma carta, interceptada por Briony, onde lhe confessa o seu amor (e mais do que isso o prazer que sente a beijar algumas zonas proibidas da bela inglesa, tudo isto numa linguagem que não fica a dever nada ao vernáculo do célebre amante de Lady Charteley). Acontece que a miúda Briony vive ela também apaixonada pelo garboso futuro médico, que um dia a salva de morrer afogada, e não aceita muito bem esta aproximação, tanto mais que no mesmo dia descobre o casal na biblioteca, bem encaixados em prateleiras de escura e antiga madeira, não propriamente escolhendo o livro para ler ao serão. Quando surge a ocasião para a vingança, não perdoa e acusa Robbie de uma violação que presencia de raspão, mas cuja certeza afiança.
Veja-se como Ian McEwan inicia a sua obra com a descrição da escrita da peça por Briony: “A peça - para a qual Briony tinha desenhado os cartazes, os programas e os bilhetes, construído a bilheteira com um biombo voltado de lado e debruado uma caixa com papel crepe vermelho para recolher donativos - tinha sido escrita por ela num assomo de criatividade que tinha durado dois dias e que a levara a perder um pequeno-almoço e um almoço. Depois de concluídos todos os preparativos, já não tinha mais nada a fazer a não ser rever o manuscrito e esperar pela chegada dos primos que vinham do norte. Só teriam tempo para um dia de ensaios antes de o irmão chegar. A peça, com passagens sinistras e outras desesperadamente tristes, era uma história de amor, cuja mensagem, transmitida num prólogo em verso, era a de que o amor que não estivesse assente numa base de bom-senso estaria condenado. A paixão louca da heroína, Arabella, por um maléfico conde estrangeiro é punida pelo infortúnio de ela contrair cólera durante uma ida impetuosa até uma vila à beira-mar com o namorado. Abandonada por ele, e por quase toda a gente, presa à cama numas águas-furtadas, descobre em si própria um inesperado sentido de humor. A sorte dá-lhe uma segunda oportunidade, sob a forma de um médico pobre que, na verdade, é um príncipe disfarçado que escolheu trabalhar no seio dos mais necessitados. Arabella é curada por ele e, desta vez, faz uma escolha sensata, sendo recompensada pela reconciliação com a família e pelo casamento com o príncipe-médico “num dia de Primavera com muito sol e algum vento” (1).

Mais adiante: “ Ela era uma daquelas crianças possuídas pelo desejo de ter um mundo exemplar. Enquanto o quarto da sua irmã mais velha era um antro de livros espalhados, roupas em desalinho, cinzeiros cheios, com a cama por fazer, o de Briony era um santuário do demónio do controlo: na quinta de brincar montada num parapeito fundo havia os animais do costume, mas estavam todos voltados para o mesmo lado — para o seu dono — como se estivessem prestes a entoar uma canção. Até as galinhas estavam impecavelmente colocadas dentro da cerca. Aliás, o quarto de Briony era o único do andar de cima que estava arrumado. As bonecas, de costas muito direitas, nas múltiplas divisões da sua casinha de brincar, pareciam ter recebido ordens estritas de não tocarem nas paredes; as muitas figuras minúsculas de cowboys, mergulhadores, ratos humanóides, dispostas sobre o seu toucador, faziam lembrar, pela forma como estavam alinhadas e pela distância que as separava, um exército de cidadãos à espera de ordens.
O gosto pelas miniaturas era um dos aspectos de um espírito em ordem; um outro era a paixão pelos segredos: num armário envernizado, que muito estimava, havia uma gaveta secreta que se abria carregando no veio de um entalhe inteligentemente torneado. Era aí que guardava um diário fechado com uma mola e um caderno escrito num código que ela inventara.” (1).
Coisa de miúdos, é certo, mas de miúdos frustrados por educações penosas, mentes retorcidas desde criança. Diga-se que a educação terá particular relevância na definição destes caracteres, mas há predisposição nata para assim se percorrer os corredores da casa, em passo estugado, decidido, curvando nos cantos a noventa graus, progredindo em linha recta até ao objectivo final. Quem assim anda, não pode sofrer desvios ditados pelo destino ou o acaso, sabe o que quer e não gosta de ser contrariado. Quando o é, alguém sofre as consequências. Robbie passa rapidamente de objecto de desejo a desejo de vingança. Lola Quincey (Juno Temple) é surpreendida a ser violada por um vulto, na noite da busca dos gémeos Pierrot (Felix von Simson) e Jackson (Charlie von Simson), e a casta e puritana Briony não duvida um segundo de quem é o violador de que apenas descortinou a silhueta. E impunemente atira para o opróbrio e o calabouço aquele que anteriormente era o encanto dos seus pensamentos. Quando há que encontrar um “culpado” ele terá de ser de outra classe social, tanto mais que o afastamento de Robbie afasta igualmente uma ligação inter-classicista de todo em todo indesejável.

A história começa em 1935, passam-se anos e vem a II Guerra Mundial, a câmara de filmar troca a frívola graciosidade da paisagem da província inglesa pela dantesca visão das praias de Dunquerque, mesmo as belas irmãs enterram as mãos no sangue macerado dos combatentes feridos ou agonizantes que lhes chegam às camas dos hospitais onde são enfermeiras. Quem parte para a frente da batalha não é o proprietário da fábrica de chocolates que prospera com a guerra e por isso é honrado, mas os filhos bastardos da nação. Alguns não voltam, e na Londres de fim de mundo, com os túneis dos metros bombardeados pelos nazis e os ali refugiados a morrer às centenas, afogados nas águas que irrompem em sobressalto, à matéria suficiente para no futuro escritores inspirados inventarem histórias onde a procura da verdade nem sempre coincide com a verdade que se procura. Quando Briony, em 1994, convictamente arrependida do mal que causou e depois de longos anos de expiação, dá uma entrevista à TV (o entrevistador é Anthony Minghella, realizador inglês, amigo de Joe Wright, autor de “Cold Mountain”, que mantém com “Expiação” curiosas afinidades), por altura do lançamento do seu novo romance, inteiramente autobiográfico, onde ela resolve não abdicar sequer de utilizar os nomes próprios e as situações reais, acaba, todavia, por resvalar para a sua proverbial fantasia, que aqui não se revela para não retirar suspense ao que então se divulga. Mas não abdica de impor uma realidade literária, sua, recriada, perante a crueza da realidade real.
“Ao longo destes cinquenta e nove anos (o tempo que medeia entre 1935 e 1994), o problema tem sido este: como é que uma escritora pode fazer a sua expiação se, com o poder absoluto de decidir o final, ela é em certa medida Deus? Não há ninguém, nenhuma entidade, nenhum ser superior a quem ela possa apelar, com quem possa reconciliar-se ou que possa perdoá-la. Não há nada para além dela. Foi ela que marcou os limites e os termos, com a sua imaginação. Não há expiação para Deus, nem para os escritores, mesmo que sejam ateus. É uma tarefa impossível, e a questão é precisamente essa. O que conta é a tentativa.” (1)
Como se vê, “Expiação” é realmente um filme muito interessante, muito curioso ainda ao nível da narrativa (boa e eficaz a adaptação do dramaturgo Christopher Hampton (português, nascido nos Açores, descobri agora), que parte do belíssimo romance de Ian McEwan, e o transfere sem alterar o espírito para o cinema. Consegue proezas dignas de registo, como, logo de início, a forma como nos dá duas versões de um mesmo acontecimento, quando visto, ao longe, através do vidro de uma janela, e quando presenciado e vivido por um dos protagonistas da cena. O processo repete-se com avanços e retrocessos na narrativa, mas talvez já sem a mesma justificação interior, ainda que com resultados interessantes. Reflexão pois sobre a criação artística (ou literária), sobre a procura da verdade, sobre a imposição ou não dessa verdade como prisma de criação.
Falemos ainda do excepcional desta obra: a partitura musical, da responsabilidade do italiano Dario Marianelli, e que mistura, ao longo de quase todo o filme, o matraquear da máquina de escrever com as notas musicais e outros ruídos, para criar um clima absolutamente absorvente e inquietante. Irreal. Boa a fotografia do irlandês Seamus McGarvey que mistura tons quentes e frios, e os altera a seu belo prazer. Veja-se como o verde pode ser, em cenas sucessivas, abrasador como o vermelho mais intenso (o assombroso vestido de Keira Knightley) ou frio e dolorosamente macerado (plano de Briony, aos treze anos a deitar-se num quarto forrado a verde). A realização é sensível, sensual e sumptuosa por vezes, mas deixa uma sensação de “um pouco mais de sol, e seria brasa.” Será que chega para atingir o Óscar de melhor filme do ano? Curioso não estar nomeado para o de melhor realização.

EXPIAÇÃO
Título original: Atonement
Realização: Joe Wright (Inglaterra, França, 2007); Argumento: Christopher Hampton, segundo romance de Ian McEwan; Música: Dario Marianelli; Fotografia (cor): Seamus McGarvey; Montagem: Paul Tothill; Casting: Jina Jay; Design de produção: Sarah Greenwood; Direcção artística: Ian Bailie, Nick Gottschalk, Niall Moroney; Decoração: Katie Spencer; Guarda-roupa: Jacqueline Durran; Maquilhagem: Sarah Jane Cosgrove, Ivana Primorac, Andy Seston, Matthew Smith, Elizabeth Yianni-Georgiou; Direcção de produção: Erica Bensly, Simon Fraser, Deborah Harding; Assistentes de realização: Tom Brewster, David Daniels, William Dodds, Stewart Hamilton, Candy Marlowe, Thomas Q. Napper, Josh Robertson, Michael Stevenson; Departamento de arte: Tim Browning, Laurent Ferrie, Oliver Goodier, Sarah Miller, Adrian Platt, Sarah Stuart, Tom Whitehead, Tracey Wilson; Som: Catherine Hodgson, Becki Ponting, Chris Sturmer; Efeitos especiais: Mark Holt; Efeitos visuais: John Moffatt; Produção: Tim Bevan, Liza Chasin, Richard Eyre, Eric Fellner, Robert Fox, Jane Frazer, Debra Hayward, Ian McEwan, Paul Webster; Companhias de produção: Working Title Films, Relativity Media, Studio Canal.
Intérpretes: Saoirse Ronan (Briony Tallis, 13 anos), Ailidh Mackay, Brenda Blethyn (Grace Turner), Julia West (Betty), James McAvoy (Robbie Turner), Harriet Walter (Emily Tallis), Keira Knightley (Cecilia Tallis), Juno Temple (Lola Quincey), Felix von Simson (Pierrot Quincey), Charlie von Simson (Jackson Quincey), Alfie Allen (Danny Hardman), Patrick Kennedy (Leon Tallis), Benedict Cumberbatch (Paul Marshall), Peter Wight, Leander Deeny, Peter O'Connor, Daniel Mays, Nonso Anozie, Michel Vuillermoz, Nick Bagnall, Charlie Banks, Jamie Beamish, Madeline Crowe, Scarlett Dalton, Michelle Duncan, Matthew Forest, Romola Garai (Briony, 18 anos), Vivienne Gibbs, Olivia Grant, Ben Harcourt, Jack Harcourt, Paul Harper, Mark Holgate, Ryan Kiggell, Katy Lawrence, Neil Maskell, Gina McKee, Anthony Minghella (entrevistador), Jade Moulla, John Normington, Georgia Oakley, Alice Orr-Ewing, Catherine Philps, Jay Quinn, Vanessa Redgrave (Briony Tallis, velha), Bryony Reiss, Jérémie Renier, Kelly Scott, Billy Seymour, Sarah Shaul, Anna Singleton, Richard Stacey, Emily Thomson, Tilly Vosburgh, Ben Webb, etc.
Duração: 130 minutos; Distribuição em Portugal: Lusomundo; Classificação etária: M/12 anos; Locais de Filmagem: Aldwych Underground Station, Aldwych, Holborn, Londres, Inglaterra, Data de estreia: 17 de Janeiro de 2008 (Portugal);

Nomeações para “Expiação” (7): Filme; Actriz Secundária (Saoirse Ronan); Argumento adaptado (Christopher Hampton); Direcção Artística (Ian Bailie); Fotografia (Seamus McGarvey); Guarda-Roupa (Jacqueline Durran); Música (Dario Marianelli).
Muitas hipóteses em música, fotografia e argumento adaptado.

(1) “Expiação”, de Ian McEwan, tradução de Maria do Carmo Figueira, Gradiva, 2002

CINE ECO: EXTENSÂO NOS AÇORES COMEÇA HOJE

CERCA DE 20 FILMES

A EXIBIR EM ANGRA E PRAIA

Arranca hoje em Angra do Heroísmo e Praia da Vitória a primeira extensão do Cine Eco 2007 – Festival de Cinema e Vídeo de Ambiente, que teve a sua décima terceira edição em Seia, na Serra da Estrela. Trata-se da primeira extensão deste Festival a visitar os Açores, num conjunto de filmes e documentários, sendo que na Terceira serão cerca de 20 filmes exibidos até ao próximo dia 27 de Janeiro.As sessões que vão decorrer simultaneamente no Centro Cultural de Angra e no Auditório do Ramo Grande, durante a tarde e a noite, terão apresentações gratuitas, e pretendem relacionar a cultura cinematográfica com a sensibilização ambiental. É de salientar que as sessões da tarde têm como público-alvo os alunos das escolas secundárias e universidade. Esta iniciativa resulta de uma parceria conjunta da Secretaria Regional do Ambiente e do Mar com as duas autarquias da Terceira.
Dos cerca de 20 filmes em exibição, portugueses e estrangeiros, destacam-se o projecto vencedor do Grande Prémio do Ambiente no Cine Eco 2006, “Ainda há Pastores”, de Jorge Pelicano. Trata-se de uma história que aborda um lugar chamado Casais de Folgosinho, situado num vale entre as montanhas da Serra da Estrela, onde não há luz eléctrica, não corre água canalizada, muito menos estradas. Em tempos aquele local foi um autêntico santuário de pastores, hoje, os mais velhos vão morrendo e os novos fogem da dura sina de ser pastor. Quanto ao filme vencedor do mesmo galardão em 2007, “Encontro com Milton Santos”, do realizador brasileiro Sílvio Tendler, refere-se a uma história com base numa entrevista com o geógrafo Milton Santos. O documentário, que conta com a interpretação de Beth Goulart e Fernanda Montenegro, expõe um pensamento sobre a globalização, necessária e desejada, bem como discute as distorções impostas aos países pobres que pagam injustamente pelo crescimento da economia dos países ricos e as consequências provenientes dessa lógica do capital, que amplia as diferenças ao invés de redistribuir as riquezas.

LIVROS: SÁNDOR MÁRAI, V

AINDA SOBRE SÁNDOR MÁRAI,
“A MULHER CERTA”,
AS DUAS ALEXANDRAS
E O “PÚBLICO”

Já por duas vezes aqui escrevi sobre “A Mulher Certa”, e por quatro sobre Sándor Márai. Serve a presente quinta vez para referir uma excelente aproximação da obra de Márai, aparecida no último “Ípsilon”, suplemento semanal (sai à sexta feira), do jornal “Público”, onde Alexandra Lucas Coelho fala de Sándor Márai e do seu “Inventário de um Mundo”, três páginas que recolhem muita informação sobre o autor húngaro e muitos testemunhos de tradutores da obra deste escritor que “foi famoso, foi esquecido e voltou a ser famoso.” Texto bom de ler, é verdade. Mas, faltava qualquer coisa. Fui descobri-la meia dúzia de páginas à frente, no mesmo suplemento, numa “Viagem de Bolso”, da mesma Alexandra, intitulada “San Diego, 21 de Fevereiro de 1989”. Este sim, um texto assumidamente pessoal, apaixonado e apaixonante, digno do melhor desta Alexandra que conheço desde adolescente, e que sempre me seduziu pela sua inteligência e sensibilidade. Ambas visíveis nesta coluna confessional, onde a jornalista deixa entrever a admiração pelo escritor, pelo seu exílio na América, pelo desgosto profundo (causado pela perca de L., que poderá ter sido a “sua mulher certa”, e do filho adoptivo de ambos, mortos quase em simultâneo), e, finalmente, pelo programado suicídio do escritor que compra uma arma e aprende tiro num treino policial, antes de desferir um golpe certeiro na cabeça. Texto esplêndido, sobre um livro magnífico e um escritor que merece rara estima. Vale a pena ler. (dia 18 de Janeiro de 2007, data do jornal).
Curiosamente, esta Alexandra é amiga, foi colega de estudos, é camarada de profissão e de jornal de uma outra Alexandra (esta Prado Coelho), a quem ofereci no Natal um dos seis exemplares de “A Mulher Certa” que comprei pretendendo difundir o mesmo prazer que eu sentira ao lê-lo, agora estendendo-o a familiares e amigas nessa quadra. O Natal é isto.
Estas Alexandras nunca me enganaram. O “Público” tem coisas de que gosto menos, é certo, mas muitas de que gosto muito. As Alexandras estão neste último caso. Ambas com Márai nos olhos.

CINEMA: CRISTOVÃO COLOMBO- O ENIGMA

CRISTÓVÃO COLOMBO

- O ENIGMA

Quem vê com alguma abertura de olhar um filme como “Cristóvão Colombo – O Enigma” não pode deixar de ficar perplexo. Normalmente quando se olha ou ouve uma obra de arte a tendência é valorizá-la colocando-a em comparação com outras, idênticas. Eu julgo nunca ter visto um filme como este. É película e 24 imagens por segundo. Ok. Aí é igual a todo o filme que se projecta numa sala de cinema. Mas o paralelismo fica-se por ai. Se o colocarmos ao lado de uma obra de Hollywood, merece bola preta pela certa. Se o cotejarmos com as vanguardas mais actuais, nada a ver. Apetecer dizer uma enormidade: parece um filme de amador (“home vídeo”, dir-se-ia hoje), realizado por um autor genial, na época do mudo, mas com som. Só paradoxos inconciliáveis. É verdade. No espaço de minutos, oscilamos entre uma interpretação que, pelos modelos actuais, é catastrófica, e um plano cuja composição e respiração tem de ser de inspiração divina, seja o que for a divindade. Tudo isto feito por um homem com 98 anos (sim, a idade tem importância, não há nenhuma dúvida de que a idade tem a sua importância na devida apreciação e usufruto pessoal do espectador desta obra).
Este não é um filme realista, é um dos filmes mais evanescentes que já vi. É um filme de fantasmas. Fantasmas que perseguem fantasmas, e falamos aqui de fantasmas enquanto almas, espíritos, corpos que interiorizam e guardam forças estranhas, ânimos e indizíveis energias. Fala-se muito de uma segunda infância quando se ultrapassa a maturidade e se entra numa outra dimensão que é a velhice ou a sabedoria. “Cristóvão Colombo – o Enigma” tem a alegria e a inconsciência de uma criança que brinca enquanto aprende alguma coisa sobre um tal Cristóvão Colombo que uns quantos dizem ser genovês e alguns afirmam português, nascido em Cuba, Alentejo, e ter dai partido para o mundo e para a descoberta da América. Numa altura em que Portugal e a Espanha dividiam o mundo entre si: uma parte para mim, outra para ti, coisa de crianças também.
Não, não se pode gostar ou não gostar deste filme com base no argumento, nos diálogos, na interpretação, até (por vezes) na iluminação ou naqueles artifícios de narração a que estamos habituados. Este filme participa de um outro registo. Não se gosta ou não. Ama-se ou não se ama. Eu amei. Há muito que não me enternecia tanto vendo um filme. Já vi majestosas obras-primas e chorei de prazer. Não é raro chorar de tanta beleza à nossa frente. No caso do filme de Oliveira, a lágrima desponta por outras razões. Ou sem-razões, sei lá. É lindo (não outra palavra: é lindo) ver Oliveira e a mulher passear por Nova Iorque em busca de Colom, desbobinando diálogos de manual de História, mas com um olhar de princípio do mundo que desarma a alma mais empedernida. “Oh Manuel (ou será: Manoel?), tu gostas mesmo de mim, tu amas-me?”, pergunta a mulher ao marido num barco com a estátua da Liberdade ao fundo (depois de nos terem dado um dos mais gloriosos planos da América que vi em cinema: a estátua ao fundo e, um primeiro plano, a bandeira a dardejar ao vento – os americanos deviam imprimir aos milhares e distribuir pelo mundo!). Trata-se de um casal que já ultrapassou todas as idades, que tem os anos marcados no rosto, a pele curtida pelas intempéries da vida, mas que conserva uma vivacidade no olhar e um sorriso malandro em cada palavra que diz. E o Manoel abraça-a e o mundo tem uma razão de ser e tudo parece estar certo e o Colom ser português de Cuba.
Numa situação destas, não há crítica que resista, o Oliveira já passou para o outro lado de tudo o que se conhece, resta-nos olhar incrédulos para o milagre, abrir a boca de espanto, sorrir aparvalhados para a beleza do mar e do céu, ficar extasiado perante um plano em casa de Colom no Porto Santo, ouvir a voz de Luís Miguel Cintra, e entrar no Paraíso.
Se Deus existe, inspirou Manoel de Oliveira. Esta serenidade de olhar, esta doce e divertida forma de olhar o mundo, é o Além. Todo o enigma está aí. Cristóvão Colombo foi apenas o pretexto para o cineasta nos levar consigo a descobrir o inexpugnável. O indecifrável, o indescritível. Não sei se é cinema ou teatro, mau ou bom, nem me interessa. Entra-se na sala, sentamo-nos, começamos por ver aquelas coisas da publicidade e dos anúncios aos filmes futuros, e sim, está bem, alguns devem ser muito bons. Depois aparece a assinatura de Colom no ecrã e entra-se numa outra dimensão. Se ao fim de quinze minutos entrou nessa dimensão, é a viagem pelo maravilhoso. Se não entrou, o melhor é sair. Não tem nada a fazer lá dentro. Este filme não é para si. Mas repare: não digo que esteja errado. É outra “coisa apenas”.
Já agora: o filme tem uma história. Parte de uma obra escrita pelo médico e investigador histórico luso-americano Manuel Luciano da Silva e sua mulher, Sílvia Jorge de Silva, "Cristóvão Colon (Colombo) era Português", que defende a tese da origem portuguesa do descobridor da América. A vida do médico e a sua paixão pelos Descobrimentos são temas centrais do filme, em que, inicialmente, Ricardo Trepa interpreta o papel do jovem Luciano da Silva e Leonor Baldaque o de Sílvia Jorge da Silva. Posteriormente, em idade mais avançada, serão o próprio Manoel de Oliveira e sua mulher Maria Isabel de Oliveira, que se ocupam das mesmas personagens. "Não se trata nem de um filme científico ou histórico, nem de carácter propriamente biográfico, mas sim de uma ficção de teor romanesco, evocativa da grandiosa gesta dos Descobrimentos Marítimos", explicou Manoel de Oliveira num comunicado distribuído sobre a obra, onde acrescentou: “Irá apresentar, contudo, a novidade de que Cristóvão Colon era, afinal, de origem portuguesa, nascido na vila alentejana de Cuba, e ter por isso dado à maior ilha por ele descoberta no mar das Antilhas, o nome da sua terra natal, Cuba". Nos Estados Unidos, Manoel de Oliveira filmou no parque da Estátua da Liberdade, na praça nova-iorquina onde se ergue a estátua de Cristóvão Colombo, junto ao Central Park, no Dighton Rock Museum, na Vila de Berkeley, em Massachussetts, e na cidade de Newport, em Rhode Island. O filme encerra na ilha de Porto Santo, onde Manuel Luciano identifica as suas últimas conclusões no lugar onde, na realidade, Colombo viveu com sua mulher, D. Filipa de Perestrelo.
Mas antes, Oliveira traça o percurso de Manuel Luciano da Silva que, em 1946, parte para a América com seu irmão Hermínio (Ricardo e Jorge Trepa, netos de Oliveira). Nos EUA forma-se em medicina, e regressa a Portugal para casar com Sílvia (Leonor Baldaque, neta de Agustina Bessa Luís), e prosseguir pesquisas de forma a demonstrar que Cristóvão Colombo era português. Neste filme familiar, aparecem ainda Lourença Baldaque (que interpreta uma figura de anjo, trajando as cores nacionais), Luís Miguel Cintra e Leonor Silveira, estes dois últimos que, não sendo familiares directos, o serão mais que muitos outros, dadas as afinidades adquiridas ao longo de décadas de trabalho conjunto.
CRISTÓVÃO COLOMBO - O ENIGMA
Titulo original: Cristóvão Colombo - O Enigma ou Christopher Columbus, The Enigma
Realização: Manoel de Oliveira (Portugal, França, 2007); Argumento: Manoel de Oliveira, segundo obra de Manuel Luciano da Silva e Sílvia da Silva; Música, José Luís Borges Coelho; Fotografia (cor): Sabine Lancelin; Montagem: Valérie Loiseleux; Design de produção : Christian Marti; Guarda-roupa: Adelaide Trepa; Direcção de produção: Dorin Razam-Grunfeld, Michael Sledd; Assistente de realização: Olivier Bouffard, Patrick Huber, Greg Staley; Departamento de arte: Stephane Alberto, Gregory Kenney; Som: Jean-Pierre Laforce, Henri Maïkoff; Produção: Jacques Arhex, François d'Artemare; Companhias de produção: Filmes do Tejo, Fundação Calouste Gulbenkian, Fundação Luso-Americana, Les Filmes d'Après-midi, Manoel de Oliveira Filmes.
Intérpretes: Ricardo Trêpa (Manuel Luciano da Silva, jovem), Manoel de Oliveira (Manuel Luciano da Silva), Leonor Baldaque (Sílvia Jorge da Silva, jovem), Maria Isabel de Oliveira (Sílvia Jorge da Silva), Luís Miguel Cintra (Narrador, Director da casa dee Colombo, Porto santo), Lourença Baldaque (Anjo), Norberto Barroca (velho), Sam Masotto (emigrante), Leonor Silveira (mãe), Robert Gordon Spencer (emigrante), Adelaide Teixeira, Jorge Trêpa (Hermínio da Silva), etc.
Duração: 75 minutos; Distribuição em Portugal: Lusomundo; Classificação etária: M7 12 anos; Locais de Filmagem: Alentejo, Cuba, Évora, Castro Marim, Castelo, Alfeite, Almada, Algarve, Lisboa, Rua Augusta, Baixa, Porto Santo, Madeira, Porto, Sé, Vila Franca de Xira, Portugal, Berkeley, California, Massachusetts, New York, Newport, Rhode Island, EUA; Estreia em Portugal: 13 de Dezembro de 2007.

LIVROS: A MULHER CERTA

A MULHER CERTA

Há dias disse-vos aqui que andava a ler “A Mulher Certa”, de Sándor Márai Depois de ter lido de Márai “As Velas Ardem até ao fim” (excelente) e “A Herança de Eszter” (bastante bom), “A Mulher Certa” impõe-o como um dos grandes escritores do século passado. Um crime, o silêncio a que foi votado durante todos estes anos.
Quem foi Sándor Márai? Nasceu em 1900, em Kassa, uma pequena cidade húngara que hoje pertence à Eslováquia. Passou um período de exílio voluntário na Alemanha e na França durante o regime de Horthy nos anos 20, até que abandonou definitivamente o seu país em 1948 com a chegada do regime comunista, tendo emigrado para os Estados Unidos. A subsequente proibição da sua obra na Hungria fez cair no esquecimento quem nesse momento era considerado um dos escritores mais importantes da literatura centro-europeia. Foi preciso esperar várias décadas, até à queda do regime comunista, para que este extraordinário escritor fosse redescoberto no seu país e no mundo inteiro. Sándor Márai suicidou-se em 1989, em San Diego, na Califórnia, EUA.
Em 1941, Márai publicou “Az Igazi” (A Mulher Certa), um romance composto por dois longos monólogos. Para a edição alemã de 1949 (“Wandlungen der Ehe”), o autor adicionou uma terceira parte, escrita durante o seu exílio em Itália. Em 1980 rescreveu esta terceira parte, à qual adicionou um epílogo, dando-a à estampa com o título “Judit... és az utóhang” (Judit... e um epílogo). A presente edição lançada em Portugal reúne as quatro partes que constituem este “work in progress”.
Este é um daqueles romances que se lê de um fôlego e se vai deixando de lado para durar. Percebem? Queremos ler rapidamente até ao fim, mas não queremos que acabe. Queremos estar envoltos naquelas palavras, dialogar co aquelas personagens, conhecer a cidade, os locais, mas não queremos que tal acabe já. Quanto mais lemos, mais lamentamos as poucas páginas que faltam. São raros livros assim.
Sandor Marai é escritor elegante de palavra, subtil na anotação, lança-se na psicologia das personagens com agilidade e sabedoria, cruza o romance histórico e a meditação filosófica, oferece-nos uma Budapeste que se entranha, fala-nos da guerra e da política, do horror e do amor, e, no final, suicida-se no exílio. Não há salvação? Será mesmo este um pessimista desesperado? Pelas páginas de “A Mulher Certa” perpassa um pouco (ou muito) da condição humana, mas a forma como Sandor Marai escreve, por si só, é motivo suficiente para acreditar. Se não for em nada mais, na arte da utilização da palavra.
Numa cafetaria de Budapeste, uma mulher, nova, bonita, desejável, relata a uma amiga como descobriu que o marido a traía com a recordação de alguém que ficara para trás na sua vida. Conta como o tentou reconquistar em vão e como tudo se precipitou para o divórcio. Na mesma cidade, o marido dialoga, mais tarde, com um amigo, e explica como o seu casamento, que tinha tudo para ser feliz, ruiu e ele se deixou levar por uma paixão antiga. Funesta. No terceiro monólogo, numa pequena pensão romana, entra a segunda mulher desse homem a confessar a um amante como foi a sua vida com o marido. Desde ressentimento e vingança, passando por uma luta de classes que se insinua nas relações amorosas, até chegar à história íntima de Budapeste esventrada por várias guerras, há de tudo, com ferocidade e raiva. Finalmente, anos depois, num bar de uma cidade americana, fala-se de jazz e de um exilado húngaro. Marika, Péter e Judit descrevem com realismo e uma desencantada tristeza a falência das suas relações. Não há mulher certa, como não há amor que resista, como não há felicidade possível. Uma obra de uma terrível solidão, de total desencontro com a vida, mas onde, apesar de tudo, se respira.
No Natal, ofereci este livro, que foi dos que mais me tocou nos últimos tempos, a várias familiares e amigas (calhou serem só mulheres, é certo!). Veremos a reacção das que leram.

APRESENTAÇÃO DE LIVRO EM BRAGA

O Instituto Confúcio da Universidade do Minho
Apresenta o livro (e ciclo)
ZHANG YIMOU
de Lauro António

5 dias, 5 filmes - ciclo de cinema de Zhang Yi MouCPII - U.Minho - Braga,entre segunda-feira, 21-01-2008 e sexta-feira, 25-01-20085 dias, 5 filmes - ciclo de cinema de Zhang Yi Mou 21 a 25 de Janeiro 2008, 18h00, Anfiteatro B1, Complexo Pedagógico II, Campus de Gualtar
Decorre no próximo dia 21 de Janeiro, pelas 17h30, no Anfiteatro B1 do Campus de Gualtar, em Braga, o lançamento de uma monografia sobre o cineasta chinês Zhang Yimou, da autoria do cineasta português Lauro António. O lançamento desta obra conta com o apoio do Instituto Confúcio da Universidade do Minho e marca o início de um ciclo de cinema do mesmo cineasta chinês, com uma apresentação sobre a obra lançada, a obra de Zhang Yimou e as películas a apresentar durante o referido ciclo.
Durante a sessão será serviço chá chinês ''O Segredo da Flor''.

Nascido em Xi?an, China, em 1951, Zhang Yimou é um dos melhores realizadores chineses da 5ª Geração, respeitado e reconhecido um pouco por todo o mundo.
Tendo alcançado o sucesso da crítica cinematográfica e comercial muito cedo, Zhang Yimou é hoje em dia um dos realizadores mais influentes no mundo do cinema, contando já com inúmeras nomeações e prémios para filmes como ''Ju Dou'', ''Esposas e Concubinas'', ''Herói'', ''Nem um menos'', ''Casa dos Punhais Voadores'', entre outros.
Um dos fins estatutários do Instituto Confúcio da Universidade do Minho é a promoção de actividades culturais relacionadas com a China que elevem o interesse público pela sua história e cultura, designadamente ao nível da literatura, história, arte, filosofia, sociedade e economia, e ciência e tecnologia, através de actividades que podem incluir cursos intensivos, conferências, seminários, exposições e ciclos de cinema.
Esta iniciativa resulta não apenas do interesse cultural em si do(s) evento(s), mas também da auto-exigência de promover e aproveitar todas as oportunidades de cooperação entre discentes e docentes da Licenciatura de Estudos Orientais, e entre os mesmos e o Instituto Confúcio. A proposta de organização deste ciclo de cinema partiu de uma aluna da Licenciatura em Estudos Orientais, tendo o Instituto decidido agarrar a ideia com ambas as mãos, agendando e cabimentando a iniciativa para o Plano e Orçamento de 2008.

Filmes do Ciclo de Cinema
(todas as sessões têm início pelas 18h e decorrem no Anfiteatro B1, Campus de Gualtar)

- Herói, 21 de Janeiro, 2.ª feira;
- O segredo dos punhais voadores, 22 de Janeiro, 3.ª feira;
- Nem um menos, 23 de Janeiro, 4.ª feira;
- Caminho Solitário, 24 de Janeiro, 5.ª feira;
- A Maldição da Flor Dourada, 25 de Janeiro, 6.ª feira.

(Notas fornecidas pelo Instituto Confucio)

UM ANO

19.1.2007

19.1.2008

Vou começar a ler "Carta para minha Mãe", de George Simenon.

CINEMA: JOGOS DE PODER

JOGOS DE PODER

Em “Jogos de Poder” aparece um agente da CIA que por várias vezes tenta contar uma história que nós só ouviremos, na integra, no fim do filme. Uma história metafórica, é óbvio, sobre uma criança e um mestre Zen. A criança conta que lhe ofereceram um cavalo, o que, diz, é óptimo. O mestre acrescenta: “Veremos!”. A criança caiu do cavalo e partiu uma perna e lamentou-se da desgraça. O mestre Zen: “Veremos”. As crianças foram chamadas para a guerra, excepto aquela que estava com a perna partida, e ficou feliz: “Veremos!”, voltou a concluir o mestre. Concluir, não, suspender, esta a verdade que o mestre Zen procurava difundir. Ou seja, nada é definitivo, ou se preferirem, nunca se sabe o eco dos nossos actos. Julgamos por vezes estar a fazer algo muito preciso, e as circunstâncias futuras se encarregarão de demonstrar que não é bem assim que as coisas serão nesse tal futuro.
Por exemplo: em inícios da década de 80, nos EUA, em pleno reinado do republicano Ronald Reagan, existiu (existiu mesmo, assim como existiram os actos descritos no filme, asseguram argumentista e demais responsáveis) um senador democrata do Texas, de nome Charlie Wilson, solteirão, pouco conhecido da comunicação social, mas não nos corredores do poder, dado a mulheres e álcool, e sem problemas de o assumir. Foi Tom Hanks quem explicou as pretensões de Charlie Wilson quanto á forma de ser apresentado no filme: “Não me importo que me mostrem bêbado, a consumir drogas ou a dormir com mulheres. Nada disso me importa porque, provavelmente, fiz essas coisas. Mas, acima de tudo, quero que se retrate de forma fiel a importância da missão." A “missão” era a sua assumida luta contra o comunismo internacional. Por essa altura os soviéticos estavam metidos no Afeganistão até às orelhas, mas a guerrilha “mujahidina” não desarmava, resistia, apesar dos milhares de baixas que a aviação moscovita provocava. Eram aviões e helicópteros de último modelo contra armas da I Guerra Mundial. Um massacre.
Charlie Wilson (Tom Hanks) dirigia uma comissão para apoio a guerrilhas anti-comunistas. Depois de falar e ser (duplamente) seduzido pelas palavras (e não só!) da multimilionária texana Joanne Herring (Julia Roberts), que organizava soirées muito concorridas para angariar fundos para a luta contra a URSS, Charlie compreende que a luta do povo do Afeganistão tem de ter um outro apoio e percebe igualmente que uma derrota soviética nas montanhas rochosas do Médio Oriente poderia ser o início do fim para o inimigo nº 1 dos EUA.
Com o apoio de Gust Avrakotos (Philip Seymour Hoffman), um irado e subaproveitado agente da CIA, consegue duplicar, quadruplicar, e voltar a quadruplicar o orçamento de apoio aos afegãos, permitindo-lhes um armamento à altura da situação, que inverteu por completo os dados da questão. Poucos anos passados, os soviéticos saem daquele País com o peso de um derrota humilhante, e não faltou muito para a queda do muro de Berlim, da própria URSS e do pacto de Varsóvia. O Leste Europeu desmoronava-se perante esta vitória em toda a linha de alguns falcões americanos. Verdade? “Veremos”, teria dito o mestre Zen. E viu-se. A URSS acabou-se, mas os americanos descobriram um novo 31, abastecido por armas por si oferecidas. Começou no 11 de Setembro, passou pelo Afeganistão, onde re-encontraram os “talibans”, antes por si armados e treinados, já vai no Iraque, nada dos diz que não atravesse o Irão e assim por diante. “Catastrófico?” “Veremos”, mas nada de bom se augura.
Esta história de três pessoas combativas e muito persuasivas parece ficção política, mas é verdade. Ao que nos dizem tudo aconteceu assim. O que mostra também de que forma se pode fazer (e se faz!) política. Se acontece assim nos EUA, por que não acontecer um pouco por todo o lado? Uma dama bonita e rica, muito dada a guerras em nome de Deus, um senador fogoso, um agente da CIA que se julga injustamente colocado na prateleira. Uma guerra por aí e uma louca necessidade de nela intervir. O que teria sido melhor para o futuro da Humanidade? “Veremos!”
O que já vimos foi uma brilhante comédia assinada por um realizador de fina ironia e de brilhante direcção de actores. O mesmo brilhante realizador que há anos era vilipendiado por alguma crítica que agora exulta. O mesmo que se iniciou no cinema, em 1966, com uma adaptação da peça de Edward Albee, “Who's Afraid of Virginia Woolf?”, a que se seguiram, entre outros, “The Graduate” (1967), “Catch-22” (1970), “Carnal Knowledge” (1971), “The Fortune” (1975), Silkwood (1983), Biloxi Blues (1988), “Working Girl” (1988), onde descobriu Julia Roberts, “Postcards from the Edge” (1990), “Regarding Henry” (1991), “Wolf” (1994), “The Birdcage” (1996), “Primary Colors” (1998) “Angels in America” (TV) (2003), até chegar ao cintilante “Closer” (2004). Um homem de grande cultura e inteligência, com um humor corrosivo e uma ironia fina, um dos melhores encenadores de teatro americanos, e um fantástico director de actores.
Com argumento de Aaron Sorkin, Segundo obra de George Crile, “Charlie Wilson's War: The Extraordinary Story of the Largest Covert Operation in History”, “Jogos de Poder” (que se chama no original, “Charlie Wilson’s War”, “A Guerra de Charlie Wilson”, numa tradução à letra) mostra a elegante eficácia do cineasta, e a mestria do seu trabalho com três actores de eleição, Tom Hanks, Julia Roberts, e Philip Seymour Hoffman. Se todos aparecerem nomeados nada espanta. São três interpretações magníficas, de um virtuosismo invulgar, marcadas por (quase) imperceptíveis expressões, por gestos e olhares esboçados, por sorrisos de um breve sarcasmo que nos enche de alegria e prazer. Representar assim é uma sublime arte. Mas todo o elenco é óptimo e todo o filme é um regalo para a inteligência e o espírito. Não é uma obra-prima? Pois talvez não. Mas que importa? Quanto ao resto: “veremos!”

Mike Nichols

JOGOS DE PODER
Título original: Charlie Wilson's War
Realização: Mike Nichols (EUA, 2007); Argumento: Aaron Sorkin, segundo obra de George Crile; Música: James Newton Howard; Fotografia (cor): Stephen Goldblatt; Montagem: John Bloom, Antonia Van Drimmelen; Casting: Ellen Lewis; Design de produção: Victor Kempster; Direcção artística: Maria-Teresa Barbasso, Brad Ricker, Alessandro Santucci; Decoração: Nancy Haigh, Alessandra Querzola; Guarda-roupa: Albert Wolsky; Maquilhagem: Luisa Abel, Janice Alexander; Direcção de produção: Moncef Belam, Gregg Edler, Nigel Marchant, Cristen Carr Strubbe; Assistentes de realização: Noureddine Aberdine, Rosemary C. Cremona, Antoine Douaihy, Basil Grillo, Mustapha Grumij, Michael Haley, Matthew Heffernan, Mohamed Nesrate, Mark Trapenberg, Nathalie Vadim; Departamento de arte: Martin Charles, Gina B. Cranham, Charlotte Raybourn, Marco Trentini, Bruce West; Som: Christopher Atkinson, Ron Bochar, Nourdine Zaoui; Efeitos especiais: Wesley Barnard, Caimin Bourne, John C. Hartigan, Andy Williams; Efeitos visuais: Richard Edlund, Helena Packer, Liz Radley, Liz Ralston, Robert Skotak, Sarah Vinson; Produção: Tom Hanks, Gary Goetzman, Michael Haley, Mary Bailey, Celia D. Costas, Edward Hunt, Ryan Kavanaugh, Paul A. Levin, Jeff Skoll; Companhias de produção: Good Time Charlie Productions, Universal Pictures, Playtone, Participant Productions, Relativity Media;
Intérpretes: Tom Hanks (Charlie Wilson), Amy Adams (Bonnie Bach), Julia Roberts (Joanne Herring), Philip Seymour Hoffman (Gust Avrakotos), Terry Bozeman, Brian Markinson ... Paul Brown), Jud Tylor ... Crystal Lee), Hilary Angelo, Cyia Batten, Kirby Mitchell, Ed Regine, Daniel Eric Gold, Emily Blunt, Peter Gerety, Wynn Everett, Mary Bonner Baker, Rachel Nichols, Shiri Appleby, P.J. Byrne (Jim Van Wagenen), John Slattery (Henry Cravely), Thomas Crawford, Joe Roland, Patrika Darbo, Amanda Loncar, Salaheddine Ben Chegra, Om Puri (Presidente Zia), Faran Tahir (Rashid), Rizwan Manji (Mahmood), Maurice Sherbanee, Salam Sangi, Navid Negahban,Mozhan Marnò, Habib Saba, Nadia Miller, Michelle Arthur, Shila Vossugh Ommi, Edward Hunt, Michael Haley, Denis O'Hare (Harold Holt), Michael Spellman, Russell Edge, Christopher Denham (Mike Vickers), Joseph Sikora, Gabriel Tigerman, Patrick Bentley, Marc Pelina, Ken Stott (Zvi), Tracy Phillips, Aharon Ipalé, Ned Beatty (Doc Long), Mary Bailey, Trish Gallaher Glenn, Ron Fassler, Enayat Delawary, Nancy Linehan Charles, Daston Kalili, Pavel Lychnikoff, Ilia Volokh, Alexander Lvovsky, Sammy Sheik, Moneer Yaqubi, Gabriel Justice, Siyal Mohammad, Quill Roberts, Jim Jnsen, Harry S. Murphy, Spencer Garrett, Kevin Cooney, Ambria Miscia, Dan Rather, Rachel Style, etc.
Duração: 97 minutos; Distribuição em Portugal: Lusomundo; Classificação etária: M/ 12 anos; Data de estreia:3 de Janeiro de 2008 (Portugal)

CINEMA: JESSE JAMES

“O ASSASSÍNIO DE JESSE JAMES

PELO COBARDE ROBERT FORD”

Jesse James não é personagem de lenda. Existiu realmente na América do Far West e da “conquista da fronteira”. Chamava-se Jesse Woodson James, mas tinha vários pseudónimos, como o de Thomas Howard, viveu entre 5 de Setembro de 1847 e 3 de Abril de 1882, morreu com 35 anos de idade e, nesse curto espaço de tempo, ganhou fama de ser um dos mais temíveis fora-da-lei da história americana. Assaltou bancos e comboios, assassinou muita gente que se lhe opôs, e a perícia com que manejava o revolver trouxe-lhe fama acrescida. Nascido de uma família de agricultores, ele e o irmão Frank só se lançaram no caminho do banditismo depois de terem visto a mãe ser morta e o seu rancho destruído por uma arrogante companhia ferroviária que, para levar a bom porto o traçado da sua via intercontinental, passou por cima de interesses privados sem olhar a meios.
Jesse James durante a vida era já uma lenda, mas depois de morto tornou-se um mito, tanto mais que viria a ser assassinado, à traição, por um dos membros do seu gang, um tal Robert Ford, de que a História retém apenas a abominação do acto. Antes de morrer era cantado com temor e reverência, depois de morto passou a vítima suja de um qualquer Judas de má memória. “The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford”, produzido e interpretado por Brad Pitt, numa realização do neozelandês Andrew Dominik (que anteriormente havia só dirigido uma longa-metragem, “Chopper”, 2000, que o haveria de lançar internacionalmente), tem como tema precisamente este facto, retratando os últimos meses de vida de Jesse James (entre 7 de Setembro de 1881 e 3 de Abril de 1882) e o que restou de vida (amaldiçoada) do seu carrasco.
Com esta obra (e outras que se anunciam com idêntica inspiração), se diz que o western regressa ao cinema. Não tanto assim: o western nunca deixou de estar presente no cinema americano, constituindo um género que um dos mais célebres críticos e ensaístas cinematográficos de sempre, o francês André Bazin, considerou “o cinema americano por excelência.” Na verdade, o western é a História mais genuína de uma nação que nunca deixou de se reflectir neste género, com mais ou menos intensidade, é verdade. Mas a própria história do western cinematográfico acompanha a História dos últimos cento e tal anos dos EUA. Pode analisar-se a América através das suas componentes sociais, politicas, militares, psicanalíticas, olhando para os westerns que se foram realizando ao longo das décadas. Neles se espelha com uma nitidez insofismável o melhor e o pior de um povo, temores e esperança, vícios e virtudes, e nem sempre a virtude está do lado da lei.
Este “Jesse James”, de Brad Pitt, que se baseia num romance histórico de Ron Hansen, publicado em1983, é uma obra extremamente interessante, construída contra a narrativa dominante, procurando e recuperando olhares e silêncios, em detrimento de acções galopantes. Arrojada opção que nos permite surpreender uma obra diferente, sedutoramente intensa, vivendo sobretudo do olhar. Este é um filme que “olha” personagens que se “olham entre si”, criando uma floresta de íntimos e secretos relacionamentos que inquietam e criam o suspense.
Jesse James e Bob Ford, sobretudo, olham-se com insistência, analisam-se, estudam-se, reflectem-se um no outro (“queres ser como eu, ou queres ser eu”?, pergunta JJ), e pelo olhar tentam penetrar-se um no outro (sim, este é um filme de homossexualidade mal resolvida, obviamente: Bob Ford ama Jesse James e mata-o para fazer desaparecer dentro de si esse desejo que ele renega). Todo o filme está pautado por cenas que remetem para esse voyeurismo amoroso (JJ toma banho, nu, Bob Ford espreita-o e julga-o desarmado, mas JJ revela-lhe a arma, elemento fálico opor excelência, encoberta por uma toalha). Mas, para lá dessa vertente psicanalítica, há uma outra que se lhe cola: Jesse James é o protótipo que se procura copiar, mas, tal como acontece sempre que tal acontece, a atracção para a afirmação pessoal, passa pela “morte do pai”, a rejeição e separação do modelo, por forma mais ou menos violenta. Neste ponto a colagem ao cristianismo é óbvia: Bob é o Judas desta ceia familiar pouco católica, onde estão familiares e apóstolos, reunidos em conciliábulo. Antes de assaltar o comboio, uma das grandes cenas deste filme, reúnem-se numa floresta (que só por acaso não é o jardim das oliveiras), mas, pouco depois, a figura de Jesse James surge espectral, recortada em silhueta da luz intensa do comboio que avança. Também ele irá ter o seu Judas, que o matará à traição, pelas costas, quando sobe a uma cadeira para endireitar um quadro. Tal como Cristo, Jesse James é atraiçoado sabendo ao que vai. Assassinato ou suicídio? Não terá sido o cobarde Bob Ford apenas o meio encontrado por JJ para atingir os seus fins, que o cansaço da fama tornava inevitável?
Uma excelente meditação, madura e inesperada, sobre temas de enorme modernidade, a que um elenco fabuloso (Brad Pitt, melhor actor em Veneza, Casey Affleck, Sam Shepard são fulgurantes) empresta uma dimensão trágica, bem servida pela fotografia de Roger Deakins, e a inspirada banda sonora de Nick Cave e Warren Ellis. Se houver justiça, vão aparecer várias nomeações.
O ASSASSÍNIO DE JESSE JAMES PELO COBARDE ROBERT FORD
Título original: The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford
Realização: Andrew Dominik (EUA, 2007); Argumento: Andrew Dominik, segundo romance de Ron Hansen; Música: Nick Cave, Warren Ellis; Fotografia (cor): Roger Deakins; Montagem: Curtiss Clayton, Dylan Tichenor; Casting: Mali Finn, Deb Green, Jackie Lind; Design de produção: Patricia Norris; Direcção artística: Martin Gendron, Troy Sizemore; Decoração: Janice Blackie-Goodine; Guarda-roupa: Patricia Norris; Maquilhagem: Brian Hillard, Gail Kennedy, Rochelle Pomerleau, Dave Snyder, Christien Tinsley; Direcção de produção: David Dresher, Ravi D. Mehta, Brian Leslie Parker, Brian Parker; Assistentes de realiazação: Megan Basaraba, Jesse Cooper, Richard Duffy, Martin Ellis, Lisa Jemus, Carole O'Brien, Scott Andrew Robertson; Departamento de arte: Ricardo Alms, Michael Madden, Brad Milburn, Grant Van Der Slagt; Som: Christopher S. Aud; Efeitos especiais: Diane Woodhouse; Efeitos visuais; Dick Edwards, Mark Edwards, Deak Ferrand, Bryan Hirota, Sophie Leclerc, Julie Orosz; Produção: Tom Cox, Jules Daly, Lisa Ellzey, Dede Gardner, Brad Grey, Murray Ord, Brad Pitt, Jordy Randall, Ridley Scott, Tony Scott, David Valdes, Ben Waisbren; Companhias de produção: Warner Bros. Pictures, Jesse Films Inc., Scott Free Productions, Plan B Entertainment, Alberta Film Entertainment, Virtual Studios.
Intérpretes: Brad Pitt (Jesse James), Mary-Louise Parker (Zee James), Brooklynn Proulx (Mary James), Dustin Bollinger (Tim James), Casey Affleck (Robert Ford), Sam Rockwell (Charley Ford), Jeremy Renner (Wood Hite), Sam Shepard (Frank James), Garret Dillahunt (Ed Miller), Paul Schneider (Dick Liddil), Joel McNichol, James Defelice, J.C. Roberts, Darrell Orydzuk, Jonathan Erich Drachenberg, Torben Hansen, Alison Elliott, Lauren Calvert, Kailin See, Tom Aldredge, Jesse Frechette, Pat Healy, Michael Parks, Ted Levine, Joel Duncan, James Carville, Stephanie Wahlstrom, Adam Arlukiewicz, Ian Ferrier, Michael Rogers, Calvin Bliid, Sarah Lind, Nick Cave, Matthew Walker, Zooey Deschanel, Michael Copeman, Laryssa Yanchak, Hugh Ross (Narrador), etc.
Duração: 160 minutos; Classificação etária: M/ 12 anos; Distribuição em Portugal: Columbia / CTW; Locais de Filmagem: Alberta; Burton Cummings Theatre, Winnipeg, Manitoba; Calgary, Alberta; Canmore, Alberta; Edmonton, Alberta, Canadá; Hidden Hills, California, EUA.

HORÓSCOPO

Horoscopo - 14 a 20 de Janeiro

VAVADIANDO COM IRENE PIMENTEL

Para ler melhor, basta clicar na imagem.

1958 A SAGA DELGADO

REVELADO "MISTÉRIO" DA CADEIRA

E DOS SEUS OCUPANTES

No "Diário de Notícias" de hoje (12.1.2008), primeira página do suplemento "Gente", texto de Pedro Correia:

Lauro António filma

saga de Delgado

Personalidades dos mais diversos quadrantes políticos - de Jaime Nogueira Pinto a Otelo Saraiva de Carvalho - integram um documentário que o cineasta Lauro António está a rodar para a RTP sobre a figura de Humberto Delgado (1906-65). Obviamente, Demito-o é o título deste filme, que deverá ser exibido no canal público a 10 de Maio - precisamente na data em que se completa meio século sobre a polémica conferência de imprensa em que o "General sem Medo" admitiu pôr fim ao longo consulado de Salazar. Esta frase, que ficou para a história, marcou o arranque da campanha presidencial de 1958, que observadores insuspeitos consideram ter sido ganha por Delgado contra o candidato oficial do regime, Américo Tomás. A fraude eleitoral então registada impediu-o de assumir a Presidência.Centrado no período entre o início da campanha e a ida às urnas, a 8 de Junho de 1958, o documentário inclui depoimentos de cerca de 30 personalidades - nomeadamente a filha do general, Iva Delgado. E também de Ramalho Eanes, Maria Barroso, Marcelo Rebelo de Sousa, Irene Pimentel, Fernando Rosas, Vasco Lourenço, Pezarat Correia, Varela Gomes e Maria Barroso, entre outras. Um dos poucos depoimentos que faltam gravar é o de Mário Soares, que chegou a ser advogado da família Delgado após o general ter sido assassinado pela PIDE, em 1965."É um documentário que tem um grande valor pessoal para mim", disse ao DN Lauro António, assumido admirador do general, que com a campanha de 1958 "abriu horizontes a toda uma geração de portugueses", como sublinha o realizador, que tinha então 15 anos. "Foi um grande abalo no País", lembra por sua vez Iva Delgado. Logo após a conferência de imprensa, a PIDE passou a vigiar a residência da família do general, na Rua Filipe Folque, em Lisboa.Com Carlos Cunha como director de fotografia e Frederico Corado como assistente de realização, este é o regresso de Lauro António à RTP, onde já assinou diversos trabalhos, de ficção e documentais. O cineasta destacou-se sobretudo pela longa- -metragem "Manhã Submersa".

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vencedores em New Hampshire,

vão discutir o candidato democrático até ao fim.

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